Загружается информация...

Харменс ван Рейн Рембрандт
Rembrandt Harmenszoon van Rijn
		Нидерланды 1606—1669 Барокко
Рембрандт Харменсзон(сын Харменса) ван Райн родился 15 июля 1606 г. в многодетной семье мельника в Лейдене. Там же посещал латинскую школу и университет, но наибольший интерес проявлял к живописи. Вскоре он начал учиться изобразительному искусству у лейденского исторического живописца Якоба ван Сваненбурга. Затем в течение короткого времени занимался в Амстердаме у Питера Ластмана. Вернувшись в 1627 г. в Лейден, Рембрандт открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность. В 1631 г. художник перебрался в Амстердам. В 1634 г. он женился на Саскии ван Эйленбюрх. В 1641 г. у них родился сын Титус. Вскоре после этого, в 1642 г., Саския умерла. В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс. Художник скончался 4 октября 1669 г. в Амстердаме. Всего за свою жизнь он создал около 250 картин, 300 гравюр и 1000 рисунков.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Владимир Любаров
		Россия р. 1944
ЛЮБАРОВ Владимир Сергеевич родился 4 сентября 1944 года в Москве. Закончил московскую среднюю художественную школу при институте им. В.И.Сурикова в 1963 году и Московский полиграфический институт, факультет художественного оформления печатной продукции в 1969 г., где учился у Андрея Гончарова. Член Союза художников России с 1985 г. С 1973 по 1984 гг. был главным художником журнала \"Химия и жизнь\". Участник многих отечественных и зарубежных выставок, пяти персональных выставок. Работы находятся в музеях и частных коллекциях России, США, Великобритании, Германии, Бельгии, Нидерландов.
Статья с сайта http://www.chem.msu.su/
Вставить (заменить) фото переписать текст

ФРАНЦ МАРК
Franz Marc
		Германия 1880–1916 черты символизма и экспрессионизма
Родился в Мюнхене в семье художника.Мечтал стать священником,но в 20 лет обратился к искусству.Побывав в Париже, испытал влияние французского импрессионизма и постимпрессионизма. Разработал собственную теорию цвета, где придавал каждому из основных цветов особый духовный смысл (синий воплощал для него «мужское» и «аскетическое» начало, желтый – «женское начало» и «радости жизни», красный – гнет «грубой и тяжелой» материи). В1911 году Марк и русский живописец Василий Кандинский основали группу «Синий всадник». Зрелые картины мастера посвящены животным, представленным как высшие, более чистые существа по отношению к человеку, который казался Марку слишком безобразным. После начала Первой мировой войны Марк ушел добровольцем на фронт, где и погиб.
Вставить (заменить) фото переписать текст

ГАНС (Ханс ) ГОЛЬБЕЙН (Хольбейн) Младший
Hans Holbein
		Германия 1497–1543 эпоха Северного Возрождения
Фамилия семьи живописцев Гольбейн (среди которых наибольшую известность обрел именно Ганс)возможно берет свое начало от названия швейцарского средневекового кинжала. Учился Ганс у своего отца, художника Ганса Гольбейна Старшего. Прославился как создатель множества портретов, в которых подчеркивал внутреннее достоинство и сдержанную духовную силу людей. Будучи исключительно разносторонним художником,Ганс Гольбейн младший стал автором композиций на религиозные сюжеты,создавал фрески и витражи, работал над декорациями интерьеров, был мастером эскизов ювелирных изделий,работал в жанре книжной иллюстрации. В 29 лет прибыл в Англию с рекомендательным письмом Эразма Роттердамского к английским гуманистам.С 1536 он стал придворным художником английского короля Генриха VIII.В Англии в полной мере раскрылся выдающийся талант Гольбейна-портретиста. На родине в Германии искусство Гольбейна не нашло последователей,но оказало сильнейшее воздействие на развитие английского,а затем и всего западноевропейского портрета.Пристально всматриваясь в индивидуальные черты модели,точно и без прикрас воспроизводя ее облик,он создавал смелые и острые по рисунку,насыщенные цветом,жизненно-убедительные и яркие образы своих современников - волевых, целеустремленных людей эпохи Возрождения. Одной из самых сильных и скандальных работ Гольбейна младшего стала картина \"Мертвый Христос\".Федор Михайлович Достоевский был потрясен этим полотном и дал оценку этой работе устами своего персонажа,князя Мышкина в романе «Идиот»:картина,от которой можно потерять веру. Еще один интересный факт:в честь художника свое имя получили стиль вышивки и тип восточных ковров, так как Гольбейн часто изображал их на своих портретах.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джозеф Маллорд Вильям Тёрнер
Joseph Mallord William Turner
		Англия 1775-1851 романтизм
Знаменитый английский живописец-пейзажист был сын парикмахера и получил лишь самое элементарное образование.Вначале помогал отцу в его ремесле.После знакомства с английским художником Джиртином увлекся живописью. Тернер был удивительно восприимчив к впечатлениям света и ставил себе главной задачей передачу разнообразной его игры.Именно поэтому Тернера по праву считают предшественником направления -которое появилось лишь спустя 20 лет после его смерти- импрессионизма. Как истинный романтик,Тернер был угрюм,необщителен,равнодушен ко всему,кроме своего искусства и ощущал собственную чуждость человечеству.Одной из его странностей было исчезать на несколько дней,не предупредив никого,и скрываться в небольшой грязной квартире в глухой части Лондона. Даже свои дни Джозеф Тернер окончил как истинный романтик:умерев скоропостижно в одну из таких отлучек. Значительную часть своего состояния Тернер завещал на благотворительные дела, а все свои непроданные произведения — Лондонской национальной галерее.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Микеланджело Меризи да Караваджо
Michelangelo Merisi da Caravaggio
		Италия 1571-1610 близок к барокко
Микеланджело Меризи,прозванный Караваджо по названию местечка в Ломбардии,откуда он был родом,был личностью темпераментной,склонной к авантюрам.Какое-то время бродяжничал и дружил с бандитами,даже убил человека во время пьяной драки.Караваджо вел беспорядочную жизнь.Возможно,столь бурной биографией от части он был \"обязан\" своему покровителю- кардиналу дель Монте-воспевавшему геденистический образ жизни.Но все эти неоднозначные факты ничуть не умоляют живописного таланта Караваджо.Это ярчайшая личность,которую на ряду с такими художниками как Рембрандт,Гойя невозможно отнести к определенному живописному направлению.Они сами собой являют эпоху в искусстве. Караваджо первый внес в итальянскую живопись понятие «жанра».В своих работах превыше всего ставил правдивость и конкретность изображаемых образов.Художник любил неожиданные ракурсы,оптические \"изюминки\",световые контрасты.Его картины-это особое видение мира в его изменчивости и динамике.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Вячеслав Пакулин
		Россия 1900-1951
ПАКУЛИН Вячеслав Владимирович родился в 1900 г. в Рыбинске, умер в1951г. в Ленинграде. Учился в ЦУТР, центральном училище технического рисования, (1916-18, 1920-22 гг.) у В. Н. Соловьева, Б. В. Гурецкого, И. С. Школьника , а затем во Вхутемасе – Вхутеине (1922-25) у А. Е. Карева и А. И. Савинова. Учебу совмещал с занятиями на Курсах мастерства сценических постановок, организованных в 1918 г. В. Э. Мейерхольдом в Петрограде. Принимал участие в оформлении массовых праздников, посвященных октябрьским годовщинам. В ранних живописных произведениях Пакулина заметно влияние пространственной концепции К. С. Петрова-Водкина: намеренно ломаное пространство, геометризация форм. В 1926 г. включился в создание и творческую жизнь объединения \"Круг художников\", ставившего своей задачей идти \"через картину к стилю эпохи\". В 1927-32 гг. был председателем этого объединения. Разрабатывал идею о монументальном начале в искусстве 1920-30-х гг., обращаясь к \"истокам\" - древнерусской фреске. В 1926-27 гг. работал над своим программным произведением \"Жница\". В 1930-х гг. Пакулин резко изменил манеру письма и обратился к непосредственно к восприятию природных форм. В эти же годы побывал в творческой командировке в Донбассе, выполнил ряд произведений на индустриальную тему (\"Цех завода \"Электросила\"). Работал в составе бригады художников над панно \"Хлопок\" в Москве (1935), \"Физкультура\" для советского павильона на Всемирной выставке 1937 г. и Париже. Во время войны остался в осажденном Ленинграде, создал в гуашах \"летопись\" блокады. После войны реализовал себя в городском пейзаже. Ему принадлежат слова:\"Страшная вещь, когда художник сам себя признал\".
Статья с сайта http://www.staratel.com/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Алессандро Маньяско
Alessandro Magnasco
		Италия 1667-1749 Барокко
Родился в Генуе 4 февраля 1667 г. в семье живописца Стефано Маньяско. Учился у отца, а затем в Милане у Филиппо Аббьяти. Носил прозвище «Лиссандрино» (Lissandrino), образованное от его имени. Работал в Милане (до 1703 и в 1711-1735 гг.), Флоренции (1703-1711 гг.) и Генуе (в ранний период и с 1735 г.). Испытал влияние живописи В. Кастелло, П. Ф. Мораццоне, С. Розы, Ж. Калло. Писал религиозные и мифологические сцены, жанровые картины. Архитектурные фоны в его произведениях выполняли художники К. Спера, К. А. Тавелла, Н. ван Хоубракен, М. Риччи, П. Бьянки. Умер в Генуе 12 марта 1749 г. Ключевые слова при характеристике его творчества – ирония, пародия, всеобщее затмение, распад, сарказм, полуфантастические видения, экспрессия. Нервные, крупные мазки в сумрачной коричневой и оливково-зелёной цветовой гамме сочетаются на его полотнах с резкими вспышками более светлых тонов. Среди его картин, похожих на «миражи, возникающие в мозгу курильщика опиума» (Аркадий Ипполитов) - «Вакханалия», «Привал бандитов», «Грабители могил», «Похороны монаха», «Допрос в тюрьме», «Паяц, обучающий сороку».
Статья с сайта http://slovari.yandex.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Пьер Боннар
Pierre Bonnard
		Франция 1867-1947 второе поколение импрессионистов
Семья Боннаров ничем не отличалась от прочих буржуазных семей. Образованию отпрысков Боннары уделяли огромное внимание. Пьер учился в престижных парижских лицеях, где ему на всю жизнь привили любовь к философии и классической литературе. Отец хотел, чтобы его сын стал юристом, но сам Пьер вовсе не стремился к тому, чтобы заниматься каким-либо серьезным делом. «Меня больше всего привлекала не живопись сама по себе, — признавался впоследствии Боннар, — а предоставляемая ею возможность вести свободный образ жизни и делать все, что захочется». В 20 лет, продолжая учебу на юридическом факультете, Боннар поступил в вечерние классы школы живописи. Вскоре появляется группа молодых художников, которые назвали себя «Наби» (в переводе с древнееврейского — «пророки»). Члены «Наби» считали себя мистическим братством, наряжались в восточные костюмы, а мастерскую , где собиралась группа, именовали Храмом. Боннар среди «пророков» получил прозвище «Японец», данное ему за пристрастие к японской гравюре. Более всего Пьера восхищало умение японских художников изобразить обыденный сюжет с помощью декоративных плоскостей. «Пророки» декларировали свое право на декоративное искусство, не стремящееся к отображению реальности. Боннар впервые сумел заявить о себе в 22 года, выиграв конкурс на создание рекламного плаката для «Франс Шампань». Пьер наконец-то обрел долгожданную «свободную жизнь» и с легким сердцем забыл о юриспруденции. «Свобода», признание, вкус удачи, - Боннар имел всё. Но, несмотря на это, он прожил большую часть жизни с одной женщиной по имени Марта, которая стала его официальной женой лишь спустя 32 года. А вот натурщицей для большинства его картин - с первых дней. Незадолго до смерти Боннар сравнил себя с электрической лампой, которая ярко вспыхивает, перед тем как навеки погаснуть: последние месяцы жизни Боннара ознаменовались прощальной вспышкой вдохновения, — он вновь начал писать, причем с ошеломляющей, молодой энергией. «Только сейчас я стал прозревать и готов начать все сначала», — говорил Боннар перед смертью.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Лоуренс Альма-Тадема
Laurens Alma Tadema
		Нидерланды, Англия 1836-1912 историческая, мифологическая живопись, символизм, прерафаэлит
Сэр Лоренс Альма-Тадема был одним из самых известных художников своего времени. Голландец по происхождению, Альма-Тадема переехал в 1870 году в Англию, где сделал успешную карьеру. За своё творчество он был щедро награждён титулами и званиями. Сцены из жизни Древнего Рима, Греции и Египта, созданные художником в стиле неоклассицизма, пользовались огромной популярностью в викторианской Англии. Английский живописец нидерландского происхождения, он был не только мастером исторической живописи и знаменитым художником-символистом XIX века, но и основоположником стиля прерафаэлитов. Всей живописи Альмы-Тадемы свойственно колористически светлое звучание. А о его биографии известна одна деталь, говорящая о тщеславии Альмы-Тадемы сполна: прибавку «Альма» к своему имени британско-голландский честолюбец позаимствовал у своего крёстного отца, чтобы отныне в художественных каталогах располагаться в самых верхних списках. Кроме этого об Альме-Тадеме ещё при жизни ходили слухи, что знаменитый прерафаэлит свои картины творит, срисовывая с фотографий, при этом не безбожно «сдирая» всё, а привнося в суть самой картины и «из себя». Интересно и то, что Альма-Тадема выполнял некоторые заказы на театральные постановки, в частности на постановку «Кориолана» Генри Ирвинга в 1901 году в лондонском театре «Лицеум». Но при всей своей огромной популярности при жизни сэр Лоренс Альма-Тадема был тут же забыт, как только душа его покинула бренное тело.
Статья с сайта http://www.artrex.ru/canvas/78-zoom.php
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джон Констебл
John Constable
		Англия 1776-1837 пейзаж
Родился 11 июня 1776 в Ист-Бергхолте (графство Суффолк). В 1799 поступил в Королевскую Академию искусств, в 1829 был избран члены Академии. Позднее признание творчества художника было отчасти обусловлено его принципиально новой, не соответствовавшей нормам академического искусства трактовкой природы. Новизна пейзажей Констебла стала результатом его глубокого научного интереса к эффектам отраженного света, которые он тщательно изучал. Физик Майкл Фарадей и химик Джордж Филд восхищались работами художника. В первом варианте картины Телега для сена (Лондон, музей Виктории и Альберта) Констебл благодаря тонкому умению различать цветовые и световые нюансы передал многочисленные градации тона и оттенки цвета. Однако в другом варианте той же картины (1821, Лондон, Национальная галерея) он, предвидя критику в адрес своего необычного живописного стиля, заменил свежесть «первого впечатления» (по его собственному выражению) более сдержанной, почти монохромной цветовой гаммой, что привело к утрате ощущения сиюминутности и изменчивости. Открытия Констебла, близкие поискам естествоиспытателей 19 в., а также голландских художников 17 в. Хоббемы, Рейсдала и Кейпа, оказали большое влияние на его последователей за пределами Англии, в первую очередь на французских импрессионистов. Умер Констебл в Лондоне 31 марта 1837.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Арнольд Бёклин
Arnold Beklin
		Швейцария 1827-1901 символизм
Швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века. Учился в Академии художеств в Дюссельдорфе (1845-1847), затем в Мюнхене. Предпринял образовательное путешествие по Швейцарии, Нидерландам и Франции. В 1850—1857 работал в Риме. В 1860—1862 был профессором в Академии художеств в Веймаре. Последние годы работал попеременно в Базеле и в Италии. Картины Беклина, яркие и резкие по цвету, написаны главным образом темперой. В картинах Бёклина выступает вымышленный мир, часто нарочито таинственный. Вначале писал романтические пейзажи с мифологическими фигурами, затем — фантастические сцены с нимфами, морскими чудовищами и т. д. («Тритон и Нереида», 1873—1874). Поздние композиции («Остров мёртвых», 1880, Художественный музей, Базель; в начале XX века репродукции с неё были очень популярны), где фантастическая символика сочетается с натуралистической достоверностью деталей, повлияли на формирование немецкого символизма и югендштиля. Под влиянием Бёклина находились такие художники сюрреализма, как Макс Эрнст, Сальватор Дали, Джороджо де Кирико.
Статья с сайта http://www.peoples.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франц Ксавье Винтерхальтер
Franz Xavier Winterhalter
		Германия 1805-1873 Академический классицизм
Родился 20 апреля 1805 г. в деревне Менсеншвад в немецком Великом герцогстве Баден в семье с крестьянскими корнями. Обучался графике во Фрайбурге, а с 1825 г. живописи в Мюнхенской академии у Петера Корнелиуса и у более близкого ему модного портретиста Иозефа Стилера. Во время стипендиальной поездки в Италию в 1833-1834 гг. пишет романтические жанровые сцены в манере Леопольда Роберта. В 1835 г. после того, как он нарисовал портрет великого герцога Леопольда Баденского, был назначен главным придворным живописцем. В 1836 г. уезжает во Францию, где при Наполеоне III становится главным портретистом императорской семьи и двора Франции. В середине XIX столетия считался одним из самых популярных портретистов Европы. Кисти Винтерхальтера принадлежат изображения почти всех королевских семей его времени, включая австро-венгерскую, английскую, французскую, российскую и бельгийскую, а также портреты представителей аристократии этих государств. Особо удавались ему женские портреты. Все его модели красивы, и при этом еще и очень похожи на себя. Он мастерски передаёт блеск драгоценностей, фактуру дорогих тканей и кружев, изящество женских причесок. В светских салонах Франции получил прозвище «Франц Великолепный» и «Живописец принцев». Александр Дюма писал: «Дамы в течение месяцев ждут своей очереди, чтобы попасть в ателье Винтерхальтера и Дюбюфа, они записываются, они имеют свои порядковые номера и ждут – одна год, другая восемнадцать месяцев, третья два года. Наиболее титулованные имеют преимущества». Однако, в артистических кругах своего времени он не пользовался репутацией серьёзного художника. Умер во Франкфурте 8 июля 1873 г. Среди его работ - портреты В.Д. Римской-Корсаковой,\"татарской Венеры\"; Т.А.Юсуповой; императрицы Елизаветы; императрицы Марии Фёдоровны.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Franz_Xavier_Winterhalter
Вставить (заменить) фото переписать текст

Август Макке
August Macke
		Германия 1887-1914 экспрессионизм
Немецкий художник, представитель экспрессионизма. Родился в Мешеде (Северный Рейн-Вестфалия) 3 января 1887 в семье инженера. С 1904 учился в Дюссельдорфской академии художеств, попутно работая оформителем в местном театре, а с 1906 – в Берлинской академии, где его наставником был Л.Коринт. Испытал решающее влияние как отечественного, так (побывав в 1907 в Париже) и французского импрессионизма. В 1910 подружился с Ф.Марком, а в 1911 вступил в группу «Синий всадник» и опубликовал в одноименном альманахе статью Маски, выразившую общий курс группы на переход от изображения внешности предметного мира к выражению его внутренней сути. В своих зрелых вещах, воспроизводящих обычно простые жанровые мотивы в пейзажной среде (Купающиеся девушки, 1912, Баварские государственные собрания, Мюнхен; Люди на мосту, 1914, Музей земли Гессен, Дармштадт; Дети у водной колонки, 1914, Городские художественные собрания, Бонн), Макке проявил себя как самый жизнерадостный из экспрессионистов: он сам определял свои произведения как «песнь о красоте вещей». Его яркие красочные гаммы со временем принимали все более абстрактный, «космически»-орнаментальный характер, приближаясь к орфизму Р.Делоне, с которым он познакомился в 1912. Новым стимулом для его колористических поисков стало краткое путешествие в Тунис, предпринятое вместе с П.Клее (1914). Призванный в армию в начале Первой мировой войны, Макке погиб на западном фронте, в Перт-лез-Юрлю (французская провинция Шампань) 26 сентября 1914.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Николай Пиросманишвили
(Нико Пиросмани)
		Грузия, Россия 1862-1918 примитивизм
Родился в селе Мирзаани. Художник-самоучка. Расписывал стены духанов в Тифлисе, писал сцены из жизни горожан и крестьян, их портреты, в том числе групповые, а также пейзажи, натюрморты, животных. С 1912 стал известен благодаря художнику М. Ле-Дантю и поэту И. Зданевичу, впервые написавших о нем и показавших его произведения в Москве, Петербурге, Париже. В 1913 участвовал в выставке \"Мишень\". Его произведения находятся в ГТГ, Москва; ГРМ, С.-Петербург; художественных музеях Грузии и др. собраниях.
Статья с сайта http://www.persons.local100.ru/res_39768.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Пауль де Вос
Paul de Vos
		Фламандия 1596/1600-1654 охотничьи сцены, натюрморты
Фламандский живописец, младший брат художника Корнелиса де Воса. Рисовал охотничьи сцены и натюрморты в стиле Франса Снейдерса. Изображал сцены охоты на медведей и кабанов, а также отдельные фигуры животных, отличаясь при этом жизненностью фигур, силой и блеском красок, но менее исправным рисунком, чем у Снейдерса. Особенно удачно воспроизводил он собак. Он был шурином Снейдерса. В 1637 Снейдерс и братья де Вос помогали Рубенсу выполнять картины для охотничего домика Филип IV «Torre de la Parada» в Испании, около Мадрида. Картины Пауля де Воса находятся во многих галереях, в Эрмитаже их выставлено пять, «да две, по недостатку места в залах этого музея, спрятаны в его кладовых», как указано в каталоге начала прошлого века.
Статья с сайта http://izoselfportrait.narod.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Эдвард Мунк
Edward Munch
		Норвегия 1863-1944 предтеча экспрессионизма
Эдвард Мунк родился в многодетной семье военного врача. Детство Эдварда было абсолютно безрадостным. В глубокой старости художник вспоминал: «Болезнь, сумасшествие и смерть были черными ангелами, слетевшимися к моей колыбели, чтобы сопровождать меня на протяжении всей жизни». После окончания школы Мунк какое-то время учился на инженера, но порвал с этой идеей, движимый стремлением заниматься живописью. В 23 года он выставил на суд зрителей свою первую картину «Больной ребенок», вызвавшую бурю негодования и давшую критикам повод для упреков в пессимизме и натурализме. Тревожные мотивы одиночества, отчаяния и смерти становятся ведущими и в последующих его работах. Про свою, пожалуй, самую известную картину «Крик» (из цикла «Фриз жизни») Мунк писал: «Солнце ушло прямо в низ – небеса стали красными, будто кровь. Я ощутил крик, пронизывающий природу». Творчество Мунка очень самобытно. Его считают пионером экспрессионизма, но при этом в его работах можно усмотреть и символизм,и декоративность модерна,и стихийную динамику фовизма. А фразу:«Я пишу не то, что вижу, а то, что увидел», позже подхватил вождь будущих сюрреалистов Андре Бретон.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Макс Эрнст
Max Ernst
		Германия 1891-1976 сюрреализм
Макс Эрнст родился в многодетной семье учителя школы для глухонемых. В последние годы жизни Макс Эрнст очень любил рассказывать о том, что его отец очень строго придерживался правил католической морали и всеми средствами старался привить их своим детям. В школе Эрнст учился посредственно. От своих сверстников Макс отличался только чрезмерной впечатлительностью и болезненным воображением. В 18 лет Эрнст поступил на философский факультет Боннского университета. Особый интерес в эти годы вызвала у Эрнста психология. Познакомившись с работами Фрейда, будущий художник стал усердно посещать лечебницы для душевнобольных и делать наброски с несчастных обитателей этих «домов скорби». Вскоре Эрнст стал членом группы начинающих художников, которая называлась «Молодость Рейна», твердо решив посвятить себя искусству. В те же годы он подружился с художником-экспрессионистом Августом Маке. Богемная и вполне беспечная жизнь Эрнста был прервана Первой мировой войной. Война коренным образом изменила взгляды Эрнста на искусство. \"Мы, молодые люди, возвратившиеся с войны, испытываем глубочайшее отвращение к окружающему нас миру, - писал он. - Оно выражается в страстном желании отвергать и потрясать устои цивилизации, которая привела человечество к этой войне. Мы готовы объявить свою войну старому языку, логике, литературе и живописи\". Первым протестом стало основание в Кельне группы дадаистов. Их первые выставки вызвали жуткий скандал. На них Эрнст представил свои коллажи, созданные из мусора, и образцы творчества умалишенных. Отец Эрнста отрекся от сына, заявив Максу: \"Я проклинаю тебя. Ты опозорил мое имя\". Эрнст уезжает в Париж. Этот город казался ему настоящей столицей авангардного искусства. Там он нашел себя, войдя в сюрреалистическую группу \"Сезон сна\". В поисках новых художественных средств Эрнст вводит в работу новые техники, названные им фроттажем и граттажем. Все складывалось успешно: жизнь художника била ключом, в ней царили веселье, творческие озарения и любовные приключения. С началом Второй мировой войны Эрнст был вынужден уехать в Америку. Возвращение в Европу состоялось только в 1953 году. В послевоенные годы атмосфера картин Эрнста очень изменилась. Появилась лирика и яркость. Брутальность сменили романтические настроения. Творчество Макса Эрнста получило широкое признание.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Николаевич Бакшеев
		Россия 1862–1958 бытописание, пейзаж
Родился в Москве 12 (24) декабря 1862 в семье чиновника. Занимался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ; 1877–1888), в частности у А.К.Саврасова и В.Д.Поленова. Жил в Москве. Был членом «Товарищества передвижников», а также одним из организаторов и самых характерных мастеров «Союза русских художников» (с 1903). С 1922 состоял в АХРР. Жил преимущественно в Москве. Продолжил традицию поэтического бытописания «передвижников» в своих жанрах – идиллических (Девушка, кормящая голубей, 1887, Третьяковская галерея) или, напротив, гнетуще-тревожных (Житейская проза, 1892–1893, там же). Много работал как пейзажист, соединяя сдержанно-импрессионистичную манеру с мягкой символической обобщенностью образов (Осенние лучи, 1916, Русский музей). После революции пейзаж стал ведущим руслом его творчества (популярная Голубая весна, 1930; Весенний день, 1940; обе работы – в Третьяковской галерее). Порой придавал своим образам мемориально-политическое значение (цикл На родине М.И.Калинина, 1947), в целом же демонстрировал тенденцию к «уединению в пейзаже», характерную для многих российских художников тех лет, в особенности бывших «союзников». Лауреат Сталинской премии 1943. Много работал как педагог: с 1894 преподавал в МУЖВЗ и других училищах. Умер Бакшеев в Москве 28 сентября 1958. Посмертно вышли его Воспоминания (1963).
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Лев Самойлович Бакст (Розенберг)
		Россия 1866-1924 модерн, графика, театральная живопись
Родился в Гродно в 1866 году в семье мелкого коммерсанта. Учился в гимназии, четыре был вольнослушателем в Академии Художеств, но, разочаровавшись в академической подготовке, покинул это заведение. Занимался живописью самостоятельно, подрабатывая иллюстратором детских книг и журналов. Впервые представил свои работы на выставке в 1889 г., приняв в качестве псевдонима сокращенную фамилию бабушки по матери (Бакстер). В начале 1890-х годов выставлял свои работы, в основном, пейзажи, в «Обществе акварелистов». С середины 1890-х примкнул к кружку писателей и художников, объединившихся вокруг С. Дягилева и А. Бенуа, и в дальнейшем стал одним из инициаторов создания «Мира искусства». Именно графические работы для журнала «Мир искусства» принесли Баксту широкую известность. Бакст внес волнистую линию модерна и почти восточное пристрастие к плоскостному рисунку и ярким краскам в мир садов, архитектурных перспектив и развевающихся драпировок, излюбленный художниками, близких «Миру искусства». Художник продолжал заниматься и станковой живописью, исполнив множество графических и живописных портретов известных писателей и художников — Ф. Малявина (1899), В. Розанова (1901), Андрея Белого (1905), З. Гиппиус (1906) и др. По необходимости содержать семью, — овдовевшую мать и малолетних братьев и сестер, Бакст стал учителем рисования детей великого князя Владимира, а в 1902 г. получил от царя заказ — изобразить «Встречу русских моряков» в Париже. Период с 1893 по 1899 г. провел в Париже, при этом часто наезжая в Петербург. В 1898 году Бакст выставляется на первой выставке русских и финляндских художников, устроенной С. Дягилевым, а с 1899 года принимает постоянное и деятельное участие в выставках «Мира искусства», в выставках «Secession» в Мюнхене, до 1910 года — в выставках «Союза русских художников», а также различных художественных выставках в Праге, Венеции, Риме, Брюсселе, Берлине. В годы первой русской революции сотрудничал с сатирическими журналами «Жупел», «Адская почта» и «Сатирикон», затем оформлял журналы «Золотое руно» и «Аполлон». Занимался книжной графикой и декоративным искусством, оформляя интерьеры и выставки. К концу 1900-х г.г. Бакст ограничил себя работой в театре, благодаря которой и вошел и вошел в историю как выдающийся театральный художник. Дебютировал в театре он еще в 1902 г. Позднее художник делал театральные костюмы для артистов (например, для Анны Павловой). Бакст стал ведущим художником «Русских сезонов» и «Русского балета С. Дягилева» и создал декорации и костюмы к таким балетным спектаклям как «Клеопатра» (1909), «Шехерезада» и «Карнавал» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912) и др., поражавшие зрителей своей фантазией, сказочной роскошью, утонченной изысканностью костюмов, новыми и смелыми сочетаниями красок. Все эти годы Бакст проживал в Европе, что было вызвано необходимостью находиться возле балетной труппы, а также тем, что, как еврей, он не имел вида на жительство в Петербурге. В 1914 г. Бакст был избран членом Императорской Санкт-Петербургской Академии Художеств. Нараставшее напряжение в отношениях Бакста и Дягилева привели к тому, что в 1918 г. художник был вынужден покинуть труппу. Умер 27 декабря 1924 г. в Париже от отека легких.
Статья с сайта http://www.silverage.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Александр Николаевич Бенуа
		Россия, Франция 1870-1960 модерн
А. Н. Бенуа родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета (1890-94), но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома \"Истории живописи в XIX веке\" Р. Мутера, вышедшего в 1894 г. О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства. В 1897 г. по впечатлениям от поездок во Францию он создал первую серьезную работу - серию акварелей \"Последние прогулки Людовика XIV\", - показав себя в ней самобытным художником. Неоднократные поездки в Италию и Францию и копирование там художественных сокровищ, изучение сочинений Сен-Симона, литературы Запада XVII-XIX вв., интерес к старинной гравюре - явились фундаментом его художественного образования. В 1893 Бенуа выступил как пейзажист, создав акварели окрестностей Петербурга. В 1897-1898 он пишет акварелью и гуашью серию пейзажных картин Версальских парков, воссоздав в них дух и атмосферу старины. К концу 19 началу 20 века Бенуа снова возвращается к пейзажам Петергофа, Ораниенбаума, Павловска. Он прославляет красоту и величие архитектуры XVIII в. Природа интересует художника главным образом в ее связи с историей. Обладая педагогическим даром и эрудицией, он в конце XIX в. организовал объединение \"Мир искусства\", став его теоретиком и вдохновителем. Много работал в книжной графике. Часто выступал в печати и каждую неделю публиковал свои \"Художественные письма\" (1908-16) в газете \"Речь\". Не менее плодотворно работал он и как историк искусства: издал в двух выпусках (1901, 1902) получившую широкую известность книгу \"Русская живопись в XIX веке\", существенно переработав для нее свой ранний очерк; начал выпускать серийные издания \"Русская школа живописи\" и \"История живописи всех времен и народов\" (1910-17; издание прервалось с началом революции) и журнал \"Художественные сокровища России\"; создал прекрасный \"Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа\" (1911). После революции 1917 г. Бенуа принимал деятельное участие в работе всевозможных организаций, связанных главным образом с охраной памятников искусства и старины, а с 1918 г. занялся еще и музейным делом - стал заведовать Картинной галереей Эрмитажа. Им был разработан и успешно реализован совершенно новый план общей, экспозиции музея, способствовавший наиболее выразительной демонстрации каждого произведения. В начале XX в. Бенуа иллюстрирует произведения Пушкина А.С. Выступает как критик и историк искусства. В 1910-х в центр интересов художника попадают люди. Такова его картина \"Петр I на прогулке в Летнем саду\", где в многофигурной сцене воссоздается облик минувшей жизни, увиденной глазами современника. В творчестве Бенуа-художника решительно преобладала история. Две темы неизменно пользовались его вниманием: \"Петербург XVIII - начала XIX в.\" и \"Франция Людовика XIV\". К ним он обращался в первую очередь в своих исторических композициях - в двух \"версальских сериях\" (1897, 1905-06), в широко известных картинах \"Парад при Павле I\" (1907), \"Выход Екатерины II в Царскосельском дворце\" (1907) и др., воспроизводя давно ушедшую жизнь с глубоким знанием и тонким ощущением стиля. Тем же темам, в сущности, были посвящены и его многочисленные натурные пейзажи, которые он обычно исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию и подолгу жил там). В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой \"Азбука в картинах Александра Бенуа\" (1905) и иллюстрациями к \"Пиковой даме\" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к \"Медному всаднику\", трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22). В эти же годы принимает участие в оформлении \"Русских сезонов\", организованных Дягилевым С.П. в Париже, которые включали в свою программу не только оперные и балетные постановки, но и симфонические концерты. Бенуа оформил оперу Р. Вагнера \"Гибель богов\" на сцене Мариинского театра и вслед за тем исполнил эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина \"Павильон Армиды\" (1903), либретто которого сочинил сам. Увлечение балетом оказалось настолько сильным, что по инициативе Бенуа и при его непосредственном участии была организована частная балетная труппа, начавшая в 1909 г. триумфальные выступления в Париже - \"Русские сезоны\". Бенуа, занявший в труппе пост директора по художественной части, исполнил оформление к нескольким спектаклям. Одним из высших его достижений были декорации к балету И. Ф. Стравинского \"Петрушка\" (1911). Вскоре Бенуа начал сотрудничество с МХТ, где он удачно оформил два спектакля по пьесам Ж.-Б. Мольера (1913) и некоторое время даже участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко. С 1926 жил в Париже, где и скончался. Основные работы художника: \"Прогулка короля\" (1906), \"Фантазия на Версальскую тему\" (1906), \"Итальянская комедия\" (1906), иллюстрации к Медному всаднику Пушкина А.С. (1903) и другие.
Статья с сайта http://www.bibliotekar.ru/kBenua/index.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Константин Федорович Богаевский
		Россия 1872-1943 символизм
Русский художник, представитель символизма, мастер пейзажа. Родился в Феодосии в семье чиновника. В гимназические годы посещал мастерскую И.К.Айвазовского и занимался под руководством его ученика, местного живописца А.И.Фесслера. В 1891–1897 учился в петербургской Академии художеств под руководством А.И.Куинджи. Посетил Германию и Францию (1897), а также Италию и Грецию (1907–1908). Был членом объединений «Мир искусства», «Союз русских художников», «Жар-цвет». Посвятил свое творчество живописным мотивам Крыма, преимущественно восточного (Феодосия, Коктебель, Судак, Старый Крым с их окрестностями). Как и в стихах его друга М.А.Волошина, Киммерия (поэтическое название Крымского полуострова) предстает в его картинах таинственным краем, безлюдным, но хранящим зримую память о минувших веках (Древняя крепость, 1902, Картинная галерея имени Айвазовского, Феодосия; Берег моря, 1907, Третьяковская галерея, Москва), так что скалы кажутся столь же романтически-ассоциативными, как и исторические руины. Реальные впечатления часто стилизуются у него в духе «героического пейзажа» мастеров Возрождения и барокко (Воспоминания о Мантенье, 1910, там же), претворяясь в монументальные панно для украшения интерьера (три «героически-пейзажных» панно в бывшем особняке Морозовой на Спиридоновке в Москве, 1911–1912), светила же порой уподобляются небесным знамениям. Богаевский много работал в технике акварели и литографии (альбом Пейзажи Киммерии, 1923). В советский период продолжал прежние крымские циклы; писал также индустриальные ландшафты, придавая своему символизму задумчивый социал-утопический оттенок (серия полотен Днепрострой, 1930). Богаевский погиб в Феодосии 17 февраля 1943 при взрыве авиабомбы.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles
Вставить (заменить) фото переписать текст

Алексей Петрович Боголюбов
		Россия, Франция 1824-1896 пейзажист, баталист, маринист
А. П. Боголюбов - \"моряк-художник\", как он сам себя назвал, - был замечательным пейзажистом и не менее замечательным человеком. Всю жизнь он совершенствовал свое мастерство, целеустремленно и вдумчиво работал, не позволяя себе ни на минуту расслабиться, - и оставил очень интересное художественное наследие. Кроме того, много сил и все свое весьма значительное состояние отдал делу развития русской художественной школы. В среде русских художников пользовался глубочайшим уважением. Родился Боголюбов в семье ветерана Отечественной войны 1812 г., по матери он - внук А. И. Радищева. В 1841 г. окончил Морской кадетский корпус и служил на флоте, побывал во многих странах. С 1849 г. посещал классы Петербургской АХ, учился у М. Н. Воробьева и Б. П. Виллевальде. Однако наибольшее влияние оказал па пего И. К. Айвазовский. В 1853 г. Боголюбов выходит из стен АХ с большой золотой медалью и аттестатом 1-й степени на звание классного художника. Одновременно он добивается отставки от службы и назначается художником Главного морского штаба. В 1854-60 гг. ездит по Европе, упорно и много работает с натуры, не упускает случая вновь поучиться у значительных художников. В Риме знакомится с А. А. Ивановым, который хвалит его работы, отмечает живописную одаренность и советует больше внимания обратить на рисунок. В Дюссельдорфе Боголюбов берет уроки у А. Ахенбаха. В Париже восхищается барбизонцами и одновременно критикует их. Французские художники, в свою очередь, оценили оригинальность Боголюбова, его преданность натуре, нежелание заниматься сочинительством в пейзаже. В мастерской Боголюбова любил бывать К. Коро. Ш.-Ф. Добиньи обменивался с русским художником этюдами. Возвратившись в 1860 г. в Россию с огромным количеством картин и этюдов (среди которых были \"Ярмарка в Амстердаме\", ок. 1859; \"Рыбный рынок в Схевенингене\", 1859, и др.), Боголюбов показал свои работы на выставке в АХ и получил от изумленного академического Совета звание профессора и особую благодарность. Некоторое время он преподавал в АХ. В 1860-х гг. совершил три поездки по Волге. Великая русская река поразила Боголюбова ширью необъятной и красотой мест. Именно тогда из произведений Боголюбова окончательно исчезает романтический налет в духе Айвазовского и остается красота самой действительности, появляется другая нота - эпическая. Он пишет пейзажи с широким охватом пространства, передает определенное освещение, состояние дня (\"Ипатьевский монастырь под Костромой\", 1861; \"Крестный ход в Ярославле\", 1863; этюд \"Астрахань. Адмиралтейство\" и др.). По заказу Главного морского штаба Боголюбов в 1850-70-х гг. выполняет серии картин, посвященных морским баталиям Крымской и русско-турецкой войн, а также историческим битвам XVIII в. (\"Синопское сражение 18 ноября 1757 года\", 1857-59; \"Сражение русского флота со шведским в 1790 году вблизи Кронштадта при Красной горке\", 1866; \"Бой у озера Эзель 24 мая 1719 года\", 1866-72; \"Взрыв турецкого монитора\", 1877, и др.). Условия заказа диктовали точность в изображении всех деталей корабельной оснастки и передаче исторических подробностей. Отсюда - известная сухость этих произведений. С 1873 г. и до самой смерти Боголюбов по совету докторов зимние месяцы проводит во Франции, только летом приезжая на родину. Во Франции его живопись становится более свободной, открытой, пленэрной. Нет тщательной выписанности, гладкости письма прежних работ, зато в пейзажах много непосредственного, живого чувства. Этюд постепенно завоевывает права картины (\"Дьепп. Утро\", 1870-е; \"Лес в Веле. Нормандия\", 1871; \"Москва-река у Звенигорода\", 1880-е; \"Вид Саратова с Соколовой горы\", 1887-88; \"Болото. Виши\", 1880-е; \"Ментона. Франция\", 1887, и др.). В Париже. Боголюбов всячески опекает русских пенсионеров (И. Е. Репина, В. Д. Поленова, К. А. Савицкого, В. В. Верещагина, А. К. Беггрова и др.), знакомит их с французским искусством, достает выгодные заказы, устраивает выставки русских живописцев, наконец, в 1877 г. основывает Общество взаимного вспоможения и благотворительности русских художников. В России он состоит в правлении ТПХВ, всячески поддерживает идеи И. В. Крамского и в определенный момент оказывается почти единственным в окружении главы передвижников, кто его понимает. В 1885 г. Боголюбов создал в Саратове на основе собственного собрания первый в России провинциальный художественный музей и дал ему имя своего деда А.Н. Радищева. Позже при музее открылась рисовальная школа. Музею и школе Боголюбов завещал все состояние, \"дабы возвысить образовательное дело юношества\". Умер художник в Париже, но тело его привезли в Россию и похоронили в Петербурге.
Статья с сайта http://www.artonline.ru/encyclopedia/077
Вставить (заменить) фото переписать текст

Корнелис ван Хаарлем
Cornelis van Haarlem
		Голландия 1562-1638 Маньеризм
Существует по крайней мере 30 вариантов написания имени художника и рисовальщика, в том числе Корнелиус ван Харлем (Cornelius van Haarlem) и Корнелис Корнелиссен (Cornelis Corneliszoon). Родился в Харлеме в 1562 г. в богатой семье. Во время испанской осады Харлема в 1572 г. был фактически брошен бежавшими из города родителями. Его воспитателем и первым учителем стал художник Питер Питерс. В 1579 г. он совершил путешествие во Францию, где испытал влияние школы Фонтенбло. Затем в течение года учился в мастерской Гиллиса Куанье в Антверпене. В 1583 г. получает первый официальный заказ городских властей Харлема, и впоследствии становится городским живописцем. В 1584 г. вместе с Карелом ван Мандером и Хендриком Гольциусом основал Харлемскую академию, вероятно представлявшую собой небольшой клуб для обмена мнениями и школу рисования обнажённых моделей. В 1588 г. Гольциус создаёт гравюры по пяти картинам ван Хаарлема, что способствоало известности живописца. Около 1603 г. женился на дочери бургомистра. Его внебрачная дочь - мать художника Корнелиса Беги (Cornelis Bega). Умер 11 ноября 1638 г. в Гарлеме. Кроме картин на религиозные и мифологические сюжеты, писал портреты и натюрморты. Особенностью его картина является изображение обнажённых фигур гротескной неестественной анатомии в сложных поворотах и ракурсах. Поздние работы становятся реалистичнее, а их колорит довольно пёстрый вначале становится более натуральным и гармоничным. Среди его произведений - кровавое и драматичное «Избиение младенцев», сатиричные «Монахиня и монах», фантастические «Иксион» и «Падение титанов», атлетичные «Христос» и «Адам и Ева».
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Николай Петрович Богданов-Бельский
		Россия 1868-1945 живописец-жанрист
Родился в селе Шопотове Смоленской губернии. При крещении его записали Богдановым, а Бельским он стал впоследствии, присоединив к фамилии название родного уезда. Первые два года он проучился в селе Шопотове. В школе преподавал священник. При его содействии мальчик и попал к С. А. Рачинскому, который организовал в селе Татево Смоленской губернии образцовую народную школу, куда принимал на обучение обездоленных ребят. С. А. Рачинский стал в жизни мальчика человеком, благодаря которому и состоялась судьба Николая Петровича Богданова-Бельского. Заботясь о мальчике, его, тринадцатилетнего, Рачинский отдал в Троице-Сергиеву лавру — монастырь, где была рисовальная школа. В монастыре подросток с увлечением писал иконы, а также с натуры портреты монахов. Успехи мальчика были таковы, что заговорили о таланте. В Троице-Сергиевой лавре он пробыл два года. Затем Рачинский определил его в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он шел по классу пейзажа, делая большие успехи. За наброски с натуры часто получал первые номера. Учителями у него были славные русские художники: В. Д. Поленов, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников. В 1890 году он совершает поездку в Константинополь и на Афон. В 1894 — 1895 гг. Н. П. Богданов-Бельский продолжает учиться живописи в петербургской Академии Художеств у И. Е. Репина. На деньги, вырученные за картину «Воскресное чтение» (1895, Государственный Русский музей), он едет в Париж, где занимается живописью в студиях Ф. Кормона и Ф. Коларосси. Затем он работает в Мюнхене и в Италии. Палитра Богданова-Бельского обогащается, усиливается колорит. Несомненно, это происходит после его пребывания и учебы за границей. Имя Н. П. Богданова-Бельского в России становится широко известным после написания им картин «Устный счет» (1896, Государственная Третьяковская галерея), «У дверей школы» (1897, Государственный Русский музей). Художник пишет пейзажи, портреты, натюрморты, жанровые картины. Он часто приезжает из любимой деревни Татево Смоленской губернии, где у него была мастерская, в Петербург. Здесь он живет подолгу, исполняя заказы. Заработав средства, возвращается к себе и творит, творит… В это время написанные им картины приобретаются с выставок в крупнейшие собрания, в том числе, и в Третьяковскую галерею. Богданов-Бельский становится известным и уважаемым передвижником, участвует в выставках ТПХВ с 1890 по 1918 гг., множестве выставок в России и за рубежом, в Париже (1909), Риме (1911). Его работы воспроизводятся в журналах «Нива», «Художественные сокровища России», «Столица и усадьба». Художник интенсивно работает. В 1903 г. Николай Петрович Богданов-Бельский за заслуги на художественном поприще избран в академики живописи. Ему 35 лет. В 1914 г., в 46 лет, он становится действительным членом Академии художеств. Наступает расцвет творческих сил художника. Нет усталости в работе. Жажда новых открытий в живописи выплескивается на холст, картины наполняются новыми красками, светом, цветом. По приглашению своего друга, известного художника Сергея Виноградова, Николай Петрович Богданов-Бельский в 1921 г. переезжает жить в Ригу. С этого времени начинается новый, двадцатилетний период развития его таланта (1921-1941). В Риге заведует художественным музеем известный художник, ученик А. И. Куинджи, выпускник Академии Художеств — В.-К. Ю. Пурвит. Он помогает Н. П. Богданову-Бельскому организовать персональную выставку в музее (в конце декабря 1921 — январе 1922). В 1923 г. проходит его вторая персональная выставка в стенах того же музея. Снова успех. Богданов-Бельский продолжает активно участвовать в выставках русского изобразительного искусства за границей. На первой советской выставке в Америке в 1924 г. художник выставил более десяти своих картин. Как отмечала пресса тех лет, вместе с произведениями И. Грабаря, Б. Кустодиева, М. Нестерова, С. Виноградова, В. Поленова, К. Юона и других известных художников они составили яркое, красочное зрелище русского искусства. На крупнейшей выставке в Праге в 1928 г. успех русских художников огромен. У Богданова-Бельского было куплено 9 работ, одна из них приобретена Пражской национальной галереей. В 1929 г. на выставке русской живописи в Копенгагене весь первый зал отведен под произведения Богданова-Бельского. В 1936 г. — пятьдесят лет творческой жизни. Художник достиг высокого профессионализма. Он по-прежнему целеустремлен в работе, только сетовал на то, что так мало работал в первой половине жизни. В апреле 1941 г. Богданов-Бельский посылает картину «Пастушок Прошка» (1939) на выставку в Москву. Казалось, еще есть силы и возможность работать, но начинается война, годы оккупации. Нет источников вдохновения, и в это время творческие силы покидают художника навсегда. Он заболевает. Необходимо лечение, операция. Жена увозит его в берлинскую клинику. Сделана операция. 19 февраля 1945 года во время бомбежки Н. П. Богданов-Бельский умирает. Похоронен на русском православном кладбище Тегель в Берлине.
Статья с сайта http://www.bibliotekar.ru/kBogdanov/index.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Федор Андреевич Бронников
		Россия, Италия 1827-1902 историческая, жанровая живопись
Профессор исторической живописи; родился в Шадринске (Пермской губ.) в 1827 г. Отец его был иконописец. Широко представленный во многих музеях страны, в том числе во многих региональных художественных музеях России, Федор Андреевич Бронников в юности повторил поступок нашего великого соотечественника — М.В. Ломоносова. Семнадцатилетний Федор Бронников после смерти отца, своего единственного учителя рисования, из скромного городка Шадринска Пермской губернии с попутным обозом отправляется в Петербург. Проработав некоторое время «за харчи и одежду» подмастерьем у известного гравера Е.Е. Бернардского, Ф. Бронников при содействии известного скульптора П.К. Клодта (очевидно, юноша обладал не только стремлением учиться живописному мастерству, но и талантом) поступает в Академию художеств (1845), после окончания которой с большой золотой медалью (1853) пенсионером Академии уезжает в Италию. Советом Академии в 1863 г. был признан профессором исторической живописи за картину: \"Гораций читает свои сатиры Меценату\". В Италии художник жил до конца жизни. Известно лишь одно для него сравнительно длительное посещение России (1863—1865). Но, несмотря на это, Ф.А. Бронников находится в постоянной связи со своей родиной, регулярно посылая свои многочисленные картины в Россию. Большинство его картин несет внешнюю красоту и, следовательно, привлекает внимание любителей живописи. Он участвует в российских академических выставках, а с 1876 года, став членом Товарищества передвижных художественных выставок, — в экспозициях этого общества, его приглашают участвовать в росписи церквей российских посольств в Париже и Копенгагене. Заканчивая жизнь, русский художник Федор Андреевич Бронников завещал свой капитал и многие свои произведения родному городу.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Владимир Лукич Боровиковский
		Россия 1757-1825 портретист
Русский художник. Выходец из казачьего рода, Боровиковский родился в Миргороде. Первоначально обучался у отца-иконописца, Луки Боровика. Пройдя воинскую службу, занимался церковной живописью в духе украинского барокко (иконы для Троицкого храма в Миргороде, 1784). Аллегории, созданные художником в 1787 для оформления торжественного пути Екатерины II в Крым (не сохранились), привлекли к нему внимание высшего света, и он переехал в столицу империи. В Петербурге сблизился с Н.А.Львовым, Г.Р.Державиным и другими интеллектуалами своего времени. С 1792 занимался у австрийского живописца И.Б.Лампи-отца, пользовался советами Д.Г.Левицкого. Продолжал увлеченно работать над религиозными заказами, сочетая прежнюю барочную эмоциональность форм и колорита с более уравновешенным классицистическим началом (композиции для иконостасов – Борисоглебского собора в Торжке, 1790–1792; Иосифовского собора в Могилеве, 1793–1794; сохранились, как и его миргородские иконы, лишь частично). В ранний петербургский период писал миниатюрные портреты, сработанные маслом, но подражающие миниатюре на эмали (В.В.Капнист, начало 1790-х годов, Русский музей, Петербург), а также малоформатных портретных образов (Торжковская крестьянка Христинья, ок. 1795, Третьяковская галерея). Характерный для этих произведений сентиментализм в полной мере проявился в знаменитом портрете Екатерины II (1794, там же), изображенной в домашнем платье на прогулке в царскосельском парке. В зрелой портретной манере Боровиковского воплощаются не столько неповторимо-конкретные черты, сколько общие свойства мечтательно-облагороженной натуры, благодаря чему персонажи, особенно женские (Н.И.Куракина, 1795, Русский музей; Е.Н.Арсеньева, 1796, там же; М.И.Лопухина, 1797, Третьяковская галерея), кажутся связанными фамильным родством. Нежный переливчатый колорит обретает парадный лоск в более официальных портретах (Н.И.Куракин, 1801–1802, Третьяковская галерея); пышной риторикой и в то же время правдой характера привлекает портрет Павла I (1800, Русский музей), написанного в одеянии для коронации в полный рост. Драматизм колорита и мизансцен, углубленный психологизм характеров – эти черты (проявившиеся, в частности, в портретах генерала Ф.А.Боровского (1799, там же) или неизвестной в тюрбане, которую принято считать писательницей Жерменой де Сталь (1812; оба портрета в Третьяковской галерее)) свидетельствуют о сближении с принципами романтического искусства. Усложняя свои композиции, Боровиковский на рубеже веков все чаще обращается к групповому портрету (Сестры А.Г.и В.Г.Гагарины, 1802, Третьяковская галерея; А.И.Безбородко с дочерьми, 1803, Русский музей). В 1804–1811 написал ряд колористически-экспрессивных образов для Казанского собора. В последние годы жизни активно работал как педагог, устроив у себя дома частную школу (среди его учеников был А.Г.Венецианов). Умер Боровиковский в Петербурге 6 (18) апреля 1825.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Амедео Модильяни
Amedeo Modigliani
		французский художник итальянского происхождения 1884-1920 экспрессионизм с отголосками примитивизма и абстракции
Выдающийся живописец и скульптор Амедео Модильяни прожил короткую богемную жизнь. Нищета, болезни, алкоголь, наркотики, бессонные ночи, беспорядочные связи были его постоянными спутниками. Свои рисунки он подписывал \"Моди\", что подхлестывало любопытство к нему, ведь \"моди\" в переводе с французского означает \"проклятый\". Но весь этот эпатаж не помешал ему стать величайшим художником-новатором, создавшим неповторимый \"мир Модильяни\". Хотя почти все сохранившиеся работы Модильяни созданы им во Франции, его творчество уходит своими корнями в итальянское Возрождение. В ряду его художественных пристрастий и Боттичелли, и Джорджоне, и Тициан. В 18 лет приехав в Париж, Модильяни занялся поисками современного художественного языка. Испытал влияние фовизма и кубизма, но в итоге выработал собственный стиль. Знакомство со скульптором Бранкузи сыграло, возможно, определяющую роль в развитии всего творчества Модильяни. В эти годы он в основном занимался изучением произведений классической древности, индийской и африканской пластики. Скульптуре Модильяни посвятил несколько лет своей жизни, но в итоге он забросил это увлечение. Возможно потому, что занятия скульптурой стали просто непосильны для него: резьба по камню - это тяжелый физический труд, а летящая при этом каменная пыль была противопоказана испорченным туберкулезом легким художника. Но эти занятия наложили неизгладимый отпечаток на живописную манеру Модильяни. В его последующем творчестве изображенные на полотне фигуры – простые, но монументальные - выглядят почти скульптурными. В годы Первой мировой войны Модильяни вернулся к живописи и создал, возможно, свои самые значительные произведения. Присущая его произведениям отвлеченность явилась следствием изучения искусства древних цивилизаций и итальянского примитива, а также влияния его друзей кубистов; в то же время его работы отличаются поразительной тонкостью психологической характеристики. В 1917 году прошла первая и последняя выставка Модильяни, состоявшаяся при жизни художника. Со скандалом она была закрыта полицией из-за содержащихся изображений обнаженной натуры. Творческий путь Модильяни оказался трагически коротким. Он не дожил даже до 36 лет. Но писать он продолжал до последних дней, пока туберкулезный менингит не свел его в могилу. В работах Модильяни сочетаются чистота и утонченность стиля, символизм и гуманизм, языческое чувство полноты жизни и переживание мук неспокойной совести. Даже в столь щедрую на таланты эпоху, какой было начало прошлого века, он сумел не затеряться в общей \"творческой массе\" и заявил о себе как об одном из самых оригинальных и поэтичных художников.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Яковлевич Вишняков
		Россия 1699-1761 рококо (портретист, монументалист, декоратор)
Русский художник, представитель нового русского искусства, вызванного к жизни реформами Петра I. Родился в Москве в 1699 в семье «шатерных дел мастера». В 1714 был прислан в Петербург вместе с другими мастеровыми и передан в ведение Адмиралтейской коллегии, где со временем получил чин «малярного» подмастерья. Обнаружив талант живописца, с 1727 работал в Канцелярии от строений под руководством французского живописца Л.Каравака, усваивая стилистику западного барокко и рококо (уже в 1731 Каравак рапортовал о его «склонности писать персоны» и «добром происхождении в науке»). Возглавив «живописную команду» Канцелярии от строений после смерти А.М.Матвеева (1739), Вишняков руководил работами по декоративно-живописному убранству Зимнего, Петергофского, Летнего и Аничкова дворцов, церкви Зимнего дворца и других парадных интерьеров в Петербурге и пригородах, а также по оформлению придворных торжеств. Выступал также как реставратор, писал иконы и портреты. Именно в последней сфере творческая личность Вишнякова выразилась наиболее пластично и ярко. Застылость и плоскостность фигур, нечеткое знание анатомии и перспективы искупаются поэтически-любовным отношением к натуре, живой рокайльной эмоциональностью. Достоверных произведений Вишнякова дошло до нас совсем немного. Среди них – портреты императрицы Елизаветы Петровны (1743), Ф.Н.Голицына (1760; обе работы – в Третьяковской галерее, Москва), Сарры-Элеоноры Фермор (ок. 1750) и ее брата Вильгельма (Вилима) Фермора (вторая половина 1750-х годов; оба портрета – в Русском музее, Петербург), Н.Тишинина и его супруги (1755, Историко-художественный музей, Рыбинск; эти две картины являются единственными подписными работами Вишнякова). Заслуженно знаменит портрет Сарры, дочери начальника Канцелярии от строений В.Фермора, – хрупкая фигурка девочки в пышном парадном платье на фоне условного архитектурно-пейзажного задника одновременно чопорно-лукава (жесты непропорционально длинных рук) и трогательно-простодушна в своей детскости (лицо), наивно-манерна, как вся придворная русская культура того времени. Деятельность Вишнякова имела большое педагогическое значение, под его руководством работали А.П.Антропов, И.И. и А.И.Бельские, И.Фирсов и другие художники, оставившие значительный след в русской живописи века Просвещения.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Кес ван Донген
Kees van Dongen
		Франция, Нидерланды 1877-1968 Фовизм
Корнелис Теодор Мария ван Донген, известный как Кес ван Донген, родился 26 января 1877 г. в Дельфсхавене близ Роттердама в семье пивовара. В возрасте 16 лет начал обучение в Королевской академии изящных искусств в Роттердаме. Творчество 1892-1897 гг. в основном представлено сценами из жизни матросов и проституток портового района красных фонарей. В 1897 г. проводит несколько месяцев в Париже, куда окончательно переселяется в 1899 г. к своей будущей жене Августе Претингер. Их брак, заключённый в 1901 г., продолжался 20 лет и завершился разводом. Среди близких ему художников были А. Дерен, М.Вламинк, а позднее П.Пикассо. В полемическом осеннем Салоне 1905 г. выставлялся вместе с Анри Матиссом и другими художниками (А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак), получившими название фовистов. Фовизм – от французского слова «дикий»; ироническое прозвище дано современными критиками художникам, из-за использования ими ярких красок. Короткое время состоял в группе немецких экспрессионистов «Мост». Пользовался солидной репутацией среди французской буржуазии, что позволило вести ему безбедный образ жизни. С 1910-х годов делил время между Парижем и Лазурным берегом. Награждён орденом Почётного легиона (1926 г.) и бельгийским орденом Короны (1927 г.). В 1929 принял французское гражданство. Умер 28 марта 1968 г. в своём доме в Монте-Карло. Картины 1900-х, среди которых «Красная танцовщица», изображают персонажей цирка и мюзик-холла. Они характеризуются присущей фовизму экзальтацией цвета и эксцентричностью композиционных решений. Его чувственные, подчас кричащие портреты, написаны яркими, сочными красками. В межвоенный период написанные им большие заказные портреты или символические картины достигают иной раз почти китчевого шика («Танго с архангелом»). Иллюстрировал эпопею М. Пруста «В поисках утраченного времени» (1947г.). Напряжение богемного эротизма, пронизывающего его картины, слегка снижается только в поздних работах.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Kees_van_Dongen
Вставить (заменить) фото переписать текст

Доменико Беккафуми (иль Мекерино)
Domenico Beccafumi (il Mecerino)
		Италия 1486-1551 маньеризм
Итальянский живописец и скульптор. Наиболее выдающийся представитель школы сиенского маньеризма, хотя стиль ранних произведений отражает знание работ мастеров кватроченто из Сиены. Посещение Рима и Флоренции оказало огромное влияние на Беккафуми, который, будучи еще достаточно молодым человеком, проникся творчеством Рафаэля и Микеланджело. По возвращении в Сиену художник развил собственный стиль, характеризующийся драматическим контрастом между мрачными, сумеречными тенями и яркими красками и световыми эффектами. Работал вместе с Содомой над фресками в оратории Сан-Бернардино, усвоил себе его манеру и, пока придерживался ее, например, в большой картине св. Катерины Сиенской (в Сиенской академии), обнаружил в своих произведениях простоту и благородное изящество. Позднее он обратился к флорентийскому стилю, но к невыгоде для себя. Из его пластических произведений известны восемь ангелов из бронзы — в сиенском соборе. Наряду с религиозными темами развивал во фресках городской ратуши в Сиене сюжеты греческой и римской истории, выполнял проект мраморного пола Сиенского собора. Среди лучших произведений Беккафуми конца второго десятилетия XVI века - великолепный алтарный образ \"Обручение Святой Екатерины Александрийской\".
Статья с сайта http://izoselfportrait.narod.ru/simple37.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Алексей Гаврилович Венецианов
		Россия 1780-1847 романтизм (сельский и бытовой жанры)
А. Г. Венецианов был сыном небогатого купца, происходившего от греческого рода Венециано. Рано поступив на службу, он в начале 1800-х гг. был переведен в Петербург, в почтовое ведомство. Там он стал самостоятельно заниматься живописью - копировал картины в Эрмитаже, писал портреты близких людей. Познакомившись с выдающимся портретистом В. Л. Боровиковским, Венецианов некоторое время жил в его доме в качестве ученика и пользовался советами художника. В 1808 г. Венецианов попытался издавать \"Журнал карикатур в лицах\", но издание было запрещено по указанию Александра I. Пробовал он зарабатывать и как профессиональный портретист, даже дал в газете объявление с предложением услуг, но безрезультатно. А ведь самых заметных успехов он сумел добиться именно в портретном искусстве. Совет АХ в начале 1811 г. за представленный им автопортрет присвоил ему звание назначенного, а в конце того же года - и академика, уже за написанный им \"Портрет инспектора Академии художеств К. Головачевского с тремя учениками\". В 1819 г., желая полностью отдаться искусству, Венецианов оставил службу, купил в Тверской губернии сельцо Сафонково с 70 душами крепостных, построил себе дом и переселился туда, правда регулярно наезжая по многочисленным делам в Петербург. В один из таких приездов на него сильнейшее впечатление произвела привезенная в Эрмитаж картина Ф. Гране - рядовая, но иллюзионистически передававшая пространство церковного интерьера. Задавшись целью достигнуть такого же умения, Венецианов решил написать деревенское гумно с трудящимися и отдыхающими крестьянами. Для удобства работы даже не пожалел выпилить часть стены в принадлежавшей ему постройке. В картине \"Гумно\" (1821-23) поставленная цель была достигнута, а в процессе работы художник сильнее укрепился в намерении запечатлеть окружающую его действительность такой, какая она есть, ничего не выдумывая. В 1820-х гг., лучшую и продуктивную пору своей жизни, Венецианов написал ряд произведений, в которых неуклонно следовал этому намерению. Они и определили его неповторимый вклад в искусство. В небольшой картине \"Утро помещицы\" (1823) он, воспроизведя обыденную сценку, проложил дорогу русскому бытовому жанру. В многочисленных портретных этюдах Венецианов впервые создал целую галерею крестьянских образов, переданных правдиво, с добрым чувством, не лишенным, однако, некоторой сентиментальности. В полотнах \"На пашне. Весна\" и \"На жатве. Лето\" (оба 1820-х) он впервые поэтично запечатлел крестьянскую жизнь. В обеих этих картинах, а также в \"Спящем пастушке\" (1823-24) реалистическое изображение характерного среднерусского пейзажа задолго предвосхитило будущие искания русских пейзажистов. Показанные на академической выставке в 1824 г., его работы имели шумный успех и вызвали восхищенные отзывы в печати. Венецианов предпринял попытку стать преподавателем в АХ, претендуя на ведение класса перспективной живописи. Но картина, написанная им на предложенную тему, не была одобрена: академики сплоченно оберегали свою стройную систему от \"чужака\", не прошедшего, как они, академической выучки. Между тем Венецианов был прирожденным педагогом и успел доказать это. Еще с конца 1810-х гг. он стал собирать у себя юношей из простого сословия и обучать их рисованию и живописи. К середине 1820-х гг. у него сложилась группа учеников. Обучение и содержание их обходилось дорого, небогатый Венецианов не вылезал из долгов, и в 1829 г. ему пришлось заложить имение. К счастью, он сохранял в себе практическую жилку и мог для дела быть обходительным: напомнил о себе Николаю I, и тот, склонный поощрять \"народность\", выразил художнику свое одобрение и в 1830 г. назначил его придворным живописцем (звание это, ничего не требуя, давало в год 3000 рублей). В педагогической практике Венецианов делал упор на работе с натурой, на изображении реальной окружающей жизни. Но он не отрицал полностью академическую выучку, некоторых питомцев посылал в академические классы, где их охотно принимали и не раз отмечали наградами. В общей сложности у него перебывало до 70 учеников. Далеко не все они оправдали надежды, однако среди них было немало талантливых мастеров: А. В. Тыранов, С. К Зарянко, Г. В. Сорока и др. С конца 1830-х гг. Венецианов бывал в Петербурге все реже, тем более что и вторая его попытка пробиться в АХ потерпела крах. Он занимался хозяйством и продолжал писать, но менее успешно, чем прежде: изображения крестьян стали приобретать у него некоторую этнографичность и слащавость, а попытки заняться исторической или мифологической живописью оказались неудачными. Пожилой, но еще достаточно бодрый человек, Венецианов погиб в результате несчастного случая, когда кони понесли его сани с крутого спуска.
Статья с сайта http://www.artonline.ru/encyclopedia/122
Вставить (заменить) фото переписать текст

Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов
		Россия 1870-1905 модерн, символизм
Борисов-Мусатов родился 1 апреля 1870 года в Саратове и семье служащего. Когда мальчику исполнилось три года произошло несчастье: он упал и повредил позвоночник. Увечье, полученное в детстве, и известной море сказалось на характере будущего художника – у него рано проявилась склонность к одиночеству, замкнутости, мечтательности. В 1884 году Борисов-Мусатов поступает в саратовское реальное училище. Учителя рисования — сначала Ф. А. Васильев, а затем приехавший из Петербурга Коновалов — обращают внимание на его способности. Вскоре Борисов-Мусатов оставляет училище и начинает серьезно заниматься живописью. От Коновалова он получает первые-навыки мастерства, первые эстетические представления. В эти годы Борисов-Мусатов много рисует (чаще всего — сцены домашнего быта), пишет картину \"Окно\" (1886, ГТГ), детально, почти иллюзорно, изображая уголок сада с окном своего дома. В августе 1890 года молодой художник уезжает в Москву, в Училище-живописи, паяния и зодчества. Занятия там его не удовлетворяют, через год Борисов-Мусатов переезжает в Петербург и в качестве вольнослушателя начинает учебу в Академии художеств, посещая также частную мастерскую известного педагога П. П. Чистякова. Весной 1893 года после операции художник из-за климата покидает Петербург и возвращается в Москву, в Училище. Лето Борисов-Мусатов обычно проводил в Саратове, где много работал над этюдами, в основном — пейзажными. Его успехи в работе на пленере отразились в картине \"Майские цветы\" (1894, ГРМ). В этом солнечном пейзаже ощущаются непосредственность, свежесть восприятия жизни, что характерно для работ Борисова-Мусатова той поры. Осенью 1895 года Борисов-Мусатов уезжает в Париж. Чтобы совершенствовать художественное образование, он поступает в мастерскую исторического живописца и педагога Фернана Кормона, много занимается рисунком, посещает Лувр, где восхищается Боттичелли. Среди французов ему больше других близок Пюви де Шаванн. Возвратившись через три года в Россию, он снова поселяется в Саратове. С этого времени в произведениях Борисова-Мусатова появляется свой почерк, свое видение мира. Борисов-Мусатов приходит в искусство на рубеже двух веков, в эпоху чрезвычайно сложную и исключительно богатую крупными творческими индивидуальностями. Однако рядом с Врубелем, Нестеровым, Серовым, Левитаном, он находит в искусстве неповторимый самобытный путь. Началом творческого пути художника явился \"Автопортрет с сестрой\" (1898, ГРМ), не имеющий аналогий в русском портретном искусстве. Необычно композиционное построение картины — центральное место занимает задумчивая молодая девушка в старинном белом платье. Фигура художника срезана краем холста и будто выходит за его рамки. Это вносит элемент случайности, напоминая композиции импрессионистов. Живописно вещь решена по-новому. В ней обобщены цвет и форма. Особенно в пейзаже дальнего плана, имеющем сходство с декорацией. В этой картине впервые начинает воплощаться мечта Борисова-Мусатова о совершенном гармоничном мире, появляется стремление уйти от неустроенности окружающего в идеальную страну, созданную фантазией художника. Такое настроение, .\'\'хватившее многих представителей русской художественной интеллигенции рубежа XX века, становится лейтмотивом творчества Борисова-Мусатова. В его произведениях нет исторической конкретности, \"это просто красивая эпоха\", как говорил сам художник. Вслед за автопортретом создается цикл лирических картин: \"Осенний мотив\" (1899. Саратовский гос. художественный музей им. А. Н. Радищева), \"Мотни ос.) слов\" (1900, ГТГ), \"Гармония\" (1900, Москва, собрание А. В. Гордона). Борисов-Мусатов передает особую атмосферу угасающей красоты осенней природы, тишину старинных усадеб; ощутимы аромат ушедшей жизни, грустная поэзия давно минувших печалей любви. Содержание .них работ в какой-то степени навеяны летними поездками в имение Слепцовку, где он гостил у своего крестного — управляющего поместьем и где впервые глубоко почувствовал обаяние старины. Расцвет творчества Борисова-Мусатова падает на начало XX века, когда были созданы наиболее совершенные работы художника: \"Весна\" (1898— 1901, ГРМ), \"Гобелен\" (1901, ГТГ), \"Водоем\" (1902, ГТГ), \"Изумрудное ожерелье\" (1903—1904, ГТГ) и др. Началом нового творческого .папа явилась картина \"Весна\", давно задуманная, но завершенная только в 1901 году. В этом полотне художник полностью освобождается от каких бы то ни было элементов повествовательности, от всякого действия. Проникновенный образ создается музыкальностью линии, мягким и звучным цветом. Здесь псе тонко сгармонировано: белоснежное цветение вишен, дымки одуванчиков, вплетающихся прозрачными аккордами в спокойную мелодию весенней зелени, розовое мерцание неба и легкая фигура девушки в нежно-сиреневом платье и красном шали. Летом 1901 I ода Борисов-Мусатов посещает Зубриловку — поместье князей Прозоровских-Голицыных. С этого времени пейзажи зубриловского парка стали живой натурой для мастера и опоэтизированные богатой фантазией художника вошли во многие его произведения. Впечатления этой поездки отразились в картине \"Гобелен\". Среди декоративных растений парка дне женских фигуры, застывшие в легком изящном движении, органически соединенные с пейзажем. Название картины в какой-то мере определяет характер живописной формы. И пейзаж, и фигуры написаны очень обобщенно, плоскостно, колорит построен на созвучии больших цветовых пятен, краски мягкие, приглушенные — все это создает некоторое ощущение призрачности, красивого миража. В то же время декоративность, тонкость отношений вызывают ассоциации с благородными красками старинного гобелена. На выставке Московского товарищества художников, и которое Борисов-Мусатов вступил в 1899 году, картина имела успех, что во многом изменило отношение к работам Мусатова, не сразу понятым и оцененным современниками. Вершиной творчества мастера явилась картина \"Водоем\" (1902, ГТГ), в ней поэтические грезы выражены и совершенной, законченной форме. Картина создавалась в счастливую пору жизни художника: девушка, которую он любил давно, дала согласие на брак. Летом Борисов-Мусатов с сестрой Леной и невестой В. Е. Александровой живет в Зубриловке, пишет этюды и эскизы к картине, обе девушки позируют художнику. В картине \"Водоем\" все уравновешенно, подчинено четкому и сложному музыкальному ритму линий и формы. Строгому ритму подчиняется и цвет, построенный на повторении синих, нежно-сиреневых и зеленых сочетаний. Картина монументальна и в то же время лирична, глубоко интимные движения души художники выражены в как бы остановленном прекрасном мгновении, зачарованном, волшебном мире красоты. Зубриловский парк с женскими тенями превращается у художника в туманное видение: вибрирующие, тающие очертания, блеклые, потухающие краски. Весной 1903 года художник женится, а в декабре Мусатовы переезжают в Подольск, поближе к Москве и Петербургу. В начале 1903 года Борисов-Мусатов вступает в Союз русских художников, организованный в Москве после выхода группы художников из общества \"Мир искусства\". В это время его работы получают известность не только в России, но и за границей, успешно экспонируются в городах Германии и Франции. Художника все более влечет монументальная живопись. В 1904—1905 годах он выполняет эскизы к декоративным росписям. Первая группа эскизов была сделана на конкурс, объявленный Московским управлением электрической тяги, и оказалась неудачной, но второй цикл— закал для частного дома — представляет большой интерес. Четыре эскиза \"Весенняя сказка\", \"Летняя мелодия\", \"Осенний вечер\" и \"Сон божества\" (ГТГ) — объединены общим названием \"Времена года\". Содержание передано в аллегорической форме. По эмоциональности эскизы созвучны ранее созданным работам Борисова-Мусатова. Росписи, однако, не были осуществлены. Весной 1905 года художник с женой и дочерью уезжает в Тарусу, там проходят последние месяцы его жизни и творчества. В Тарусе художник создает свои лучшие пейзажи: \"На балконе. Таруса\" Ц905, ГТГ), \"Куст орешника\" (1905, ГТГ), \"Осенняя песнь\" (1905, ГТГ); написаны они нежными тающими красками и с большой силой обобщения. В них звучит мелодия угасания осенней природы, близкая душевному состоянию художника. В Тарусе Борисов-Мусатов создает и свое последнее произведение – большую акварель \"Реквием\" (1905, ГТГ), посвященную памяти умершего друга, Н. Ю. Станюкович. \"Реквием\" звучит печально-торжественно, символически передавая радости и горести человеческой жизни.
Статья с сайта http://www.russianculture.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Михаил Александрович Врубель
		Россия 1856-1910 символизм, модерн
Русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 в семье военного юриста. Учился в петербургской Академии художеств (1880–1884) у П.П.Чистякова; уроки акварели брал у И.Е.Репина. Особое влияние на него оказали живопись венецианского Возрождения (из современников – испанец М.Фортуни и, возможно, английские прерафаэлиты), а также классические образы ренессансной и романтической литературы (У.Шекспир, И.В.Гёте, М.Ю.Лермонтов). Из русских художников Врубель особенно ценил И.К.Айвазовского и В.М.Васнецова. Молодой мастер сделал гораздо более решительный шаг к модерну, чем другие русские художники. Самобытная манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, явившийся в какой-то мере предварением кубизма, и мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» (А.А.Блок) колорит – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства. Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 в.), он в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, Сошествие Святого Духа, 1884) взамен утраченных; тогда же он написал для этого храма и икону Богоматерь с младенцем (Киевский музей русского искусства). Вершиной киевского периода явились неосуществленные – в силу противодействия церковных властей – эскизы росписей Владимирского собора (1887, акварель и графитный карандаш, в большинстве своем – в том же собрании). Византийская традиция насыщается здесь острым, трагически-напряженным психологизмом нового времени. Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявляется в Девочке на фоне персидского ковра (1886, там же). С 1889 Врубель жил преимущественно в Москве. «Декоративно все» – этот девиз Врубеля нашел наиболее органичное воплощение во время его наездов в Абрамцево (1890–1900), где он входил в число самых активных членов художественного кружка С.И.Мамонтова. Здесь он пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике (скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова, – все в Третьяковской галерее, Москва), обращаясь к дизайну, исполняет эскизы керамической печи, вазы, скамьи (Музей в Абрамцеве). «Русский стиль» этих вещей находит выражение и в его сценографии, связанной с Московской частной русской оперой С.И.Мамонтова, в том числе в оформлении Садко (1897) и Сказки о царе Салтане (1900) Н.А.Римского-Корсакова; последний был особенно духовно близок Врубелю в силу своей любви к фантазиям «в русском сказочном роде». Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно Принцесса Греза, заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея). Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин Пан (1899), Царевна-Лебедь, К ночи, Сирень (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания. Экспрессивно-драматичны и портреты (К.Д. и М.И.Арцыбушевых, а также С.И.Мамонтова, все три 1897; все работы – в Третьяковской галерее). Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова Демон (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Петербург), – в картинах Демон (1890) и Демон поверженный (1902; обе работы – Третьяковская галерея). Конгломерат искрящихся форм в последней картине близок уже к беспредметному искусству. В 1902 Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, но и в поздний свой период (проведенный в основном в частных клиниках Москвы и Петербурга) он создает немало работ, отмеченных изысканным мастерством (Жемчужина, 1904; В.Я.Брюсов, 1906; обе картины – смешанная техника, там же), – работ, тоже по-своему переходных от модерна к авангарду. В 1906 художник ослеп. Умер Врубель в Петербурге 1 (14) апреля 1910. Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского искусства 20 в.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Николай Николаевич Ге
		Россия 1831-1894 модерн
Родился в Воронеже 15 (27) февраля 1831 в семье помещика. Учился на математических отделениях Киевского и Петербургского университетов (1847–1850), затем поступил в Академию художеств, которую окончил в 1857. Испытал большое влияние К.П.Брюллова и А.А.Иванова. Жил в Риме и Флоренции (1857–1869), в Петербурге, а с 1876 – на хуторе Ивановский в Черниговской губернии. Был одним из учредителей «Товарищества передвижников» (1870). Известность ему принесла Тайная вечеря (1863, Русский музей, Петербург), сильные эффекты светотени, композиции и колорита превратили здесь евангельский сюжет (в духе нарождавшегося символизма) из религиозного канона в драму человеческой души, жаждущей обновления. Проявил себя и как портретист (остродраматический портрет А.И.Герцена, поражающий своим «живым» взглядом, 1867, Третьяковская галерея). В картине Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе (1871, там же) Ге выступил как реформатор исторического жанра, лишив драматический эпизод минувшего всякой официозности и придав ему психологическую остроту; тем самым он предвосхитил искания В.И.Сурикова и мастеров русского модерна. С 1880-х годов Ге стал близким другом и последователем Л.Н.Толстого. Стремясь подчеркнуть «чисто человеческое» содержание евангельской проповеди, Ге переходит ко все более свободной манере письма, до предела обостряя цветосветовые контрасты. В картинах Что есть истина? (1890) – с Иисусом Христом перед Пилатом – конфликт, сведенный к чисто нравственному противостоянию двух персонажей, впечатляет экспрессией красок и светотени. Мощная «протомодернистская» выразительность крупного, мерцающего мазка характерна для Христа и Никодима (1880-е годы) и Голгофы (1893; все в Третьяковской галерее). Образы Распятия (1892–1894; местонахождение одного из вариантов неизвестно, другой хранится в музее Д\'Орсе в Париже) оказались у Ге столь безысходно-мрачными, что вызвали резкую критику церкви; политические же и религиозные вольнодумцы вешали репродукции с картин Ге на стену в виде своего рода «антиикон». Параллельно мастер писал замечательные, полные внутренней одухотворенности портреты, в том числе портрет Л.Н.Толстого за письменным столом (1884). В образе Н.И.Петрункевич на фоне окна, открытого в сад (1893; оба портрета в Третьяковской галерее), проступил дар Ге-пейзажиста (пейзаж вообще играет в целом ряде его произведений весьма важную эмоциональную роль). Умер Ге на хуторе Ивановском (Черниговская губерния) 1 (13) июня 1894.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Александр Александрович Дейнека
		СССР 1899-1969 соцреализм
Родился в Курске 8 (20) мая 1899 в семье железнодорожного рабочего. Учился в Харьковском художественном училище (1915–1917), работал фотографом в угрозыске (1918), оформлял агитпоезда, участвовал в обороне Курска от белых. Продолжил учебу в московском Вхутемасе (Высшие художественно-технические мастерские, 1920–1925); среди наставников особое влияние на него оказал В.А.Фаворский. Испытал также влияние Ф.Ходлера и мастеров немецкого экспрессионизма. В 1925 стал одним из учредителей «Общества станковистов» (ОСТ). Жил в Москве. Его манера, основанная на плакатно-броском («снайперском», по его выражению) рисунке, сформировалась в процессе работы в журнале «Безбожник» (или «Безбожник у станка», с 1923); в этих рисунках дряхлому старому миру агрессивно противостоит новый – бодрый, полный юношеской энергии. Мотивы спорта или труда всецело доминируют в его картинах с 1920-х годов; революционная тема тоже (к примеру, в знаменитой Обороне Петрограда, 1928, Центральный музей Вооруженных сил; повторение – 1964, Третьяковская галерея) воплощается в телесной пластике героев, устремленных к жертвенной гибели. В 1930-е годы сумрачный колорит (раннего Дейнеки) светлеет, спортивные впечатления (прежде всего – с пляжей Севастополя) слагаются в утопические поэмы о счастливом юном племени, готовом к труду и обороне (Будущие летчики, 1938, Третьяковская галерея). В ряде образов нарастают черты «магического реализма» (Игра в мяч, 1932, там же; некоторые из картин, написанных по впечатлениям от поездок художника в Италию, Францию и США в 1935). Особо динамичные ракурсы вводятся в мотивах авиаполета, нашедших воплощение в шедевре монументального искусства тех лет – мозаиках плафонов станции метро «Маяковская» (1938–1939). Батальные полотна Дейнеки (Оборона Севастополя, 1942; Сбитый ас, 1943; обе работы – Русский музей) по-своему уникальны тем, что и немцы представлены здесь как пусть обреченные, но герои, а не жалкие «фрицы». В послевоенные годы мастер плодотворно работал как станковист и монументалист (за мозаики Хорошее утро и Хоккеисты, 1959–1960, он был удостоен Ленинской премии 1964). Дейнека преподавал в различных вузах (Вхутемас и др.) еще с 1920-х годов, именно в этот период он пользуется максимальным авторитетом у молодежи; энергия его стиля во многом способствует сложению умеренно-оппозиционного «сурового стиля». Вице-президент Академии художеств в 1962–1966, Герой Социалистического Труда (1969). Умер Дейнека в Москве 12 июня 1969.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Рогир ван дер Вейден
Rogier van der Weyden
		Нидерланды 1399/1400 –1464 Северное Возрождение
Документальные сведения о жизни художника не всегда точны и достоверны. Невозможно так же привести перечень его работ, с которым согласились бы все ученые. Рогир ван дер Вейден, собственно Рожье де ла Патюр (Rogier de la Pasture), родился в Турне в семье Анри де ла Патюра, резчика по дереву. Начал работать как скульптор, а в 1427 г. стал учиться живописи у Робера Кампена, хотя некоторые оспаривают это утверждение. В 1426 г. женился на Елизаветы Гофферт из Брюсселя и около 1435 г поселился в этом городе. Брюссель в то время был наиболее важным местом пребывания двора герцогов Бургундии. Поскольку в городе говорили по-голландски, художник начинает использовать голландский вариант своего имени. Вскоре стал членом городской гильдии живописцев и начал работать по заказам городского совета. Работал по заказам герцогского двора Филиппа Доброго, монастырей, знати, купцов-итальянцев. В 1450 г. Рогир ван дер Вейден совершил поездку в Италию; был в Риме, Ферраре, во Флоренции. Похоронен 18 июня 1464 г. в Брюсселе С его именем связывают картины на религиозные сюжеты (Снятие с креста, Мадрид, Прадо; Св. Лука, рисующий Мадонну, С.-Петербург, Эрмитаж; Распятие, Художественно-исторический музей, Вена) и ряд портретов (Филипп де Круа, Антверпен, Музей изящных искусств; Молодая женщина в белом головном уборе, Берлин – Далем; Франческо де’Эсте, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Портрет молодой женщины, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Позднеготическая угловатость фигур сочетается в его произведениях с утончённостью, эмоциональной насыщенностью, чёткостью рисунка и напряжённостью колорита. Ко времени своей смерти был одним из наиболее известных художников в Европе.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Кандинский
		Россия, Германия, Франция 1866-1944 абстракционизм
Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря cт. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—-1926). В детстве жил в Одессе. Изучал в Московском университете экономику и право. Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе. В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нем школу, в которой сам же и преподавал. С 1900 г. участвовал в выставках Московского товарищества художников. В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи. В 1910 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник». Тогда же у него прошла первая персональная выставка В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами. После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой. В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918). В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919). В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он не вернулся. В Берлине начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию. С 1933 по 1944 г. жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе. В 1939 г. получил французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.
Статья с сайта http://http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джон Уильям Уотерхаус
John William Waterhouse
		Англия 1849-1917 прерафаэлитизм
Родился в Риме, в семье художников. Позднее они переехали в Лондон, где Уотерхаус прожил всю оставшуюся жизнь. Сначала его обучал живописному мастерству отец, а в 1870 году юноша поступил Королевскую Академию художеств. «Офелия», 1894В ранних работах чувствуется влияние Алма-Тадема и Фредерика Лейтона. В 1874 году, в возрасте двадцати пяти лет, на выставке появилась картина Уотерхауса «Сон и его сводный брат Смерть» (англ. Sleep and His Half-Brother Death), которая очень понравилась критикам и впоследствии выставлялась практически каждый год, вплоть до смерти художника в 1917 году. В 1883 году Уотерхаус женился на художнице Эстер Кенуорти, чьи картины тоже появлялись на выставках Королевской Академии. У них было двое детей, которые рано умерли, но, несмотря на это, брак был счастливым.[2] В 1895 году Уотерхаус был избран членом Королевской академии, а в 1917 году умер от рака.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Элизабет Виже-Лебрен
Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun
		Франция, Голландия, Россия 1755-1842 cентиментализм, предромантизм
Первые уроки живописи получила у своего отца, затем пользовалась консультациями Жана Батиста Грёза, Жозефа Верне, Габриэля Франсуа Дуайена и других мастеров. Уже в конце 1760-х гг. Виже рисовала вполне профессионально: косвенным свидетельством её успеха может служить то, что её мастерская была формально закрыта властями за отсутствие у юной художницы патента. В 1776 г. Виже вышла замуж за Жана Батиста Пьера Лебрена, художника и, в большей степени, торговца живописью. Связи мужа усилили популярность юной художницы-портретистки в среде французской знати, и в конце концов Виже-Лебрен была приглашена в Версаль рисовать королеву. Мария Антуанетта очень высоко оценила работу художницы и засыпала её дополнительными заказами, а в 1783 г. оказала, со своей стороны, определённое давление на французский художественный истеблишмент с тем, чтобы Виже-Лебрен была благополучно избрана в члены Королевской академии живописи и скульптуры. C 1780-х гг. Виже-Лебрен много ездила по Европе (часто вместе с мужем), работая в разных странах. В этих поездках ею были написаны портреты многих царственных особ, государственных деятелей и иных заметных фигур. Переждав таким образом Великую Французскую революцию, Виже-Лебрен вернулась во Францию по приглашению Наполеона и до 1814 г. жила, главным образом, в своём поместье в Лувесьене, а когда с наступлением войск союзников на Париж поместье было занято прусской армией, вернулась в Париж. Виже-Лебрен оставила 660 портретов и около 200 пейзажей.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франсуа Клуэ
Francois Clouet
		Франция ок. 1505/1510 или 1515/1520–1572 французский Ренессанс
Родился в Туре между 1505 и 1510 (по другим сведениям, между 1515 и 1520) в семье художника Жана Клуэ (ок. 1480–1540 или 1541); впоследствии их работы часто путали. Как и отец, носил прозвище «Жане». Испытал значительное влияние Г.Гольбейна Младшего. Работал преимущественно в Париже. C 1540 – придворный живописец Франциска I и его преемников, руководил большой мастерской, где его эскизы воплощались в миниатюрах, эмалях и больших декоративных композициях для оформления придворных празднеств. Снимал посмертные маски (Франциска I и других членов дома Валуа). Был, в первую очередь, замечательным портретистом. Его наследие включает большое число подготовительных рисунков (преимущественно погрудных, исполненных карандашом, иногда чуть подкрашенных сангиной или цветными карандашами), а также ряд живописных портретов, в том числе Карла IX (1561, Художественно-исторический музей, Вена), аптекаря П.Кюта (1562, Лувр, Париж) и Елизаветы Австрийской (1571, там же). Всем этим работам, тщательным по лепке характеров, присущи классически-ренессансное спокойствие и прозрачная духовная ясность художественного строя. Напротив, в его мифологических женских образах, аллегориях и жанровых сюжетах, где портретность завуалирована (Купающаяся женщина, ок. 1571, Национальная галерея, Вашингтон; и др.), нарастают маньеристические черты – эротизм и гротеск. Умер Клуэ в Париже 22 сентября 1572.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Фрида Кало
Frida Kahlo
		Мексика 1907-1954 сюрреализм
Фрида Кало родилась в семье немецкого еврея и испанки американского происхождения. В 6 лет перенесла полиомиелит, после болезни на всю жизнь осталась хромота, а её правая нога стала тоньше левой (что Кало всю жизнь скрывала под длинными юбками). Столь ранний опыт борьбы за право полноценной жизни закалил характер Фриды. В 15 лет она поступила в Национальную подготовительную школу с целью изучать медицину. Из 2000 учащихся в этой школе было всего 35 девушек. Фрида сразу же заработала авторитет, создав с восемью другими учащимися закрытую группу «Качучас». Её поведение часто называли эпатажным. В школе произошла её первая встреча с будущим мужем, известным мексиканским художником Диего Риверой, с 1921 по 1923 работавшим в Подготовительной школе над росписью «Созидание». В 18 лет Фрида попала в тяжёлую аварию, повреждения от которой включали перелом позвоночника, перелом ключицы, сломанные рёбра, сломанный таз, одиннадцать переломов в её правой ноге, раздробленную и вывихнутую правую стопу, вывихнутое плечо. Кроме того, её живот и матка были проколоты металлическим перилом, что серьёзно повредило её репродуктивную функцию. Она год была прикована к кровати, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Впоследствии Фриде пришлось перенести несколько десятков операций, месяцами не выходя из больниц. Она, несмотря на горячее желание, так и не смогла стать матерью. Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Для Фриды сделали специальный подрамник, позволявший писать лёжа. Под балдахином кровати прикрепили большое зеркало, чтобы она могла видеть себя. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». В 1929 Фрида Кало стала женой Диего Риверы. Сближало двух художников не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. В 1930-х гг. Фрида какое-то время жила в США, где работал муж. Это вынужденное долгое прибывание за границей, в развитой индустриальной стране, заставило художницу острее чувствовать национальные различия. С тех пор Фрида с особенной любовью относилась к народной мексиканской культуре, коллекционировала старинные произведения прикладного искусства, даже в повседневной жизни носила национальные костюмы. Поездка в Париж в 1939, где Фрида стала сенсацией тематической выставки мексиканского искусства (одна из её картин была даже приобретена Лувром), ещё сильнее развила патриотическое чувство. В 1937 году в доме Диего и Фриды ненадолго нашёл убежище советский революционный деятель Лев Троцкий. Считается, что уехать от них его вынудило слишком явное увлечение темпераментной мексиканкой. В 1940-е гг. картины Фриды появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в Дневнике, ставшем культовым среди её поклонников. Несмотря на полную боли и страданий жизнь, Фрида Кало имела живую и раскрепощённую экстраверсивную натуру, чья ежедневная речь была усеяна сквернословиями. Кало изрядно курила, в избытке употребляла спиртные напитки (особенно текилу), открыто была бисексуалкой, пела непристойные песни и рассказывала гостям своих диких вечеринок столь же неприличные шутки. Фрида умерла от воспаления лёгких через год после того, как состоялась её первая персональная выставка на родине.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Диего Ривера
Diego Rivera
		Мексика 1886—1957 монументализм
Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года в городе Гуанахуато на северо-западе Мексики. C 1896 по 1902 годы брал уроки рисования и живописи в Академии художеств Сан-Карло в Мехико. За успехи был премирован стипендией, которая позволила художнику поехать в Испанию. С 1907 по 1921 год Ривера жил в Европе. Учился в Академии художеств в Мадриде (1907), затем жил и работал в Париже (1909-1920), в Италии (1920-1921). Побывал также в Бельгии, Нидерландах и Великобритании. Был близко знаком с парижской художественной элитой, в том числе с Пабло Пикассо, Альфонсо Рейесом и другими. Как художник Ривера испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства (изучал стенные росписи XIV—XVI веков), так и модернизма, в частности кубизма. Очень близки ему были и традиционные мексиканские художественные жанры и стили. В 1922 году Ривера вступает в Мексиканскую коммунистическую партию. В 1927 он приезжает в СССР, где в 1928 году становится членом-учредителем объединения «Октябрь». В начале своего участия в коммунистическом движении Ривера придерживался троцкистских взглядов, но потом (после убийства Троцкого) занял позицию, более соответствовавшую официальному курсу Сталина. Ривера работал в США в 1930-1934 и 1940 годах. С 1922 он стал одним из основателей мексиканской школы монументальной живописи, расписав огромное число стен общественных зданий. Одной из главных тем в творчестве Риверы были фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики. В 1955—1956 художник повторно посетил СССР. Художник скончался 25 ноября 1957 года в Мехико. Его жена — художница Фрида Кало.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Густав Климт
Gustav Klimt
		Австрия 1862–1918 модерн
Родился в венском предместье Баумгартен 14 июля 1862 в семье художника-гравера и ювелира Э.Климта. Учился у отца, а в 1875–1883 – в школе ремесел при венском Австрийском художественно-промышленном музее. Первоначально испытывал большое влияние искусства Г.Макарта с его помпезным необарочным историзмом. По окончании учебы работал с братом Эрнстом и художником Ф.Матчем, украшая декоративной живописью театры австро-венгерской провинции (в Райхенберге, Фиуме и Карлсбаде – Карловых Варах). С 1885 они оформляли и венские здания (среди этих работ выделяется живописный декор «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея – яркие образцы пышного «стиля Рингштрассе», как принято именовать венский историзм рубежа веков). Со смертью брата Эрнста (1892) коллектив распался. Все более вовлекаясь в стихию модерна и, соответственно, в оппозицию к академической традиции, Климт стал в 1897 одним из основателей независимого от Академии художеств Венского сецессиона (нем. Sezession – «отпадение», «отделение») и первым его президентом. Созданные по его инициативе «Венские мастерские» (1903) сыграли важную роль в стилистическом обновлении австрийского дизайна. Для выставочного здания Сецессиона (архитекторы Й.Хоффман и Й.Ольбрих, 1897) Климт создал Бетховенский фриз (1901–1902), воплощающий темы Девятой симфонии. Другая этапная декоративная работа, цикл аллегорических панно, т.н. «факультетских картин» для Венского университета (1900–1903; сохранились, в разных собраниях, лишь фрагменты цикла), вызвал скандал и был отвергнут заказчиками: климтовские дамы, символизирующие Философию и другие дисциплины, показались слишком жеманными и несовместимыми с духом строгой науки. Как художник-станковист Климт вошел в историю, в первую очередь своими остроэкспрессивными женскими портретами и символическими картинами, насыщенными драматическим, «роковым» эротизмом. Вначале усиливал эту «дионисийскую» драматику золотыми фонами, затем крупными цветовыми узорами, из мерцающей стихии которых – словно из стихии пола – как бы нарождались млеющие фигуры. Был также мастером орнаментально-красочных пейзажей. Выйдя в 1906 из Сецессиона, основал новый Союз австрийских художников, поддерживая на его выставках художников-новаторов, в частности О.Кокошку и Э.Шиле. Лишь к 1917 году завоевал и полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий. Умер Климт в Вене 6 февраля 1918.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Альбер Марке
Albert Marquet
		Франция 1875 - 1947 фовист, пейзажист
Французский живописец и график. Родился в семье железнодорожного служащего в Бордо.в 1875 г. Уже в возрасте 15 лет прибыл в Париж, чтобы получать здесь основательное художественное образование. Здесь, в 1890 году художник знакомится с Анри Матиссом с которым подружился на всю жизнь. Оба художника принимаются в 1897 в класс живописи Густава Моро. Многих увлекал грандиозный талант Матисса, и Марке тоже испытал это влияние на себе. В 1905 году он выставился в Осеннем салоне вместе с Матиссом, Руо, Дереном, Ван Донгеном и другими художниками. Выставка имела скандальный успех и принесла известность ее участникам, которых стали называть «фовистами” ( fauve- дикий). Во второй половине 1900-х гг. творческие поиски А.Марке приводят его к принятию художественного метода фовистов. Но уже в 1907 г. он отказывается от условной экспрессии этого направления и вырабатывает собственную систему, характерным признаком которой становится использование более сдержанных и тонких цветовых сочетаний. Он пишет городские пейзажи, отмеченные одновременно отстраненно-созерцательной авторской позицией и глубоко прочувствованным отношением к природе. С некоторого возвышения художник как бы наблюдает за неспешным течением Сены, его пристальный взгляд отмечает дугообразные линии мостов и прямые перспективы улиц Марке писал портреты, жанровые сцены, обнаженную модель, сделал сотни рисунков пером, но при этом он всегда оставался самим собой. Первым и главным его учителем, основным источником творчества всегда оставалась натура. Поэтому всемирную известность и признание получили, прежде всего, его пейзажи. Художник объездил едва ли не весь мир, совершая поездки по странам Европы, и Африки: в Тунис, Алжир и Марокко Впечатления о путешествиях отразились в его творчестве. Однако с полным правом его называют живописцем Парижа. Марке хранил и развивал лучшие традиции национальной школы. Его картины наполнены тем «острым галльским смыслом», той отчетливостью пластического выражения, которые определяют сильнейшие стороны французской живописи и присущи лучшим её представителям. Годы второй мировой войны Марке провел вдали от родины. Вернувшись, он с прежней увлеченностью продолжал писать Париж. Умер художник 14 июня 1947 года в мастерской на набережной Дофин, не дописав свой последний парижский пейзаж. «У меня нет другого средства выражения, кроме живописи и рисунка. Смотрите. Если вы меня не поймете – это значит, что мне не удалось высказаться, или что вам не дано понять. А я не могу сказать ни больше, ни по-другому. Я сделал, как мог лучше» Альбер Марке.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Теодор Жерико
Theodor Gericault
		Франция 1791 - 1824 Романтизм
Жан Луи Андре Теодор Жерико родился 26 сентября 1791 г. в Руане. Учился в Париже у Ш.Верне и П.Герена, копировал произведения Рубенса, Тициана, Веласкеса и Рембрандта в Лувре. Успех пришел к нему после создания картины «Офицер конных егерей, идущий в атаку» (Париж, Лувр), выставленной на Салоне 1812 г. В 1816–1817 гг. совершает поездку в Италию. Итальянский опыт и впечатления отражены, в частности, в картине \"Бег свободных лошадей в Риме\" (1817 г., Лувр). В Салоне 1819 г. выставляется одно из главных произведений Жерико и всего романтического искусства - \"Плот Медузы\" (Лувр). Оно было написано на остро злободневный сюжет (гибели после бегства капитана оказавшихся в океане на плоту пассажиров и команды фрегата \"Медуза”) и имело большой общественный резонанс. В это же период пишет \"Портрет двадцатилетнего Делакруа\" (Музей изящных искусств и керамики, Руан). Делакруа, кстати, служил моделью для одной из умирающих фигур на “Плоту Медузы”. В 1820–1822 гг. живёт в Англии. Картина с изображением скачек Дерби в Эпсоме (1822 г., Париж, Лувр) предвосхищает некоторые эффекты живописи импрессионистов. Среди произведений Жерико, выполненных после возвращения во Францию, ‘Пейзаж с печью для обжига извести” (1823 г., Париж, Лувр) и серию картин с изображением душевнобольных (Лувр, Париж, Лион, Гент и частное собрание). Друг Жерико, психиатор Этьенн Жорж, предполагал использовать портреты этой серии в качестве наглядных пособий для своих студентов при изучении так называемых типов мономаний, включая клептоманию. Несколько несчастных случаев – падений с лошади – и хронический туберкулёз подорвали здоровье художника. Он умер 26 января 1824 г. в Париже после длительной и тяжёлой болезни. Живопись Жерико отличается энергичностью, экспрессией, верностью натуре, драматизмом, контрастностью светотени.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/Теодор_Жерико
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жорж Сера
Georges Seurat
		Франция 1859-1891 импрессионизм
Жорж Сёра родился 2 декабря 1859 г. в Париже. В 1878—1879 г. посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж. В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии. Сёра, как и его друг художник Синьяк, тяготели к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея. Художник скончался 29 марта 1891 г. в Париже, предположительно от дифтерита.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Наталья Сергеевна Гончарова
		Россия, Франция 1881-1962 авангард
Родилась в селе Нечаево Тульской области в 1881 г. Умерла в Париже в 1962 г. Гончарова начинала учебу в Московском училище живописи, ваяния и зодчества на скульптурном отделении, и лишь около 1905 года стала заниматься живописью. В 1900 г. Гончарова познакомилась с Михаилом Ларионовым, который стал ее мужем и художественным единомышленником. Вместе с ним художница стояла у истоков самых авангардных художественных объединений, например, «Бубнового валета». Гончарова и Ларионов были организаторами выставок «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень». Вместе они участвовали во многих выставках в России и Европе, например, в 1912 г. в выставке мюнхенского \"Синего всадника\". Гончарова – одна из самых известных художниц русского авангарда. В 1900-1910-е годы она пережила увлечение импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но наиболее полно выразила себя в примитивизме. Источником вдохновения для художницы стал русский изобразительный фольклор – лубок, яркость цвета и пластическая выразительность которого воплотились в монументальности произведений Гончаровой. В 1915 году по приглашению Дягилева Гончарова приехала в Париж для оформления спектаклей русских балетных сезонов и осталась во Франции до конца своей жизни. В парижский период, не оставляя живопись, она интенсивно работает как художник театра.
Статья с сайта http://horizons.shm.ru/Ru/bio-429.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джузеппе Арчимбольдо
Giuseppe Arcimboldo
		Италия 1527-1593 «протосюрреалистический» гротеск
Живописец, декоратор, один из предтеч сюрреализма. Дедушка Арчимбольдо был архиепископом, отец - художником. Джузеппе начал карьеру в мастерских Миланского собора, создавая цветные витражи и фрески со сценами из жизни святых. Состоял на службе у Габсбургов в Австрии и Богемии (1562—1587); сначала при имперском дворе Фердинанда I в Вене - как портретист-копировщик, затем, когда императором Священной Римской империи становится Максимилиан II (1564), Арчимбольдо - художник при дворе, а фактически - артистический директор императора. Он отвечал при дворе за архитектуру и театрально-художественное оформление игр, свадеб, коронаций, процессий. В то же самое время он - инженер, создатель фонтанов, принимает участие в основнии музея искусств. Арчимбольдо становится главным организатором турниров, ярмарок и роскошных празднеств для аристократии, учёных и художников. При поддержке Максимилиана он исполнил первый вариант серии «Времена года», который был представлен императору в день Нового года (1569). В 1570 Арчимбольдо был послан в Прагу к Рудольфу, сыну Максимилиана, проектировать сложное театрализованное представление для Максимилиана и остался служить Рудольфу II, когда тот поднялся на трон Габсбургов (1575) после смерти Максимилиана II. Одиннадцать лет, который художник служил Рудольфу II, были, вероятно пиком его карьеры. Император чрезвычайно любил и ценил Арчимбольдо. В эти годы пишет второй вариант «Времён года» (1573). В 1587 после многочисленных просьб Арчимбольдо Рудольф II разрешил ему возвратиться в родной Mилан. В 1591 написаны наиболее известные из его картин - «Флора» (1591) и «Вертемнус» (1590—1591), которые он послал в Прагу. В следующем году, 11 июля 1593, живописец умер.
Статья с сайта http://u-b-2006.livejournal.com/43428.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Эжен Буден
Eugene Boudin
		Франция 1824-1898 барбизонская школа, импрессионизм
Французский живописец. Творчество Будена является связующим звеном между искусством его учителей – представителей барбизонской школы (Труайона, Милле, Коро и Теодора Руссо) и его последователей-импрессионистов, среди которых следует назвать прежде всего Моне. Буден родился 12 июля 1824 в Онфлёре, старом портовом городке в Нормандии. Учился живописи в Гавре, затем в Париже у известного мариниста Эжена Изабе. Большую часть своей жизни Буден прожил на севере Франции; посещал Бельгию, Голландию, Италию. Ранние работы Будена представляют собой яркие сцены фешенебельной курортной жизни, исполненные в импрессионистической манере. Более поздние произведения – в основном морские пейзажи без изображений людей. В пейзажах с видами гаваней ему удалось передать состояние неба, тревожное перед штормом или ясное и чистое; море в них написано широкими мазками и наполнено множеством самых разных кораблей со сложной оснасткой. Хотя художник не считал себя импрессионистом, он принял участие в первой выставке импрессионистов, проходившей в 1874. Признание пришло к нему, когда он был уже смертельно болен. В 1892 Буден был награжден орденом Почетного легиона. Умер Буден в Довиле 8 августа 1898.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Ганс Бальдунг, прозвище Грин
Hans Baldung
		Германия 1484 - 1545 Северный Ренессанс
Бальдунг (Baldung; прозвище – Грин, Grien) Ханс (около 1484/86–1545), немецкий живописец и график. Испытал влияние А.Дюрера (в мастерской которого работал в 1502–1504) и М.Грюневальда. Работал главным образом в Страстбурге, но с 1512 до 1517 жил в Фрайбурге, где работал над своим шедевром - высоким алтарем для собора Фрейбурга, центральная панель которого - лучистое изображение коронации Богородицы. В работе над алтарем он, волшебным образом, объединил пейзажи, фигуры, свет и цвет. Рационализм эпохи Возрождения , особенно сказавшийся в портретах Бальдунга (портрет Амброзия Келлера, 1538, портрет Л.Лёвенштейна, 1513, Картинная галерея, Берлин-Далем), часто сочетается в его творчестве с мистикой, обобщенная пластика – с дробными, ломаными ритмами (главный алтарь собора во Фрайбурге-им-Брайсгау, 1512–1516; “Смерть, целующая женщину”, 1517, художественное собрание, Базель). В рисунках и гравюрах на дереве Бальдунг создал особую манеру передачи светотени контрастами ярких бликов (“Колдуньи”, гравюра на дереве, 1510). Творчество Бальдунга - изменчиво и многообразно, включает религиозные работы, аллегории и мифологию, портреты, проекты для цветного стекла и гобеленов, и большое количество графических работ, особенно книжных иллюстраций. Его характерные, довольно небольшие по размеру картины - это эротические аллегории (как например, \"Рыцарь, молодая девушка и смерть\", 1505, Лувр, Париж, \"Смерть и Девушка\", 1521), к которым он обращался много раз. Эротизм часто присутствует в его поздних работах, наиболее известная из которых - \"Очарованный стойкий молодой человек\" (1544), интерпретированная как аллегория страсти. С другой стороны его картины, посвященные изображению возраста - виртуозные по манере рисунка - довольно символичны по зловещему смыслу
Статья с сайта http://www.smallbay.ru/baldung.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Ян ван Эйк
Jan van Eyck
		Нидерланды 1395 - 1441 Ранний Ренессанс
Ван Эйк (van Eyck) Ян (1395–1441), нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах, ван Эйк в 1422–1424 работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго, в 1427 посетил Испанию, в 1428–1429 – Португалию. Около 1430 ван Эйк поселился в Брюгге. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом (работал в 1420-х годах в Генте, умер около 1426) и законченный Яном в 1432. Ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета . выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка (“Тимофей”, 1432, “Человек в красном головном уборе”, 1433, – оба в Национальной галерее, Лондон; портрет жены художника Маргареты, 1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Дж.Арнольфини с женой. Одним из первых он освоил пластические возможности масляной живописи , используя тонкие, просвечивающие слои краски, положенные один поверх другого (фламандская манера многослойного прозрачного письма). Этот живописный метод позволил ван Эйку достигать исключительной глубины, богатства и светосилы цвета, тонкости светотеневых и красочных переходов. Звучные, интенсивные, чистые тона красок в картинах ван Эйка, пронизанные воздухом и светом, образуют единое гармоническое целое. Творчество ван Эйка, ярчайшим образом воссоздававшее красоту и живое многообразие мироздания, в значительной степени определило пути дальнейшего развития нидерландской живописи, круг ее проблем и интересов. Мощное воздействие искусства ван Эйка испытали не только нидерландские, но и итальянские мастера Возрождения (Антонелло да Мессина).
Статья с сайта http://www.smallbay.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жан-Оноре Фрагонар
Jean-Honore Fragonard
		Франция 1732 - 1806 Рококо
Жан Оноре Фрагонар, французский живописец и график родился 5 апреля1732г. Учился в Париже у Ж.Б.С.Шардена, Ф. Буше, К.Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея - Лувра. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами. Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара - штудий натуры и пейзажей, выполненных в технике сангины , бистра , иногда сепии. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях (\"Свидание\", \"Погоня\"). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью свето - воздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма 19-го века. Умер Фрагонар на заре нового века в 1806 году.
Статья с сайта http:// www.smallbay.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Ганс Мемлинг
Hans Memling
		Голландия ок. 1440–1494 поздняя готика
Мемлинг родился в Зелингенштадте близ Франкфурта-на-Майне около 1440. Учился, вероятно, сначала в Кёльне, а затем в Брюсселе у Рогира ван дер Вейдена. В 1465 поселился в Брюгге, в 1467 вступил там в гильдию художников. Умер Мемлинг в Брюгге 11 августа 1494. Покровители и заказчики Мемлинга жили по всей Европе, но его самые знаменитые произведения были сделаны для госпиталя св. Иоанна в Брюгге. Самым знаменитым созданием мастера является реликварий Рака св.Урсулы. Его украшают шесть композиций, которые рассказывают о паломничестве в Рим юной принцессы из Бретани и ее мученическом конце.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хуан Грис
Juan Gris
		Испания, Франция 1887–1927 кубизм
Родился в Мадриде 23 марта 1887, настоящее имя – Хосе Викториано Гонсалес (José Victoriano González). Вначале зарабатывал на жизнь рисунками для юмористических изданий и одновременно обучался живописи. В 1906 Грис приехал в Париж и поселился на Монмартре, неподалеку от своего соотечественника Пабло Пикассо. В годы становления, в начале парижского периода (1906–1912), Грис увлекся кубизмом. Его ранние работы (1911–1912) выполнены в «аналитической» манере, восходящей как к Сезанну, так и к Пикассо и Браку. Стремительно развиваясь, Грис уже в 1913–1914 вырабатывает собственную версию «синтетического» кубизма. Свою живопись он определяет как «вариант плоскостной, цветной архитектуры», вернее, ее «предчувствие», гармоническую аранжировку форм и цветов. Он считал, что «суть живописи – это экспрессивное взаимодействие между художником и внешним миром», картины же, лишенные изобразительного начала, называл «ущербным техническим упражнением». Версия кубизма, созданная Грисом, была более суровой и классичной, менее спонтанной, чем у Брака или Пикассо. В полотнах 1920–1927 художник культивирует «утонченную и эстетизированную сторону живописи, для которой прежде не находил места в своем творчестве». В результате его стиль приобрел необычайную свободу, лиризм и одновременно смелость и завершенность. Умер Грис в Булонь-Бийанкур (Франция) 11 мая 1927.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Александр Яковлевич Головин
		Россия 1863-1930 символизм, модерн
Родился 17 февраля 1863 года в семье священника. Произошло это важное для русской культуры событие в Москве, на Плющихе. Спустя три года мальчик вместе с семьей переехал в Петровское-Разумовское. Переезд состоялся после того, как отца будущего художника, Якова Даниловича Головина, назначили профессором богословия в только что основанную Петровскую земледельческую и лесную академию (ныне всем известная \"Тимирязевка\"). Как вспоминал сам Головин, художественные наклонности в нем первым заметил организатор и первый директор академии Н.И. Железнов, выдающийся русский ботаник и агроном. Не без помощи академических профессоров мальчика удалось определить в самые престижные учебные заведения Москвы. Сначала он учился в Катковском лицее. После смерти отца , случившейся в 1878 году, Александр перевелся в не менее знаменитую Поливановскую гимназию, из стен которой, к слову, вышли поэты В.Брюсов, Андрей Белый, М. Волошин, шахматист А. Алехин. В 1881 году Головин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Вскоре он понял, что ошибся со \"специализацией\", и перевелся на живописное отделение. В свою бытность в училище Головин познакомился с Левитаном, Коровиным, Архиповым, Остроуховым, Нестеровым. Коровин свел его с Врубелем. Особенно важной для Головина стала возникшая дружба с Е.Д. Поленовой, сестрой учителя, которая сыграла громадную роль в судьбе нашего героя. По сути она открыла и развила в нем грани его дарования, обусловившие то место, что занял Головин в русской культуре начала ХХ века. После смерти матери, последовавшей в 1884 году, молодой человек остался без средств к существованию. Первые годы после окончания Училища ему приходилось работать подмастерьем у декоратора А. Томашки; расписывал он, кроме этого, на заказ цветы на атласе для ширмовых панно и вообще не чурался никакой \"грязной\" работы. В 1889 году он вместе со всей поленовской \"когортой\" съездил в Париж на Всемирную выставку. Новейшая французская живопись поразила его. Некоторое время Головин занимался в парижской мастерской Колларосси, где понял , что \"в своих прежних работах делал не то, что следовало делать\". Вернувшись в Россию, он попытался делать \"то\". Вскоре первую Гловинскую пастель приобрел П.М. Третьяков. В сентябре 1897 года Головин женился на Марии Константиновне Котовой. Она родила художнику троих прекрасных детей, но сам брак не был долгим - он, в конце концов, распался. Головин по-настоящему страдал. Страдания усугублялись потерей ближайшего друга и советчика - в ноябре 1898 года умерла Е.Д. Поленова. Спасла художника театральная работа в которую он с головой окунулся. В 1787 году Московскую контору Императорских театров возглавил В. Теляковский. Он принялся энергично реформировать всю систему подготовки спектаклей на казенной сцене. Первым делом Теляковский пригласил работать в Большой театр в качестве оформителей \"настоящих\" художников Коровина и Головина. Головин сильно сомневался в своих силах, но первый опыт оказался удачен, и дело пошло. В мае 1901 года Теляковский стал директором Императорских театров. В Петербург вместе с ним переехал и Головин. С тех пор и до 1917 года вывший полковник и поповский сын работали рука об руку. Целую эпоху петербургского бытия Головина составила его совместная работа с Мейерхольдом. Мейерхольд, к тому времени уже успевший поиграть в Художественном театре, пытался реализовать свои новаторские идеи в театре Веры Комиссаржевской. Но во взглядах на режиссуру они не сошлись, и Мейерхольд в 1907 году оказался \"на улице\". Вот тут-то ему и помог Головин, энергично рекомендовавший режиссера Теляковскому. Тот взял его на работу. На протяжении следующих десяти лет Головин и Мейерхольд творили вместе, став близкими друзьями и в частной жизни. \"Орфей и Эвридика\" Глюка и \"Маскарад\" Лермонтова - самые громкие плоды этого сотрудничества. В 1912 году Головин стал действительным членом Академии художеств. В это же время у него обнаружились первые признаки серьезной сердечной болезни, и врачи посоветовали художнику покинуть столицу. С 1913 года и до самой смерти Головин жил в Царском Селе (в 1918 году пушкинскую духовную родину переименовали в Детское Село - в 1937 году оно, в свою очередь, превратилось в город Пушкин). В последние три года жизни мастеру, отлученному от активной жизни, все время снились декорации. Он чувствовал себя забытым и мучился этим. 17 апреля 1930 года Александр Головин скончался в Детском Селе.
Статья с сайта http://www.artsait.ru/art/g/golovin/main.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Феликс Валлоттон
Felix Vallotton
		Франция 1865-1925 модерн
Феликса Эдуарда Валлоттона обычно считают французом, однако он родился в Швейцарии, в Лозанне, в протестантской семье. Отец его был нотариусом, а мать дочерью пекаря. От искусства и литературы семья была далека. Первоначальное образование Феликс получил в кантональной гимназии в Лозанне. А в 1882 году его отец, заметив склонность 17-летнего юноши к рисованию, отвез его в Париж. Здесь Феликс первоначально обучался умению делать гипсовые статуэтки в одной из многочисленных в Париже частных школ-¬мастерских. Молодой художник много времени проводил в Лувре, копируя работы старых мастеров. Он также осваивал ксилографию, литографию и другие техники. Обнаженная натура была одной из самых любимых тем Феликса Валлоттона как в графике, так и в живописи. В 1890¬х годах Феликс Валлотон входил в состав группы «Nabis», что в переводе с еврейского означает «Пророки». Членами группы были французские художники Пьер Боннар, Морис Дени, Аристид Майоль и другие, а также некоторые из живших в то время в Париже иностранных мастеров. Члены группы активно занимались прикладным декоративным искусством, в частности проектировали мебель. Вместе с тем им был свойственен мистицизм, от которого Валлоттон всегда был далек. Он также сотрудничал с писателями и работал над иллюстрацией книг. Кроме того, Валлоттон написал восемь пьес и три романа. После Первой мировой войны художник, в основном, занимался живописью и работал не в столице Франции, а в Авиньоне или Каннах. В последние годы жизни Валлоттон писал пейзажи и натюрморты. Он умер в Париже от рака в 1925 году.
Статья с сайта http://www.staratel.com/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жан Огюст Доминик Энгр
Jean Auguste Dominique Ingres
		Франция, Италия 1780-1867 неоклассицизим
Родился в Монтабане 29 августа 1780. В 1791 поступил в Тулузскую Академию. Занимался музыкой, подрабатывал игрой на скрипке в оркестре оперного театра Тулузы. В 1797 приехал в Париж и поступил в мастерскую Жака Луи Давида, а спустя два года был принят в Школу изящных искусств. В 1801 был награжден Большой (Первой) Римской премией за картину Послы Агамемнона у Ахилла (однако так и не смог получить деньги от французского казначейства, которое взамен выделило ему студию и скромное содержание). В дальнейшем выставлялся в Салоне (в 1803, 1805), однако первые его работы получили негативную оценку критиков. Многие поступки Энгра объяснялись его повышенной чувствительностью к критике и обидчивостью. В 1806 он переехал в Рим, где вскоре получил студию. В этот период Энгр, зарабатывая на жизнь, сделал множество потретов карандашом. Первый и шумный успех Энгр завоевал, выставив в Салоне картину Обет Людовика XIII, после чего переехал в Париж, получил из рук Карла X орден Почетного легиона. В следующем году стал академиком Академии изящных искусств и открыл собственную мастерскую (1825). В 1833 выставил в Салоне Портрет г-на Бертена (Лувр). В 1834, после того как осталась незамеченной его картина Св. Симфорион, идущий на казнь, которую он считал своим шедевром, Энгр вновь переехал в Рим, где получил пост директора французской Академии в Риме, однако в 1841 возвратился в Париж. В 1853 художник выполнил плафон Триумф Наполеона I для городского замка (разрушен в 1871, в дни Коммуны), в 1855 выставил свои работы на Всемирной выставке в Париже. В 1862 получил звание пожизненного сенатора. Умер Энгр в Париже 14 января 1867.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Дирк Боутс (Баутс)
Dirk Bouts
		Нидерланды ок.1410-1475 Возрождение
Карел ван Мандер в своей «Книге о художниках» упоминает о том, что Боутс родился в Харлеме, жил и работал в Лёвене, где он был городким живописцем с 1468 года. На Боутса оказали влияние Ян ван Эйк и Рогир ван дер Вейден. Влияние Рогира ван дер Вейдена в творчестве Дирка Боутса прослеживается особенно отчётливо, из чего некоторые исследователи предполагают, что Дирк был его учеником. В 1448 г. он женился на девушке из зажиточной семьи Катарине Ван де Бругген из Лёвена и переехал туда. У Дирка было четверо детей, один из них, Дирк Боутс Младший, также получил известность как художник. Как свидетельствуют документы того времени, Боутс был очень состоятельным жителем Лёвена и получил звание городского художника в 1468 г. В оценке творчества художника существует немало разночтений. Некоторые работы приписывали другим мастерам, а потом возвращали их авторство Боутсу. Но существуют подтвержденные документами работы художника, которые позволяют составить мнение об основных чертах творчества Дирка Боутса. Одна из них - ясное построение пространственной перспективы. Фигуры на его картинах готически удлиненны, а тщательное исполнение деталей говорит о связи художника с искусством миниатюры. Его работы элегичны и лишены драматизма, а святые малоподвижны и молитвенно благочестивы. Лица святых у мастера имеют черты конкретных людей, видимо, заказчиков его произведений.
Статья с сайта http://www.rodon.org/art-071013110614
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франчабиджо (Франческо ди Кристофано Биджи)
Franciabigio (Francesco di Cristofano Bigi)
		Италия (Флоренция) 1482-1525 Возрождение
Родился в семье ремесленников. Франчабиджо учился у Мариотто Альбертинелли. В 1513 г. вместе со своим другом Андреа дель Сарто он выполнил роспись во флорентийской церкви Санта-Аннуциата-де-Серви, ему принадлежит фреска «Обручение Марии», которую он в сердцах сам повредил ударом молотка, когда монахи раньше времени увидели его работу.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Гюстав Кайботт
Gustave Caillebotte
		Франция 1848-1894 импрессионизм
Гюстав Кайботт родился 19 августа 1848 г. в Париже в семье, принадлежавшей к высшим слоям парижского общества. Его отцу досталось в наследство текстильное производство, он также служил судьей в Сенском трибунале по торговле. Гюстав стал заниматься живописью примерно в возрасте 12 лет. Многие картины Кайботта изображают членов его семьи и повседневную жизнь. Кайботт завершил юридическое образование в 1868 г. и получил лицензию на практическую деятельность в 1870 г. Вскоре после этого он принял участие во франко-прусской войне. После войны Кайботт посещал студию художника Леона Бонната, где серьезно изучал живопись. В 1873 г. Кайботт поступил в школу изящных искусств, но, по-видимому, учился в ней недостаточно серьезно. В это же время, Кайботт встретился и познакомился с несколькими художниками, работавшими вне рамок официальных французских академий, в том числе с Эдгаром Дега, и посетил первую выставку импрессионистов в 1874 г. После смерти отца в 1874 г. и матери в 1878 г. Гюстав получил солидное состояние, что позволило ему заниматься живописью, не заботясь о продаже своих работ. У него также появилась возможность участвовать в финансировании выставок импрессионистов и поддерживать его коллег и друзей-художников (в том числе Клода Моне, Огюста Ренуара, Камиля Писарро и др.), покупая их работы, а также — по крайней мере, в случае Моне — оплачивая аренду студии. Кроме того, Кайботт использовал свое состояние для финансирования различных хобби, которыми он занимался с большим воодушевлением, в том числе коллекционированием марок (его коллекция теперь находится в Британском музее), разведением орхидей, строительством яхт, и даже дизайном текстиля. В живописной карьере Кайботта наступил резкий спад в 1890-х гг., когда он перестал писать большеформатные полотна и выставлять свои работы. В 1881 г. он приобрёл в собственность поместье в Пети-Женвилье на берегах Сены близ Аржантея и переехал туда жить в 1888 г. Он посвятил себя садоводству и строительству гоночных яхт, проводил много времени с братом Марсьялем и другом Ренуаром. Кайботт скончался 21 февраля 1894 г. во время работы в своём саду в Пети-Женвилье. Он похоронен на кладбище Пер-Лашез в Париже. Длительное время репутация Кайботта как мецената была значительно выше, чем его репутация художника. Через семьдесят лет после его смерти историки искусства начала пересматривать его художественное наследие.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Анри-Эдмон Кросс
Henri Edmond Cross
		Франция 1856-1910 импрессионизм, пуантилизм
Настоящее имя – Анри Эдмон Жозеф Делакруа (Henri-Edmond-Joseph Delacroix) Провел детство и юность в Лилле. Единственный выживший ребенок Алсида Делакруа, французского авантюриста и бизнесмена, и британки Фанни Вуллетт, Анри еще в юности был поощрен развивать свой художественный талант кузеном отца, доктором Огюстом Суаном. В возрасте десяти лет, он брал уроки рисунка и живописи у E.A. Каролюса-Дюрана. В1878 он поступил в Школу Академии дизайна и архитектуры в Лилле, где учился в течение трех лет у Альфонса Коласа (1818-87). После этого Анри приехал в Париж, где учился со своим земляком Эмилем Дюпонтом - Джипси (1822-65), которого потом называл в числе своих учителей. В Париже он подружился с Франсуа Бонвеном, работы которого влияли на него в течение некоторого времени. Начал показывать свои работы в Салоне с начала 1880-х. В 1881 Делакруа показался в Салоне под английским псевдонимом Кросс, который он выбрал, чтобы его не путали с Анри - Эженом Делакруа, который выставлялся в Салоне в тот же самый период. Его работы этого периода, существующие в малом количестве - реалистичные портреты и пейзажи, окрашенные мрачной палитрой. Под влиянием импрессионистов, особенно после его поездок в 1883 в юг Франции и его встречи с Моне, Кросс изменил свой стиль от темных цветов реализма к более ярким импрессионизма. В мае 1884 Кросс принял участие в первой выставке Салона Независимых художников и в 1891 был избран Вице-президентом Общества Независимых художников. К тому времени он стал одним из ведущих художников неоимпрессионизма. Его стиль резко изменился. Он красил прямоугольными разделенными ударами, создавая холсты полными цвета, например «Берег на Средиземноморье», «Вечерний бриз». Многие из его друзей поддерживали анархизм и рисовали иллюстрации для их журналов. Летом 1904 Кросс провел в Сан-Тропезе с Полем Синьяком. Там он познакомился с Матиссом. Кросс часто посещал Италию, и в 1908 он провел июль и август в Тоскане и Умбрии, посещая Флоренцию, Пизу, Ассайс и другие итальянские города. Здесь он нарисовал много эскизов природы, которые потом использовал для своих пейзажей в 1909 и 1910 годах. По словам Поля Синьяка Кросс - «одинокий гений, безразличный и последовательный мыслитель, который является одновременно страстным и странным мечтателем». Из года в год палитра Кросса становилась более богатой, сильные цвета его последних работ близки к фовизму. Ревматизм заставил художника проводить каждое лето на юге Франции. Он обосновался в Сент - Клере, где и умер 16 мая 1910.
Статья с сайта http://izoselfportrait.narod.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Отто Дикс
Otto Dix
		Германия 1891-1969 авангардист, представитель «новой вещественности»
Отто Дикс, немецкий художник и график, родился в семье литейщика. Образование получил в школе прикладных искусств в Дрездене. Главный и самый печальный опыт художник приобрел в годы первой мировой войны, в окопах которой молодым пулеметчиком он провел несколько лет. Именно война и ее последствия стали главной темой его творчества. Дикс запечатлел все ее мерзости и ужасы, разработав для этого специальную технику – \"кромсание на куски\": форма предмета разбивалась на отдельные составные части. В 20-е годы он создал целый ряд работ, насыщенных негодованием и протестом, где современный город предстает в самых отталкивающих и омерзительных образах. В год прихода Гитлера к власти Дикс создал полотно с сюжетом, к которому обращались художники всех времен – \"Семь смертных грехов\". Но у Дикса этот сюжет приобрел ярко карикатурный характер, где диктатор был изображен в виде недоразвитого подростка. В поздний период творчества, устав от мерзостей буржуазного мира, художник все чаще обращался к религиозным сюжетам. \"Я стану либо известным, либо печально известным\", однажды сказал еще молодой Отто Дикс. Он стал и тем и другим. Его работы, с поразительной точностью передающие боль, нищету, насилие и смерть, стали важнейшим историческим \"документом\" эпохи двух мировых войн, приговором злу и жестокости XX века. \"Есть вещи, не требующие комментариев. В картинах я показываю то, что существует на самом деле и должно быть сказано во имя правды\",- говорил Отто Дикс.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франц фон Штюк
Franz von Stuck
		Германия 1863–1928 Символизм
Родился в Теттенвейсе (Бавария) 23 февраля 1863 в крестьянской семье. С 1878 по 1885 учился в школе пластических искусств в Мюнхене, а также посещал мюнхенскую Академию художеств. Один из основателей (1892 г.) и президент «Мюнхенского сецессиона». Сецессион (нем. Sezession, от лат. secessio - отход, отделение, обособление) – это название ряда немецких и австрийских художественных обществ конца 19 - начала 20 вв., представлявших новые течения в искусстве и возникших на почве оппозиции официально признанному академизму.В 1895 г. начинает преподавать в мюнхенской академии. Среди его учеников были В. Кандинский и П.Клее. Благодаря своей славе художника был возведен в дворянство в 1906 г. Умер 30 августа 1928 г. Испытал большое влияние А.Бёклина. Автор аллегорико-мифологических картин, наполненных «роковыми» эротическими влечениями с брутальной окраской: «Борющиеся фавны», «Борьба за женщину». В его творчестве с разгулом демонических иррациональных стихий в «Люцифере», «Сизифе» и «Убийце» сочетается абсолютно современный юмор «Музыки». Однако, уже к концу 1920-х гг. его искусство казалось старомодным и чуждым поколению, пережившему Первую мировую войну. Во времена нацистской Германии, благодаря восхищению Адольфа Гитлера мюнхенскими художниками 19 века, творчество фон Штюка рассматривалось, как пример истинных немецких ценностей. Возобновление интереса к нему начинается в конце 1960-х годов, в связи с общим увлечением стилем Сецеллион, арт нуово.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Franz_von_Stuck
Вставить (заменить) фото переписать текст

Рене Магритт
René Magritte
		Бельгия, Франция 1898-1967 сюрреализм
Магритт родился 21 ноября 1898 г. в маленьком городке Лессине, в Бельгии. Детство и юность провёл в небольшом промышленном городе Шарлеруа. Жизнь была весьма тяжёлой. В 1912 году его мать утопилась в реке, что, видимо, оказало большое впечатление на бывшего тогда ещё подростком будущего художника, однако, вопреки расхожему мнению, не стоит переоценивать его влияние на творчество автора. Магритт вынес из детства ряд других, не столь трагичных, но не менее загадочных воспоминаний, про которые сам говорил, что они нашли отражение в его творчестве. Два года Магритт проучился Королевской Академии Изящных Искусств в Брюсселе, которую покинул в 1918 году. В это время он познакомился с Жоржеттой Бергер, на которой женился в 1922 году и с которой прожил до самой смерти в 1967. Магритт работал художником плакатов и рекламы на фабрике бумажной продукции вплоть до 1926 года, когда контракт с брюссельской галереей Сенто позволил ему полностью посвятить себя живописи. В 1926 году Магритт создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода. В 1927 году устраивает свою первую выставку. Критики признают её неудачной, и Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. После расторжения контракта с галереей Сенто Магритт возвращается в Брюссель и снова работает с рекламой, а затем вместе с братом открывает агентство, которое даёт им постоянный доход. Во время германской оккупации Бельгии во время Второй мировой войны Магритт сменяет цветовую гамму и стилистику своих картин, приближаясь к стилистике Ренуара: художник считал важным взбодрить людей и вселить в них надежду. Однако после войны Магритт перестаёт писать в таком «солнечном» стиле возвращается к образам своих довоенных картин. Перерабатывая и совершенствуя их, он окончательно формирует свой странный стиль и добивается широкого признания. Магритт умер от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Павел Андреевич Федотов
		Россия 1815-1852 Критический реализм
Родился в Москве 22 июня (4 июля) 1815 г. в семье титулярного советника. Учился в Первом московском кадетском корпусе (1826–1833 гг.); затем направлен в Петербург для службы в Финляндском полку. В 1835–1845 гг. посещал рисовальные классы петербургской Академии художеств; его наставниками были баталист А.И.Зауэрвейд и К.П.Брюллов. В 1844 г. вышел в отставку в чине капитана и занялся живописью. Источником его существования была небольшая пенсия, уходившая на собственное содержание и помощь впавшему в нужду отцовскому семейству. Материальное положение оставалось тяжелым до последних дней художника. К его раннему периоду относятся акварельные портреты сослуживцев, сцены полковой и штатской жизни, порой сатирические («Брань под Смоленским кладбищем», ок. 1840 г., Третьяковская галерея, Москва; «Передняя частного пристава накануне большого праздника», 1837 г., там же). Известность получил после академической выставки 1849 г., на которой «Сватовство майора» было представлено вместе со \"Свежим кавалером\" и \"Разборчивой невестой\". После этого совет Академии Художеств единогласно признал художника академиком \"по живописи домашних сцен\". В федотовских шедеврах - «Свежий кавалер. Утро чиновника, получившего первый крестик» (1846 г.); «Сватовство майора» (1848 г.); «Завтрак аристократа» (1849–1850 г. ); «Разборчивая невеста» (1847 г.); «Вдовушка» (1851-1852 гг.); «Анкор, еще анкор!» (1851г., все работы – в Третьяковской галерее); незавершенных «Игроках» (1852 г., Музей русского искусства, Киев) - ирония соседствует с трагикомедией и ощущением фатального абсурда жизни. В его портретах ирония уступает место светлому лиризму («Н.П.Жданович за клавесином», 1849, Русский музей, Петербург). В 1852 г. у художника обнаружились признаки острого психического расстройства. Умер Федотов в Петербурге 14 (26) ноября 1852 г.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франсиско Хосе де Гойя
Francisco José de Goya y Lucientes
		Испания 1746—1828 романтизм
Отец Франсиско Гойи был андалузским позолотчиком алтарей, мать — дочерью обедневшего идальго. В его самобытном искусстве переплелись традиционные для испанцев фольклорные и религиозные образы с духом модных в то время свободолюбивых умонастроений. Как художник Гойя складывался очень медленно, и его индивидуальность начала проявляться лишь к сорока годам. Зрелое же творчество приходится на конец XVIII — начало XIX в. В 1775 году получив выгодный заказ картин для шпалер королевской мануфактуры, Гойя переезжает в Мадрид. Гойя в общей сложности выполнил 43 эскиза, посвященных народной жизни: сбор урожая, игры, праздники, уличные драки, фигуры нищих и др. Все они были пронизаны жизнерадостным настроением, чувством полноты бытия. Перелом в мироощущении художника произошел в 46 лет (мистическое число, повторяющее год его рождения). Он заболел очень странной загадочной болезнью. Несколько месяцев он провел на грани между жизнью и смертью. Человек страстного темперамента, ярко романтическая натура, Гойя остро реагировал на перипетии своей судьбы и стал по-иному смотреть на окружающую действительность. С этого времени в его творчестве стали преобладать странные и отталкивающие образы, порожденные фантазией. Тогда же обозначился и его острый интерес ко всему тому, что составляет темную сторону жизни. Серия офортов под названием «Капричос» стали обвинительным актом художника «миру сему» — злу, мракобесию, уродству души, тупости, алчности. Свой жесткий приговор Гойя выносит, прибегнув к гротескным, карикатурным образам, почерпнутым из народных испанских поверий, басен, поговорок. Но, пожалуй, самое сильное впечатление оставляют картины, где реальность сплетается с потусторонностью. Среди них знаменитый офорт «Сон разума порождает чудовищ» - аллегория «спящего» в своем безрассудстве человечества. Уродливую тупость уловил мастер в изумляющем своей откровенностью групповом портрете королевской семьи Карла IV. Поразительно, но сами изображенные были вполне довольны этой работой. Откликом на работы мастеров Итальянского Возрождения стали его знаменитые «Махи»: «Маха одетая» и «Маха обнаженная». С начала 19 века работы Гойи наполнялись всё большим драматизмом и ужасами. Последние работы мастера несут отпечаток тоски и трагизма. В 1819 году он приобрел дом в пригороде Мадрида, назвав его \"Домом Глухого\". Он расписал стены этого дома фресками с наводящими трепет сюжетами, где проносятся на шабаш ведьмы, а время пожирает своих детей. Там же он сотворил последнюю графическую серию, дав ей название «Диспартес» («необычности», «безумства»). В ней представлены самые загадочные аллегории и сложные по смыслу художественные образы, фантастические кошмары. Уродства, гримасы монстров вызывают отвращение и одновременно сострадание к великому мастеру, погруженному в пучину безысходности и ужаса. Фигуру великого мастера Франсиско Гойи не возможно уместить в рамки предписываемого ему романтизма. Его творчество невероятно многообразно и охватывает самые разные жанры и направления.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Абрахам Блумарт
Abraham Bloemaert
		Нидерланды 1564-1651 маньеризм
Родился 25 декабря 1564 в Горкаме. Учился у Геррита Сплинтера в Утрехте и у Йоста де Беера, а затем с 1581 по 1584 в Париже у Жана Бассо, Херри и Иеронимуса Франкена. Впоследствии художник вернулся в Утрехт и стал членом гильдии св. Луки, а затем ее деканом (1611–1628). Работал в самых разных жанрах, от религиозной живописи до натюрморта, и был очень известен. Среди его многочисленных учеников – Ян Бот и Якоб Кейп. В числе работ живописца – Благовещение, Рождество, Мужской портрет, Кающаяся Мария Магдалина, Гиппомен, коронуемый на арене, Свадьба Пелея, Воскрешение Лазаря, Меркурий и Аргус, Мученичество св. Андрея (по картине Караваджо), Второй сон Иосифа, Святые Петр и Павел, Ниоба, Венера и Адонис, Геркулес и Омфала, Исход евреев из Египта и Св. Виллеброу, епископ Утрехтский. Умер Блумарт в Утрехте 27 января 1651.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джованни Антонио Каналетто
Giovanni Antonio Canale (Canaletto)
		Италия 1697-1768 барокко
Антонио Каналь родился 7 октября 1697 г. в Венеции. Учился живописи у своего отца Бернардо Каналя, театрального художника. В 1719 г. посетил Рим, где познакомился с творчество знаменитого ведутиста Джованни Паоло Паннини. После этого начал писать свои знаменитые виды Венеции. Первой известной исследователям работой Каналя с авторской подписью является «Архитектурное каприччо» (1723). В отличие от большинства художников того времени Каналетто на раннем этапе своего творчества писал свои виды (ведуты) сразу с натуры, не делая предварительных набросков и эскизов. Впоследствии стал писать в студии, пользуясь камерой обскурой. Многие работы Каналетто были с успехом проданы англичанам, приезжавшим в Венецию для обучения. В 1740 г. этот источник дохода исчез: началась война за австрийское наследство, и британцы стали реже приезжать на континент. В 1746 г. Каналетто едет в Лондон, чтобы быть ближе к каналам сбыта своих картин. В течение девяти лет он живет в Англии, пишет виды местных дворцов и домов. В этот период в его творчестве появляется вторичность, техника перестает нравиться заказчикам. В 1755 г. художник возвращается в Венецию. В 1763 г. его избирают в Венецианскую академию художеств. Каналетто умер 19 апреля 1768 г. в родной Венеции.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Анжелика Кауфман
Angelica Kauffmann
		Швейцария, Италия, Англия 1741-1807 классицизм
Дочь художника, выросла в Форарльберге, Австрия. Самостоятельно выучила несколько языков, много читала, увлекалась музыкой (соревнование поэзии, музыки и живописи — частый сюжет картин Кауфман). С 12 лет работала как профессиональный живописец. Очень рано приобрела широкую европейскую известность. В 1754 побывала с отцом в Милане, с 1764 жила в Италии (Рим, Венеция). В 1766 по предложению английского посла и его супруги уехала в Лондон, где прожила 15 лет. Ее портрет написал Рейнольдс (1766), она в ответ написала портрет Рейнольдса. Была среди основателей Королевской Академии художеств, участвовала в росписи собора Св. Павла. В 1781 вернулась в Рим. Подружилась там с Гёте, написала его портрет. Ее последняя выставка состоялась в Риме в 1797. Умерла в Риме в 1807 году.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Пауль Клее
Paul Klee
		Швейцария 1879-1940 абстракционизм
«Он хотел, чтоб линии и пятна, Как кузнечики в июльском звоне, Говорили слитно и понятно...»,- писал о художнике Арсений Тарковский. Творчество Пауля Клее - мастера зашифрованных композиций - с равным основанием относят к главным художественным течениям XX в. — экспрессионизму, кубизму, сюрреализму, абстракционизму. Но в то же время можно утверждать, что оно не принадлежало целиком ни к одному из них. Клее разработал свой сказочный художественный язык, посредством которого он хотел изобразить мир, лежащий по ту сторону действительности. Пауль Клее родился в Швейцарии, в городе Берне. Его мама пела, а папа музицировал. И хотя его профессиональным поприщем стало изобразительное искусство, преданность музыке он сохранил на всю жизнь. Талантливый скрипач, в трудные годы Клее подрабатывал, играя в оркестре. Музыкой, её ритмами, её аккордами проникнуто большинство работ художника. После переезда в Мюнхен в первое десятилетие XX века он вошёл в круг художников «Синего всадника». Направление было определено. Дальше каждый из них пошёл своим путём. Поездка в Тунис через три года словно открыла ему глаза: «Цвет захватил меня, — записал он в дневнике. — Я и цвет едины, я — художник». И действительно, нежные цветовые гармонии стали естественной средой для утончённых, волшебных геометрических структур Клее. Его необычные композиции, кажется, рождены новым знанием, новым пониманием связей мира, его устройства - таинственного, но не страшного. В 20-е гг. Клее продолжил разработку своей концепции «архитектурного сплетения картины». В своих работах он обращался к различным видам техники и материалов. Особенностью некоторых его творений было то, что созданную картину он разрезал на части, из которых затем собирал новую, на манер коллажа. Подобные эксперименты Клее осуществлял в поисках скрытых граней беспредметного искусства. Художника интересовала сущность вещей, а не их внешние формы. Он хотел найти универсальные шифры, с помощью которых можно было бы открыть универсальные законы не только искусства, но и всего мироздания. В 1933 г. Клее покинул Германию и вернулся на родину, в Берн. В последние годы жизни в работах смертельно больного художника появилась глубокая печаль («Страх», 1934 г.; «Смерть и пламя», 1940 г.; «Мрачное путешествие на корабле», 1940 г.). Клее всегда верил, что изобразительное искусство «не передаёт только видимое, а делает зримым тайно постигнутое».
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франсуа Буше
Francois Boucher
		Франция 1703-1770 рококо
Французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор, яркий представитель художественной культуры рококо. Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Мольера, Боккаччо, Овидия. Работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для опер и спектаклей, картоны для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т.п. Творчество Буше-живописца исключительно многогранно; он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты. Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Франсуа Буше родился в 1703 г. в семье торговца эстампами. Около 1720 г. Франсуа начинает работать в мастерской Ф. Лемуана. Первой специальностью молодого художника стало ремесло иллюстратора. Чтобы заработать на жизнь, Буше поступает в мастерскую Ж. Ф. Карса, где рисует виньетки и участвует в создании иллюстраций к «Истории Франции» П. Даниэля. Иллюстрированием печатных изданий Буше будет заниматься на протяжении всей своей жизни. Сложился под влиянием А. Ватто, начав с гравирования его картин. В 1726—27 гг. по заказу парижского коллекционера Жюльена Буше занимается гравированием пейзажей и этюдов А. Ватто. Вскоре Франсуа получает Гран При Академии и уезжает на четыре года в Италию. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо. В 1731 г., вернувшись в Париж, Буше женится на некоей Мари-Жанн Бюзо, которая в дальнейшем будет часто служить ему моделью. Первые годы после итальянского путешествия почти полностью посвящены рисунку, копированию и гравюре. В это время Буше получает свои первые крупные заказы (для мануфактуры Бове). В тёплых и насыщенных по колориту картинах Буше 1720-30-х годов заметны отзвуки фламандского искусства (\"Геркулес и Омфала\", Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Позднее в его работах, с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов, усиливаются свойственные рококо декоративность, эротика, жеманная грация, фарфоровость фигур. В 1734 за картину «Ринальдо и Армида» Буше стал членом Королевской академии живописи и скульптуры, с 1755 – директором Королевской мануфактуры гобеленов, а десятью годами позже – директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Буше – самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Он исполняет росписи плафона в апартаментах королевы в Версальском Дворце («Королевские добродетели»). Ему поручают написание двух картин для галереи Малых Апартаментов в Версале («Охота на тигра», «Охота на крокодила»). Для апартаментов дофина в Версале Буше была исполнена серия «Легенда об Энее» («Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея»). Художник работал также для Королевской библиотеки в Париже. Благодаря влиянию мадам де Помпадур Буше было поручено украшение столовой в Фонтенбло, отделка плафона в кабинете Совета и другие работы. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов «Итальянские деревенские праздники» (1736) и «Благородная пастораль» (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Несомненным шедевром декоративного искусства стал гобелен «Китайские дивертисменты», подаренный в 1764 г. Людовиком XV китайскому императору. Буше создал большое количество декораций для театра и оперы. В 1742—48 гг. он занимал должность декоратора парижской Оперы. Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия «Крики Парижа» с изображениями уличных сценок. В 1757—67 гг. Буше работает для Севрской мануфактуры. Созданные им орнаментальные рисунки для фарфоровых изделий снискали ему славу самого талантливого орнаменталиста XVIII в. Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений – картина «Триумф Венеры» (1740, Стокгольм, Национальный музей) и «Портрет мадам де Помпадур» (Мюнхен, Старая Пинакотека). Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, видевшего в нем яркое порождение всего, с чем боролись просветители, но не отказывающего ему в высоком профессионализме. С 1760 г. Буше теряет былую популярность. За несколько месяцев до смерти его избирают почетным членом Петербургской академии художеств.
Статья с сайта http://izoselfportrait.narod.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жоан Миро
Joan Miro
		Испания, Франция 1893-1983 сюрреализм
Хуан Миро (Miro, Joan) (1893-1983 гг.), испанский живописец, скульптор, график, дизайнер. С 1919 г. подолгу жил в Париже, не порывая, однако, тесных связей с Испанией. Творчество Хуана Миро сюрреалистично (сюрреализм). С утонченным декоративизмом Хуан Миро имитировал наивность детского рисунка, обращаясь к алогичным ситуациям и формам (\"Женщина и птица в лунном свете\", 1949). На протяжении всей жизни Хуан Миро оставался верен главному принципу этого направления - освобождению творческого подсознательного начала из-под контроля логики и разума. Миро тем не менее отличался от остальных сюрреалистов разнообразием и жизнерадостностью полотен. В 1940 г. художник Миро вернулся в Испанию и жил главным образом на острове Майорка, продолжая активно работать до глубокой старости. Хуан Миро родился 20 апреля 1893 года в Барселоне. Миро с детства был равнодушен к занятиям и наукам, но с удовольствием рисовал. Родители не поддерживали желание юноши стать художником, но с 1907 по 1910 гг. Хуан Миро прошел обучение в художественной школе, после окончания которой отец Жоана настоял на том, чтобы его сын стал помощником бухгалтера в аптеке. Практически сразу же Хуан Миро заболел тифом, и у него случилось нервное расстройство. Почти год уходит на восстановление сил, и в это время Миро усиленно занимается рисованием. В 1912 году Хуан Миро поступает в частную школу в Барселоне и хочет посвятить себя живописи целиком. К 1920 году Хуан Миро становится достаточно известеным художником. В этом году Жосеп Далмау (владелец салона - галереи, в прошлом - довольно посредственный художник) решает создать в Барселоне рынок для современного искусства и сооружает важную выставку французского авангарда, которая включила в себя также работы двух каталонцев - Хоакина Суниера и Жоана Миро. Далмау начал продвигать Хуана Миро еще четыре года назад. В это время Хуан Миро усердно занимался живописью и познакомился со своими будущими друзьями - Мануэлем Грау и Энриком Рикаром. В этом же 1920 году Хуан Миро приезжает в Париж, где впервые знакомится с Пабло Пикассо. В 1924 году появился на свет первый номер \"Сюрреалистической революции\", возглавляемый Андре Бретоном, отмечающий формирование сюрреалистов как доминирующей группы в парижском авангарде - группы , которая была ориентирована на ниспровержение авторитетов и настроена на подсознательное восприятие окружающего мира. Чуть раньше был опубликован манифест сюрреалистов, а также было создано Бюро сюрреалистов. Все эти события сильно повлияли на Миро, сформировали его взгляды и явились источником вдохновения для многих его последующих работ. В 1926 году Миро приезжает в Испанию, в Кадакес вместе со своим торговым агентом Пьером Лёбом и знакомится там с Сальвадором Дали, которого позже приглашает в Париж. В тридцатые годы проходит много персональных выставок Миро в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Миро хочет внести в живопись и сюрреализм что-то новое и необычное. Так он начинает экспериментировать с песком, камнем, наждачной бумагой, бечёвками и другими подручными материалами. Позже Миро увлекла керамика. В 1948 году состоялась, пожалуй, самая большая и самая важная выставка в жизни художника: в галерее Маг. Впоследствии художник проводил выставки во многих крупных городах мира. 25 декабря 1983 Хуан умирает в Пальма де Мальорка. Про себя Хуан всегда говорил так: \"Я начинаю рисовать, и, пока я рисую, картина сама утверждается под моей кистью. Когда я работаю, то некая субстанция становится для меня знаком женщины или птицы\".
Статья с сайта http://www.staratel.com/pictures/surreal/miro/main.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Аньоло Бронзино
Agnolo Bronzino
		Италия 1503-1572 маньеризм
Родился 17 ноября 1503 в Монтичелли близ Флоренции, был любимым учеником и помощником Якопо Понтормо, испытал влияние Микеланджело. В 1530 получил заказ в Пезаро, но через два года вернулся во Флоренцию. В искусстве Бронзино маньеризм достигает наивысшего расцвета. Картины заполнены фигурами, образующими своими очертаниями красивый, сложный рисунок; они расположены фризами, параллельными картинной плоскости; при этом мастер не стремится передать реальное трехмерное пространство. Вертикали и диагонали подчеркнуты, фигуры искусственно удлинены, их моделировка жесткая, скульптурная. Литературные пристрастия и теоретические воззрения, характерные для эпохи маньеризма, нашли отражение в картинах Бронзино, написанных на сложные аллегорические сюжеты, например \"Венера, Амур, Глупость и Время\". В портретах художник последовательно применяет маньеристические живописные приемы для достижения декоративности и изящества форм. Картины Бронзино отличаются тщательностью исполнения и аристократической сдержанностью образов. Многие из его моделей – члены семейства Медичи, придворным художником которого он был с 1539. Умер Бронзино во Флоренции 23 ноября 1572.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джорджо де Кирико
Giorgio de Chirico
		Италия, Франция 1888–1978 пре-сюрреализм
Джорджо де Кирико родился в греческом городе Волос 10 июля 1888. Учился в Высшей художественной школе в Афинах и в Академии художеств в Мюнхене. Увлечение философией Ф.Ницше и аллегорической живописью Арнольда Бёклина способствовало появлению у Де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В 1908–1911 он жил в Италии, в основном во Флоренции, с 1911 – в Париже, а с началом Первой мировой войны вернулся в Италию. Между 1908 и 1917 Де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как \"Радости и загадки странного часа\" (1913) и \"Меланхолия и тайна улицы\" (1914), указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности. Сам художник заявил в 1913: «То, что я слышу, – ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, – и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами». В 1915–1919 Джорджо де Кирико и Карло Карра сформулировали теоретическое обоснование своего искусства, положив начало недолговечному течению метафизической живописи в итальянском искусстве. В 1920-е годы художник обратился к созданию романтических вариаций на классические сюжеты. Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали и др. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения Де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. В 1945 художник опубликовал автобиографию, \"Воспоминания о моей жизни\". Умер Джорджо де Кирико в Риме 20 ноября 1978.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Константин Андреевич Сомов
		Россия 1869—1939 «Мир искусства», модерн
Родился 18 (30) ноября 1869 г. в Петербурге в семье хранителя коллекций Эрмитажа . С 1888 по 1897 гг. учился в петербургской Академии художеств, затем добровольно покинул ее и два года занимался в академии Коларосси в Париже. Одновременно с ним в Париже учились и работали А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова. Вместе с А. Бенуа, В. Нувелем, Д. Философовым участвовал в создании общества «Мир искусства». Общество группировалось вокруг одноимённого ежемесячного иллюстрированного художественного журнала, выходившего в Петербурге с 1898 по 1904 гг. Его главным принципом был эстетизм. В 1913 г. получил статус действительного члена Академии. Экспонируя свои произведения на выставках \"Мира искусства\", персональной выставке 1903 г. в Петербурге, на берлинском \"Сецессионе\" и парижском Осеннем Салоне 1906 г., приобрел широкую известность. Февральскую революцию 1917 г. встретил с радостью, Октябрьскую - сдержанно, но лояльно. И В 1918 г. стал профессором Петроградских государственных свободных художественных учебных мастерских. В 1923 г. уехал из России в США в качестве уполномоченного от петроградцев с Русской выставкой. Остался за границей, поскольку испытывал бытовые трудности, не имея заказов на работу. С 1925 г. жил во Франции. Последние годы жизни художник был тяжело болен и с трудом ходил. Он скончался 6 мая 1939 г. в Париже. Похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. Как живописец получил известность портретами (\"Дама в голубом\", 1897-1900 гг., портрет художницы Е. М. Мартыновой, изображенной на фоне пейзажа с флейтистами; Третьяковская галерея, Москва) и жанровыми сценками придворных балов и маскарадов «галантного» 18 столетия («Вечер», 1900–1902 гг.; Третьяковской галерее, Москва; «Зима. Каток» 1915 г., Русский музей, Петербург). Исполнил целый ряд обложек и фронтисписов к изданиям символистской поэзии (книгам К.Д.Бальмонта, Блока, В.И.Иванова). Из его иллюстративных циклов наиболее известны «Граф Нулин» А.С.Пушкина (1899 г.), «Невский проспект» и «Портрет» Н.В.Гоголя (1901 г.), «Книга маркизы» Ф.фон Блей (1908 г.), вышедшая в полном «эротическом варианте» в 1918 г.. Создавал также изысканно-«рокайльные» эскизы фарфоровых статуэток («Дама, снимающая маску», 1906 г.). Написал ряд откровенно-эротических сценок гомосексуального толка («Обнаженные в зеркале у окна», 1934 г., частное собрание, Париж). Утонченность и надломленность, одухотворенность и поэтичность, галантность и эротизм – вот термины. в которых обычно определяют искусство Константина Сомова.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Фредерик Лейтон
Frederic Leighton
		Англия 1830–1896 академизм
Родился 3 декабря 1830 в Скарборо (графство Йоркшир). Его отец был врачом, а дед, сэр Джеймс Лейтон, придворным врачом русского царя Александра I. В детстве много путешествовал по Европе. Лейтон начал изучать живопись в возрасте 10 лет в Риме, а позже в Лондоне, Дрездене и Флоренции. Фредерик Лейтон жил и творил в эпоху королевы Виктории. В 1855 впервые выставил свои произведения в Королевской академии художеств и получил награду за картину, приобретенную впоследствии королевой Викторией. В 1860 художник поселился в Лондоне. В своих работах Лейтон часто обращался к мифологии и истории, а его поддержка классицизма принесла ему высокую репутацию в Англии. В 1868 году он стал академиком Королевской Академии Художеств, а в 1878 - ее президентом. В 1878 получил дворянство, а в 1895 – титул барона. За день до смерти в 1896 году, ему был пожалован титул лорда. Он стал первым английским художником, удостоенным этой чести. Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Он часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника. Среди наиболее известных картин Лейтона – признанный шедевр \"Пылающий июнь\". Эта картина была написана Лейтоном в конце жизни, в 1895 году. Она никак не связана ни с мифологическими, ни с библейскими темами. Он написал ее только ради удовольствия, сумев уловить очарование июньского дня и прекрасной женщины. В качестве модели художнику позировала актриса Дороти Дени. Она же запечатлена на картинах \"Купание Психеи\", \"Феба\" и других. Умер Лейтон в Лондоне 25 января 1896.
Статья с сайта http://smallbay.ru/leighton.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Теодор Шассерио
Theodore Chasseriau
		Франция 1819–1856 неоклассицизм, романтизм
Родился в Эль Лимоне близ Саманы (Доминиканская республика) 20 сентября 1819; в 1822 семья переехала в Париж. Занимался в мастерской Ж.О.Д.Энгра (1830–1834); позднее испытал также сильное влияние Э.Делакруа. В 1840–1841 побывал у Энгра в Риме. Черты классицистской идеализации самобытно сплотились в манере Шассерио с романтической патетикой, породив формально-уравнов 077;шенную, элегантную, но в то же время чувственно-эмоцио 085;альную творческую манеру. Писал мифологические, исторические и жанровые картины; побывав в Алжире (1846), создал немало ориенталистских композиций. Тонкий рисовальщик, создал серию офортов к Отелло У.Шекспира (1844), ставших важным этапом развития графического искусства романтизма. Умер Шассерио в Париже 8 октября 1856.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джошуа Рейнолдс
Joshua Reynolds
		Англия 1723–1792 классицизм
Рейнолдс родился 16 июля 1723 в Плимптоне (графство Девоншир). По-видимому, заниматься искусством он начал очень рано. В 1740 уехал в Лондон, где учился у портретиста Томаса Хадсона. В 1749–1752 путешествовал по Европе, изучая античную скульптуру и живопись Рафаэля и Микеланджело. По возвращении в Лондон в 1753 Рейнолдс стал модным портретистом. Он создал более 2 тысяч портретов. Среди тех, чьи портреты он написал, были выдающиеся мыслители и общественные деятели. Своими успехами он был обязан не только техническому совершенству и способности уловить сходство, но и творческому подходу к проблеме образной характеристики. Весь набор художественных средств, которыми Рейнолдс овладел в процессе изучения живописи, он использовал для того, чтобы как можно более ярко и многогранно выразить индивидуальность портретируемого. Способы истолкования человеческой личности у Рейнолдса весьма разнообразны, от непосредственного, прямо следующего натуре Портрета Нелли О\'Брайен (Лондон, коллекция Уоллес), до возвышенного по замыслу, аллегорического Портрета Сары Сиддонс в образе музы Трагедии (Сан-Марино, Калифорния, Художественная галерея Хантингтона). В 1768 была основана Королевская академия художеств, и Рейнолдс стал ее первым президентом. Находясь на этом посту, он прочел пятнадцать лекций, названных Речами (Discourses). Они представляют собой одно из наиболее значительных английских сочинений по эстетике и художественной критике. Высшей целью искусства, по мнению Рейнолдса, является выражение моральных принципов. В последние годы жизни Рейнолдс ослеп. Это вынудило его в 1789 прекратить занятия живописью, а в 1790 он покинул Академию. Умер Рейнолдс в Лондоне 23 февраля 1792.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Томас Гейнсборо
Thomas Gainsborough
		Англия 1727–1788 сентиментализм
Гейнсборо жил в годы бурного развития Англии, подъема ее экономического и политического могущества, что дало мощный всплеск расцвета искусства. Он родился в семье суконщика в Суффолке (восточная Англия), с детства проявил способности к рисованию, и в 13 лет был отправлен на учебу в Лондон. Первым его учителем был известный французский рисовальщик Юбер Гравело (1699–1773), работавший в Лондоне. Затем учится у портретиста и декоратора Фрэнсиса Хаймена (1708–1776) в художественной школе, известной под названием академия св. Мартина, которой руководил Хогарт (1697–1764). В 1746 он возвращается в Садбери, где пишет портреты и пейзажи. В ранних пейзажах Гейнсборо видно влияние реалистических голландских пейзажей 17 в., тщательная проработка деталей. Поздние пейзажи художника написаны свободнее, красочный слой стал прозрачным и невесомым, передавая изменчивую игру света и тени, что дает возможность считать Гейнсборо одним из зачинателей романтизма в пейзаже. Перебравшись в 1759 в модный курортный город Бат, Гейнсборо приобретает широкую известность и успех. Меняется стиль его работ. Если раньше он писал небольшие портретные группы на пейзажном фоне, то теперь фигура получает первенствующее значение, пейзаж отступает на второй план. Сначала Гейнсборо пишет поясные или поколенные изображения, потом появляются портреты в рост, в натуральную величину. Композиционное решение у Гейнсборо простое - он располагает фигуру посередине холста. Главное в его портретах – поэтическое раскрытие настроения портретируемого. В 1774 Гейнсборо переезжает в Лондон, в 1777 среди его работ, высланных на выставку академии, фигурируют портреты членов королевской семьи. же он пишет животных, собак, показав себя прекрасным анималистом. Он умер в расцвете творческих сил 2 августа 1788.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франсиско Сурбаран
Francisco de Zurbaran
		Испания 1598-1664 барокко
Сурбаран родился в местечке Фуэнте де Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Xуана де Роэласа. В 1617—1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры — Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 г. непрерывно жил там. В 1622 г. он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. В 1626—1627 гг. по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». В 1628—1630 гг. Сурбаран пишет цикл картин о жизни св. Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры. В 1631 г. Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца. В 1634 г. художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн Ретиро мастер отошёл от религиозной тематики — им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монумент 072;льное полотно «Оборона Кадиса». Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов». Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника. В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве — «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны». В 1658—1664 годах Сурбаран жил в Мадриде, его популярность шла на спад, несмотря на поддержку друга Диего Веласкеса он, забытый заказчиками, испытывал материальные трудности. В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. Умер Сурбаран в Мадриде 27 августа 1664 г.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Каспар Давид Фридрих
Caspar David Friedrich
		Германия 1774-1840 романтизм
С юности Фридрих был очень набожен и сторонился людей, ища уединения в горах Саксонии и Гарца. Но, достигнув зрелого возраста, художник удивил окружающих - женился на молодой девушке и стал отцом троих детей. Каспар Давид Фридрих родился 5 сентября 1774 года в Грейфсвальде, маленьком портовом городке на побережье Балтики. Отец художника, Адольф Фридрих, владел мастерской, изготовлявшей мыло и свечи, однако его семья жила очень скромно. Родители Каспара были ортодоксальными протестантами, и их десятеро детей выросли в атмосфере религиозного аскетизма. Когда Каспару исполнилось семь лет, умерла его мать, а через шесть лет погиб один из его братьев - спасая самого Каспара, провалившегося под лед во время катания на коньках. Эта потерю впечатлительный мальчик воспринял очень болезненно, считая себя повинным в смерти брата. Рисовать Фридрих начал еще в детстве, особенно полюбив изображать местные пейзажи. В 1790 году он стал брать уроки у Иоганна Готфрида Квисторпа, преподававшего рисунок в местном университете. Большое влияние на начинающего художника оказал один из друзей Квисторпа, пастор Людвиг Козегартен, серьезно занимавшийся поэтическим творчеством. Каспар на всю жизнь сохранил привитый ему Козегартеном взгляд на природу как на исполненное высшего, потаенного смысла создание Творца. В 1794 году Фридрих поступил в копенгагенскую Академию художеств, считавшуюся одним из лучших учебных заведений во всей северной Европе. Правда, здесь, как и в большинстве других художественных академий, основное внимание уделялось изучению человеческой фигуры, что создавало определенные трудности для Каспара, с ранней юности решившего посвятить себя пейзажной живописи. И все же годы обучения в Копенгагене принесли Фридриху немалую пользу. Здесь, в столице Дании, он смог регулярно посещать Королевскую картинную галерею, которая славилась своей прекрасной коллекцией работ голландских художников-пейзажистов, и, кроме того, познакомился с одним из лучших датских живописцев своего времени Йенсом Юэлем (1745-1802). Окончив курс в копенгагенской Академии, Фридрих перебрался в Дрезден, столицу Саксонии. В Дрездене он почти безвыездно провел всю свою жизнь, лишь изредка навещая родные места. Художник приехал в Дрезден именно в те годы, когда культурная жизнь в городе переживала период расцвета. Саксонская столица была центром зарождавшегося немецкого романтизма, и Фридрих свел знакомство со многими представителями этого направления - Людвигом Тиком, Новалисом, Фридрихом Шлегелем и Генрихом фон Клейстом. В этот период Фридрих уже зарабатывает на жизнь живописью - продает свои ранние (вполне традиционные) пейзажи, выполненные акварелью или пером и тушью. Одновременно, чувствуя себя еще недостаточно овладевшим техникой живописи, он берет уроки у преподавателей дрезденской Академии художеств Иоганна Вейта и Адриана Цинга. В 1801 году Фридрих посетил свою родину, Грейфсвальд. Всю весну он прожил у родственников, а затем совершил длительную поездку по окрестностям, во время которой сделал множество набросков к своим будущим картинам. Любимым местом художника стал живописный остров Рюген. В том же году художник познакомился с Филиппом Отто Рунге (1777-1810), одним из лидеров немецкого романтизма. Трудно сказать, насколько близкими друзьями успели стать два живописца. Несомненно одно: идеи Рунге оказали огромное влияние на формирование манеры Фридриха. Знаменательным для последнего стал 1805 год. Фридрих представил две выполненные сепией работы на ежегодный творческий конкурс в Веймаре - эти конкурсы проводились по инициативе великого немецкого поэта Иоганна Вольфганга Гете (1749 - 1832) - и победил. Узнав об этом, он пришел в такой восторг, что подарил обе работы учредителю конкурса. С этого момента завязалась дружба между Фридрихом и Гете. Спустя несколько лет поэт даже посетил дрезденскую мастерскую художника. Успех окрылил Фридриха, и в 1807 году он решил попробовать свои силы в масляной живописи. Первую свою картину маслом (\"Крест в горах\") он, по всей видимости, писал на заказ. Публика восприняла работу неоднозначно - одни восторгались ею, другие отпускали скептические замечания. Самой серьезной критике картина \"Крест в горах\" подверглась со стороны приверженцев неоклассицизма, назвавших Фридриха \"пейзажистом, который стремится протащить свое искусство в алтарь\". Как бы там ни было, именно в этом произведении впервые четко проявились три составляющие будущего стиля Фридриха - пейзаж, религиозность и аллегория. Следующие картины (\"Аббатство в дубовом лесу\" и \"Монах у моря\") доказали, сколь востребована подобная живопись, - обе эти работы приобрел Фридрих Вильгельм III, король Пруссии, а сам Фридрих был избран членом берлинской Академии. Вскоре художника захватила новая тема, несколько потеснившая религиозный мистицизм. Большая часть Германии находилась в то время под оккупацией - шли наполеоновские войны. И Фридрих, будучи истинным патриотом, не мог взирать на это со спокойной душой. Непосредственного участия в войне за освобождение Германии художник не принимал, но основным мотивом в его творчестве становится в этот период любовь к родине. Патриотические взгляды Фридриха способствовали укреплению его популярности, и в 1816 году его избрали членом дрезденской Академии художеств. Членство в академии гарантировало художнику достаточный доход, и - кто знает - возможно, именно это стало толчком к переменам в его личной жизни. В 1818 году он женился на Каролине Боммер, которая была моложе Фридриха почти на 20 лет. Это решение явилось полной неожиданностью для всех, близко знавших художника, - он всегда отличался замкнутым характером и сторонился женщин. Несмотря на все опасения, брак оказался очень удачным: \"Как много изменилось в моей жизни, когда я перешел от \"Я\" к \"Мы\", - писал Фридрих одному из своих друзей. - Мой старый, простой дом стал совершенно неузнаваемым, чистым и уютным, и я не могу нарадоваться этому\". У Каспара и Каролины родилось трое детей; в нескольких случаях Каролина выступила для мужа музой и моделью. Весьма примечательна оптимистичная и светлая картина \"Белые скалы на Рюгене\", которую, возможно, художнику навеяли воспоминания о его медовом месяце. Популярность Фридриха еще более окрепла в начале 1820-х годов, когда у него появился целый ряд последователей (Карл-Густав Карус, Эрнст Эме, известный норвежский пейзажист Юхан Кристиан Даль и др.). Однако уже тогда над головой художника сгущались тучи. К концу 1820-х годов Фридрих начал выходить из моды, а в 1825 году он перенес инсульт, после чего стал совершать странные поступки и проявлять признаки умственного расстройства. Едва оправившись после инсульта, Фридрих сразу же принялся за работу. В эти годы он создал едва ли не лучшие свои картины. Среди них особенно выделяется полотно \"Ступени жизни\", которое многие критики считают вершиной творчества художника. В июне 1835 года у художника случился второй инсульт; работать после этого он уже не мог. Умер Фридрих 7 мая 1840 года в полной безвестности, и о его творчестве никто не вспоминал до начала XX века, когда его картины подняли на щит основатели сюрреализма.
Статья с сайта http://izoselfportrait.narod.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Томас Икинс
Thomas Cowperthwaite Eakins
		США 1844-1916 реализм
Жил и работал преимущественно в Филадельфии. Окончил Пенсильванскую академию изящных искусств, после чего в 1866—1870 гг. совершенствовал своё мастерство в Европе, преимущественно в Париже под руководством Жана Леона Жерома. Борцы (1899) Борцы (1899) С 1876 г. преподавал в своей родной академии, в 1882 г. стал её директором. Однако на протяжении всей преподавательской карьеры у Икинса возникали трения с попечительским советом Академии из-за того, что Икинс уделял очень большое внимание изучению и изображению обнажённой натуры, проявляя при этом не созвучное эпохе свободомыслие (так, в классах Икинса студенты, случалось, позировали друг другу в обнажённом виде). В итоге в 1886 г. Икинс был уволен за то, что в классе, где занимались не только студенты, но и студентки, поставил мужчину-натурщика в полностью обнажённом виде, без фигового листка. Занятия Икинса продолжились в Филадельфийской Лиге студентов, изучающих искусство. В живописи Икинса и его фотографиях обнажённое и полуобнажённое тело (чаще всего мужское) занимает выдающееся место. Ему принадлежит множество изображений спортсменов, особенно гребцов и борцов. Особенный интерес Икинса вызывала передача движений человеческого тела, с чем отчасти связано его увлечение фотографией. Многим известным картинам Икинса предшествовали фотографические «этюды».
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Фернандо Ботеро
Fernando Botero
		Колумбия р. 1932 «Наивное искусство»
Родился в Медельине (Колумбия) 19 апреля 1932 г. в семье коммерсанта. В 1944 г. поступил в школу матадоров, что повлияло на тематику его ранних рисунков. В 1951 г. переехал в Боготу, где состоялась его первая персональная выставка. Посещал академию Сан-Фернандо в Мадриде (1952 г) и академию Сан-Марко во Флоренции (1953–1954 гг.). В 1955 г. вернулся в Колумбию. В 1956 г. побывал в Мексике. С 1960 г. жил в Нью-Йорке, постоянно наезжая в Колумбию и Европу. С конца 1970-х гг. проводил по нескольку месяцев в тосканском городке Пьетрасанта, известном своими мраморными карьерами. На рубеже 20–21 вв. стал самым знаменитым из латиноамериканских художников его поколения. Свой характерный, гротескно-традиционалистский стиль, характеризующийся изображением подчеркнуто пышных, разбухших предметов и фигур, выработал во второй половине 1950-х гг. В его творчестве встречаются многочисленные реминисценции Веласкеса, Караваджо, Э.Мане, ван Эйка, да Винчи. В 2005 г. создал серию картин, изображающих пытки и жестокое обращение американских охранников с иракскими заключенными в тюрьме Абу-Грейб. Его скульптурные произведения, представляющие собой гипертрофированно-пышные фигуры людей и животных, украшают Медельин, Боготу, Париж, Лиссабон. По мнению художника его «толстяки» не являются сатирическими образами, «художника бессознательно привлекают те, или иные формы. Вы занимаете позицию интуитивно, и только позднее пытаетесь объяснить или даже оценить её».
Статья с сайта http://www.boteroinvenice.com
Вставить (заменить) фото переписать текст

Шарль Антуан Куапель
Antoine Coypel
		Франция 1661-1722 Барокко
Антуан Куапель родился в ноябре 1661 года в Париже. Отец— художник Ноэль Куапель. В возрасте 11 лет вместе с отцом, который являлся тогда директором французской академии художеств, поехал учиться в Рим. Проучившись 3 года в Риме и год в Северной Италии, возвратился в Париж и быстро вошел в большую известность, стал членом, а потом директором парижской академии художеств, получил титул первого королевского живописца и много работал для королевских дворцов, гобеленовской ковровой мануфактуры и различных церквей. Довольно хорошо владел гравировальной иглой и выпустил в свет до 14 гравюр со своих картин и рисунков. Это был талант бесспорно значительный, но плативший дань своей эпохе — зараженный манерностью, гонявшийся за мишурным блеском и жеманной грациозностью. Полное понятие о нем можно составить по восьми его картинам в Лувре, из которых лучшие — \"Изгнание Гофолии из храма\", \"Есфирь пред Артаксерксом\" и \"Ревекка и Елеазар\". К числу характерных для него картин принадлежат также \" Амур и Психея\", находящаяся в Эрмитаже, и \"Туалет Дианы\" и \"Ариадна и Бахус\" — в музее академии художеств в СПб. Умер в Париже 7 января 1722 года
Статья с сайта http://www.referatusyudent.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Карл Брюллов
		1852 1799 Романтизм
Великий Карл - так еще при жизни называли современники замечательного русского художника Карла Павловича Брюллова. Написанное им в Италии огромное полотно \"Последний день Помпеи\" (1830-1833) завоевало всеевропейское признание. Его имя ставилось рядом с именами Рубенса, Рембрандта, Ван Дейка. Профессия художника была в семье традиционной: прадед, дед, отец - все принадлежали к художническому цеху. Прадед Карла Брюллова - Георг Брюлло (Brulleau), орнаментный скульптор (из французских гугенотов) прибыл в Санкт-Петербург в 1773 году с двумя сыновьями и был принят на императорский фарфоровый завод. Старший его сын Иван, также скульптор, имел сына Павла Ивановича Брюлло - академика орнаментной скульптуры, живописца-миниатюриста, который и стал впоследствии отцом знаменитейшего художника. Родился Карл Брюллов 12 (23) декабря 1799 году в Петербурге. Братья Карла, старшие и младшие, все учились в петербургской Академии художеств. Поступление Карла в Академию относится к 1809 году. Благодаря редкой одаренности и изрядной домашней подготовке он с первых шагов резко выделялся среди своих сверстников. Брюллов постоянно обгонял своих однокашников. Живая жизнь, живые впечатления начинают проникать в работы Карла Брюллова. В его альбомах появляются, то портрет сотоварища, то финн с лошадью, то набросок с кухарки, восхитившей Брюллова искусством печь блины. Духовная жизнь общества, жизнь литературы и искусства той поры отмечены бурным развитием, сложностью, противоречивостью. Одно за другим возникают новые направления. Еще в начале века в недрах классицизма зарождается романтизм, давший блестящие плоды в изобразительном искусстве, прежде всего, в портретном творчестве О.А. Кипренского. Из Европы же приходят идеи нового направления - сентиментализма. Брюллов много острее большинства своих сверстников ощущал новые веяния. За недолгий период самостоятельной работы - с 1821 по 1823 год - он постепенно приобщается к новым идеям, идеям романтизма, которыми уже были захвачены современные ему русские литераторы. В 1821 году в Петербурге усилиями энтузиастов было учреждено Общество поощрения художников. Карлу и Александру Брюлловым была оказана честь стать первыми пенсионерами Общества в Италии. 16 августа 1822 года в дилижансе Петербург-Рига началось путешествие братьев в Рим, которое затянулось на целый год. Кстати сказать, именно перед заграничной поездкой их исконной фамилии \"Брюлло\" было придано русское окончание, оба стали отныне \"Брюлловыми\". 2 мая 1823 года братья Брюлловы въехали в Рим. Как ни много сил отдавал Брюллов эскизам на мифологические и библейские темы, он в то же время неудержимо стремился прикоснуться кистью к живому теплу бурлящей вокруг жизни. Процесс внутреннего противоборства завершится к началу 1830-х годов: после 1829 он в сущности перестанет обращаться к мифологическим сюжетам, свое истинное призвание он найдет в живописи портретной и жанровой, в темах, почерпнутых из реальной истории. Классицистические приемы постепенно вытесняются новыми - романтическими, а позднее, в лучших портретах, и реалистическими. За годы пребывания в Италии Брюллов в разных техниках - масле, акварели, сепии, рисунке - создал около ста двадцати портретов. К тому же он делает несколько весьма интересных автопортретов, в том числе по заказу галереи Уффици. Высшими достижениями Брюллова в области интимного, камерного портрета по праву можно назвать портрет князя Г.И. Гагарина, его сына Г.Г. Гагарина, портреты А.Н. Львова, брата Александра. К вершинам этой разновидности портретного жанра должно отнести и цикл автопортретов художника. За проведенные в Италии годы Брюллов создал их несколько. Еще одно присущее произведениям Брюллова важное завоевание романтизма - обращение к жизни детской и юношеской души. \"Всадница\". Эта блестящая картина Брюллова сразу поставила его в ряд с крупнейшими живописцами Европы. Виртуозно написанная, она вызвала сенсацию в Риме. Похвалы итальянской критики не были преувеличенными. Эта картина действительно является выдающимся произведением не только европейского, но и мирового искусства. Молодой художник верен своей мечте, он продолжает упорно работать, изучать мастеров Ренессанса, чтобы создать произведение монументальное, способное прославить русскую школу живописи. \"Утро\" принесло ему широкую известность. Картина покорила всех - итальянскую, а затем и русскую публику, членов Общества поощрения художников и, наконец, Александра I, которому картина была Обществом преподнесена в дар. После картины \"Утро\" Брюллов стремится дальше развить образное сопоставление бытия природы и человека. Картина \"Полдень\" стала итогом многолетних исканий художника. Зрелая красота героини под стать налитой солнцем и соками земли грозди винограда, которой она любуется. Зенит дня, зенит жизни природы, пора созревания плодов - зенит человеческой жизни. Но смелость и новизна замысла вызвали единодушный отпор. Однако в картине отразилось то новое отношение к жизни, новое понимание задач искусства, которые вынес художник за пять лет самостоятельной работы. Нелестный прием картины и необходимость оправдываться заставили художника принять решение, которое привело к крутому повороту в его судьбе. 28 мая 1829 года Брюллов отсылает в Петербург письмо, в котором вежливо отказывается от дальнейшего пенсиона Общества. И все же главная причина, заставившая его порвать с постоянными покровителями, скорее всего крылась в том, что вот уже два года, с лета 1827, когда он впервые посетил раскопки Помпеи, в нем зреет грандиозный замысел монументальной исторической картины. Но прошло три года со времени первого эскиза, пока молодой живописец наконец окончил вчерне прорисовку холста. Всего же от первой мысли о будущей картине до ее завершения пройдет долгих шесть лет. Триумфально было рождение славы Брюллова. Десятки тысяч римлян и жителей других городов Италии приходили в мастерскую полюбоваться шедевром. Полотно привезли в Милан. И снова, как и в Риме, в зале Брерского дворца с утра до вечера теснились толпы любителей живописи. В это время Брюллов получает предложение В.П. Давыдова принять участие в научно-познавательной экспедиции в Малую Азию и на Ионические острова. Во время этого путешествия в 1835 году Брюллов создает серию образов греческих повстанцев. Из-за болезни Брюллов был вынужден отстать от экспедиции. Глубокой осенью 1835 года он направляется в Россию и 25 декабря впервые в жизни оказывается в Москве. Можно себе представить, как ожидали в России \"Последний день Помпеи\", которая неторопливо шествовала по Европе и, побывав в Париже, наконец, достигла родины. Ликованию соотечественников не было предела. \"Гениальным художником\" и \"первым живописцем Европы\" называл его Белинский. Картине Брюллова было суждено произвести переворот в русской художественной жизни. Впервые в академические залы потянулся новый зритель - ремесленники, купцы, мастеровые. Для мыслящей Москвы приезд Брюллова был великим событием. В нем видели художника, который своим творчеством может мощно поддержать прогрессивный лагерь, в его живописи видели начало расцвета нравственных сил нации. Многие встречи имели сильное воздействие на дальнейшее развитие мировоззрения Брюллова. Две из них оказались особенно важны: с Пушкиным и с прославленным московским портретистом, самым значительным в те годы в Москве живописцем В.А. Тропининым. Вскоре по возвращении в Петербург, Брюллов приступает к исполнению обязанностей профессора исторического класса в Академии. Императорская Академия художеств, предложив Брюллову руководство историческим классом, возвела его в звание младшего (2-й степени) профессора. Для получения звания старшего профессора ему надлежало написать большую картину на тему, утвержденную Академией. С 1836 года Брюллов начинает работу над огромным полотном по заказу Николая I - \"Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием в 1581 году\", которая никак не укладывалась в заданные историей Карамзина рамки. Фальшивый посыл сложнейшей композиции, нажим, опека - все это было ненавистно живописцу. В 1843 году он повернет недописанный холст к стене и более к нему не прикоснется. Около 1839 года Карл Павлович берется за создание нового портрета Юлии Самойловой. Самойлова приезжает по делам наследства в Петербург в самый тяжелый период, когда после бракоразводного процесса, оклеветанный в глазах общества, Брюллов чувствует себя потерянным и бесконечно одиноким. Самойлова окружает его нежной заботой. Он словно бы вновь обретает, воскрешает в душе прежний свой идеал, вновь верит, что жизнь не соткана только из измен, обмана, предательства и клеветы, что все его портреты, воспевавшие прекрасную женщину, прекрасного человека, не ложь и не пустая фраза. Портрет имеет второе название - \"Маскарад\". Содержание этого портрета - торжествующее явление красоты и духовной силы независимой, яркой, свободной личности. Вскоре Самойлова покидает Россию. Брюллову больше не суждено увидеться с нею. После болезни, для поправки здоровья Брюллов 27 апреля 1849 года отправляется за границу. Он уезжает, надеясь на возвращение, не зная, что три года спустя смерть настигнет его на чужбине. Как и когда-то в молодости, Брюллов едет в целебные южные края долгим окольным путем: через Бельгию, Англию. Всюду его встречают как европейскую знаменитость, местные художники, узнав о его прибытии, идут к нему на поклон. Из Англии пароходом Брюллов направляется в Лиссабон, а оттуда - на остров Мадейру, воздух которой считался целительным для страдающих болезнью сердца. В главном городе острова, Фунхале, художник проведет целый год. Он немало работает. 23 мая 1850 года Брюллов отправился в Испанию. Он побывал в Барселоне, Мадриде, Кадиксе, Севилье. Во время путешествия почти совсем не рисовал. Только смотрел. Смотрел жадно, как в молодости. Наблюдал повседневную жизнь Испании, не похожую на быт ни одной из европейских стран. А главное, вбирал в себя впечатления от искусства Испании. Часами стоял у работ своего любимого Веласкеса. И, судя по некоторым произведениям, созданным по приезде в Рим, был немало захвачен творчеством мастера, которого до тех пор знал очень мало, - Ф.Гойи. Два последних года жизни, проведенных в Италии, оказались необычайно плодотворными в творчестве Брюллова. Он переживает период новых творческих исканий. Еще одно проявление новых тенденций в творчестве Брюллова тех лет - обращение к драматической ситуации, взятой из повседневной жизни. Последние работы Карла Павловича Брюллова - портреты, композиции на политические и драматические современные темы, пронзительно правдивые сепии цикла \"Лаццарони на берегу моря\", а также произошедшие изменения в самой манере живописи с полной очевидностью свидетельствуют о том, что художник вступил в новую фазу творчества, что он поднялся на новую ступень познания и мастерства. На этой ступени он и простился с нами 23 июня 1852 года.
Статья с сайта http://www.centre.smr
Вставить (заменить) фото переписать текст

Одилон Редон
Odilon Redon
		Франция 1840–1916 символизм
Родился в Бордо 22 апреля 1840 в семье предпринимателя. С 1855 учился в мастерской местного художника-романтика С.Горина; в 1863 познакомился с Р.Бреденом, гравером-«протосимволистом», испытав глубокое воздействие его творчества. В 1864 занимался в Школе изящных искусств в Париже у Ж.Л.Жерома. Литографии учился у А.Фантен-Латура. Жил преимущественно в Париже. К числу его друзей принадлежал С.Малларме. По примеру Бредена сперва занимался в основном графикой (рисунки углем, а с 1870 – литографии). Его черно-белые листы, «черноты» (les noirs), как он их называл, выходили в свет в виде небольших серий. Идеалом мастера было нарочито-смутная и трепетная визуальная лирика, с образами-галлюцинациями, всплывающими из мглы подсознания. Эти загадочные мотивы, вроде глаза в виде воздушного шара (из цикла Эдгару По), часто сопровождаются подписями в виде целых литературных фрагментов (в данном случае – «Глаз, как странный шар, направляется в бесконечность»). В композициях доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его христианских и буддийских сюжетах). Параллельно Редон (особенно активно – с 1890-х годов) обращался и к цвету, к пастели и масляным краскам. Часто выступал в газетах и журналах в качестве критика, упрекая как поздних романтиков, так и импрессионистов за то, что они изображают «лишь то, что происходит вне нас самих»; однако полагал при этом, что внутренние фантазии, близкие музыке и поэзии, могут быть убедительны лишь тогда, когда следуют «законам жизни». Наиболее полно принципы его «реально-ирреальной» эстетики выражены в дневниковых записях (с 1867). Умер Редон в Париже 6 июля 1916. Посмертно, в 1922, был издан его дневник \"Самому себе\".
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хендрик Гольциус
Hendrick Goltzius
		Голландия 1558 — 1617 Маньеризм
Родился в 1558 г. в нижнерейнском городе Мюлбрехте , в настоящее время – Брахт-ам-Нидеррейн. В возрасте одного года упал в огонь, что привело к частичной утрате способности владения правой рукой. Несколько лет обучался у своего отца живописи по стеклу, а затем - гравировке у Дирка Корнхерта. В 1577 г. переехал в Харлем и организовал собственную гравировальную мастерскую. Испытал влияние рисунков Бартоломеуса Спрангера. Во второй половине 1580-х - 1590-х гг. создал виртуозные резцовые гравюры на меди и получил европейскую известность как выдающийся гравер. В гравюре на дереве первый начал использовать цвет для своих пейзажей, в фигурных композициях - эффекты сильной светотени. Никогда не показывал незаконченных гравюр, опасаясь раскрытия своих секретов. Вместе с Карелом ван Мандером и Корнелисом ван Харлемом основал Харлемскую академию (1584 г.), где систематически изучали анатомию человека и рисовали обнажённые модели. В 1590-1591 гг. совершил путешествие в Германию и Италию, где на него произвели большое впечатление произведения Микеланджело. Около 1600 г. из-за частичного паралича правой руки отказался от гравирования и обратился к живописи. Широко распространено мнение, что как живописцу ему не удалось достичь тех вершин, которых он достиг, как гравёр. Среди его картин – «Венера и Адонис» (1614 г., Старая пинакотека, Мюнхен), «Геркулес и Какус» (1613 г.), «Меркурий» (1611 г., обе – музей Франса Хальса, Харлем). Умер 1 января 1617 г. Харлеме.
Статья с сайта http://www.allartclassic.com/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Томас Виллебортс
Thomas Willeborts
		Голландия, Фландрия 1613/14-1654 Барокко
Томас Виллебортс, прозванный Босхарт (Bosschaert), родился в Берген–оп-Зоом, куда в конце 16 века переселилась его католическая семья. В 1628 г. переселился в Антверпен, где в течение восьми лет обучался в студии Герарда Зегерса. В 1636 или1637 г. становится гражданином Антверпена и членом гильдии Святого Луки. На его стиль оказал влияние Антонис Ван Дейк. Руководил собственной судией, в которой было, по крайней мере, 9 учеников. По практике того времени совместно работал с Даниэлем Зегерсом, Паулем де Восом, Яном Ван ден Хёке, Франсом Снайдерсом, Адрианом Ван Утрехтом, а так же с Питером Паулем Рубенсом. Умер 23 января 1654 г. в Антверпене.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Thomas_Willeboirts_Bosschaert
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жан Антуан Ватто
Jean Antoine Watteau
		Франция 1684-1721 Рококо
Ватто был одним из самых известных и оригинальных французских художников 18 в., который на основе традиций фламандского и голландского искусства создал новый стиль – рококо. Жан Антуан Ватто родился 10 октября 1684 года в маленьком северофранцузском городке Валансьенне. Его отец Жан Филипп Ватто был кровельщиком и плотником. Первые уроки живописного ремесла мальчик получил от местного престарелого живописца Жерэна. Однако учеба длилась недолго: отец не захотел платить шесть турских ливров в год за учебу. Около 1700 года Антуан ушел из родного города в Париж, сопровождая театрального художника Метейе. Он нанимается в живописную мастерскую на мосту Нотр-Дам, владелец которой организовал массовое изготовление и выгодный сбыт дешевых религиозных картинок. За тупую и изнурительную работу Ватто получал ничтожную плату и «тарелку супу ежедневно». Антуану повезло встретиться с Жаном Мариэттом, торговцем картин и знатоком живописи. В доме Мариэттов он встретил своего первого настоящего учителя – Клода Жилло. У него молодой художник научился любить театр, которому впоследствии посвятил большую часть своего творчества. Сблизившись в 1708 г. с хранителем Люксембургского дворца К. Одраном, Ватто получил возможность изучать творения великих мастеров, которыми изобиловала дворцовая коллекция живописи. В частности, Ватто познакомился с серией полотен Рубенса, посвященных истории Марии Медичи, произведениями фламандских и голландских мастеров, оказавших сильное воздействие на технику и колорит его работ. Первая самостоятельная картина Ватто написана по мольеровским мотивам – это «Сатира на врачей». Мечтая попасть в Рим, Ватто поступает в Академию художеств. Но на конкурсе в Академии он получает лишь вторую премию, и в 1709 году возвращается в Валансьен. В Валансьенне (1710) он пробует себя в батальном жанре, но вскоре Ватто оставил этот жанр молодому А. Патеру, работавшему вместе с ним; однако позднее художник вновь обратится к батальным сюжетам. Военные сцены выдвинули Ватто в число художников, пользующихся успехом. Он возвращается в Париж уже известным художником. По возращении в Париж Ватто поселяется у тестя Жерсена Сируа портрет которого он впоследствии напишет (\"В наряде Мецетена\" ок. 1717), через него он познакомился с Пьером Кроза, королевским казначеем, миллионером и тонким знатоком искусства. Вероятно, в 1714 году Ватто принял предложение Кроза поселиться в его новом особняке. Там художник мог наслаждаться созерцанием великолепной коллекции картин, скульптур, рисунков, резных камней, там мог работать, не думая о хлебе насущном. Ватто пишет маскарады в духе Жило, а сблизившись с Ла Роком и Лесажем он расширяет свои познания в области театрального искусства. Художник сам создает мизансцены, декорации заменяет пейзажным фоном. Иногда это одинокая фигура музыканта, певца или танцора на фоне пейзажа: «Финетта», «Безразличный» (обе – 1716–1717), иногда – несколько артистов или друзей художника в театральных костюмах: «В одежде Мецетена» (1710-е годы), «Актеры итальянской комедии» (около 1712). В 1717 году Ватто году пишет одну из лучших своих картин – «Паломничество на остров Киферу». За нее в том же году художник получил от Королевской академии специально для него придуманное звание «художника галантных празднеств». К 1718 году относится великолепная картина Ватто – «Капризница», чрезвычайно показательная для мастера утонченной эмоциональностью образа, точным и изысканным рисунком, гармонией колорита. В конце 1719 года Ватто едет в Англию. Здесь он вновь пишет театр – картину «Итальянские актеры», одну из последних своих театральных композиций. Актеры стоят перед зрителями, будто прощаясь с ними, словно отдавая последний поклон после последнего акта живописной пьесы художника. «Итальянские актеры» были куплены у Ватто лечившим его доктором Мидом, художник сгорал от чахотки. Лечение не помогло. Ватто вернулся в Париж летом 1720 года безнадежно больным. Зная, что скоро умрет, он словно собрал в последнем напряжении все свои душевные силы. В последний год жизни он создал свои самые значительные картины: «Жилля», «Портрет скульптора Патера», «Вывеску Жерсена» и свои самые лучшие рисунки. Одиночество, печаль, неудовлетворенность с особенной силой воплощены художником в образе «Жилля» (около 1720). Напряженно-неподвижная поза, безвольно опущенные руки, бледное лицо, грустный взгляд убедительно раскрывают состояние его души, в которой живут одиночество, печаль, неудовлетворенность. Блестящий финал творчества Ватто – «Вывеска Жерсена». Ее счастливый владелец удостоверил, что «написана она была за неделю, да и то художник работал только по утрам; хрупкое здоровье, или, лучше сказать, слабость не позволяла ему работать дольше». За семь коротких сеансов художник создал настоящий шедевр! Впервые в живописи Ватто мир искусства отделился от мира реального, и реальные люди из плоти и крови впервые показаны в прямом взаимодействии с выдуманным, живописным миром. Близкие друзья пытались помочь безнадежно больному художнику, устроив его в прекрасном доме в окрестностях Парижа. Там он и умер 18 июля 1721 года. «Он кончил свою жизнь с кистью в руках», – написал о нем один из друзей.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Чарльз Томас Бейл
Charles Thomas Bale
		Великобритания ? - ? Натюрморт
Работал во второй половине XIX века в Лондоне в жанре натюрморта. О жизни художника известно только то, что в 1872 г. он жил в Лондоне на Поланд-стрит, 9. Свои произведения выставлял в период с 1866 по 1890 гг. Нет официальных записей о его смерти. Рисовал в основном фрукты, хотя часто включал в свои композиции керамическую и стеклянную посуду, а так же дичь. Мастер изображения различных текстур, богатого «осеннего» колорита.
Статья с сайта http://www.burlington.co.uk/picture/cm/content/5614
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хуан де Эспиноза
Juan de Espinosa
		Испания ? -? Барокко
Согласно Web Gallery of Art в первой половине XVII века в Испании работали два художника с таким именем, причём оба – в жанре натюрморта. Один из них, Хуан Батиста де Эспиноза (Juan Bautista de Espinosa), родился в 1590 г. и умер в 1641 г. в Мадриде. Работал в Толедо и Мадриде в период с 1612 по 1626 гг. Судя по его стилю, обучался в Голландии. Ему так же приписывают несколько фресок в испанских церквях. Другой Хуан де Эспиноза, принадлежащий к поколению Антонио Понсе (1608-1662 гг.), пользовался репутацией специалиста по натюрмортам с виноградом. Он работал в Мадриде в период с 1628 по 1659 гг. Его кисти принадлежит «Натюрморт с виноградом» из Лувра, датируемый 16401660 гг. Artcyclopedia не делает различий между этими художниками.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Juan_Bautista_de_Espinosa
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джорджо Вазари
Giorgio Vasari
		Италия 1511-1574 маньеризм
Джорджо Вазари, итальянский живописец, архитектор и писатель эпохи маньеризма, родился 30 июля 1511 в Ареццо. Известен как автор биографий итальянских художников. Самой большой заслугой Вазари считается его монументальный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», который был окончен в 1550 г. Вторым дополненным изданием с приложением портретов знаменитых художников книга вышла в 1568 г. Без ценных сведений, содержащихся в «Жизнеописании…» в истории итальянского искусства был бы большой пробел. Вазари в своей книге подробно повествует о собственном творчеством и не стесняется отдавать должное своему таланту живописца и архитектора. Более поздние издания, снабженные комментариями разных авторов, неоднократно выходили за прошедшие десятилетия. Первым учителем Вазари был французский художник Гильом де Марсилья, расписывавший витражи церкви в Ареццо, когда Вазари не было ещё и двенадцати лет. Вскоре после этого он был замечен кардиналом Кортоне и был отправлен во Флоренцию. Там он учился под руководством Андреа дель Сарто и знаменитого Микеланджело. Молодому Вазари покровительствов 72;ли Александр и Ипполит Медичи, которые вскоре были вынуждены покинуть Флоренцию. Вазари вернулся в Ареццо, где получил несколько заказов и даже писал фрески. Известный в то время скульптор, живописец и архитектор Россо, находясь в Ареццо, дал несколько советов молодому Вазари. В благодарность Вазари впоследствии подробно описал жизнь и труды своего наставника в своём сочинении. Вазари выполнил картину по рисункам Россо. Вазари в эти годы нуждался в деньгах. Его отец умер, и он заботился о своих трёх сестрах и двух братьях. Некоторое время Вазари обучался золотому и серебряному ремеслу, которое в то время считалось искусством. Флоренция, где он уже несколько месяцев занимался этим делом, подверглась осаде в 1529 г., что заставило Вазари переехать в Пизу, и там он снова предался живописи; в это время ему было только 17 лет. Тогда начался ряд его путешествий по Италии и поисков за работой; при этом он счастливо встретился с одним из первых своих покровителей, Ипполитом Медичи, который взял его с собой в Рим, где Вазари стал неутомимо и настойчиво трудиться. Когда Карл V (1531) восстановил власть Медичи во Флоренции, Вазари вернулся туда к герцогу Александру, большому почитателю живописи. Во дворце герцога Вазари написал несколько картин и портрет Александра, а также преподавал архитектуру и декор. В 1537 г. Александр Медичи был злодейски убит, и Вазари снова остался без покровителя. Несмотря на свой юный возраст,Вазари уже приобрел большую известность и стал получать различные приглашения. После многих поездок он в 1540 г. работал в Болонье над картиной «Трапеза св. Григория». По сюжету и по исполнению она считается одной из лучших. Успех Вазари в архитектуре был переменчив. Вазари был талантлив в декоре, но мирился с неудачами в монументальной архитектуре. Он неудачно перестроил несколько зданий, не сумев сохранить единство архитектурного образа. Построенные Вазари новые здания отличаются своеобразной красотой и оригинальностью. Здание для папы Юлия III в Риме и здание Уффици во Флоренции, начатое Вазари, свидетельствуют в пользу его архитектурного таланта. Ему же принадлежит комплекс зданий, составляющих Дворец рыцарей св. Стефана в Пизе и многое другое. Вазари умер во Флоренции 27 июня 1574 года.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Константин Маковский
		Россия 1839-1915 Академический романтизм
Родился в Москве 20 июня (2 июля) 1839 в семье Е.И.Маковского, бухгалтера и художника-любителя, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Брат художника В.Е.Маковского. Учился в МУЖВЗ (1851-1858), где главным его наставником был С.К.Зарянко, а также в Академии художеств (1858-1863). Участник \"бунта четырнадцати\", был одним из членов-учредителей \"Товарищества передвижников\" (1870), однако с 1883 выставлял свои вещи самостоятельно, занимая независимую позицию по отношению и к \"передвижникам\", и к Академии. В 1876 посетил Ближний Восток, в том числе Египет, а также Болгарию и Сербию. Жил и работал в Петербурге, Москве и Париже. Получил академическую золотую медаль за мелодраматическую картину \"Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова\" (1862), решенную всецело в русле романтического историзма. Написал немало сентиментальных типажей и сценок из \"народного быта\", в том числе популярных \"Детей, бегущих от грозы\" (1872) и трогательный образ старого слуги \"Алексеича\" (1882). Проявил себя как крупный мастер портрета (\"Оперный певец О.А.Петров\", 1870). Однако подлинный авторитет завоевал полотном \"Балаганы на Адмиралтейской площади\" (1869), где придал жанровой сцене невиданный монументальный размах, представив в этом масленичном гулянье образ \"всего Петербурга\", как заметил В.В.Стасов, оценивший картину весьма высоко. Здесь проявился его главный дар: талант художника-режиссера, умеющего к тому же придавать своим вещам особый колористический лоск. Этот лоск вкупе с усиливающейся любовью к экзотическим и средневековым, далеким от \"злобы дня\" темам надолго закрепили за Константином Маковским репутацию \"салонного художника\", наглядным укором которому как бы служил его более политически ангажированный младший брат. Однако на деле искусство мастера было (подобно искусству \"салонного\" Г.Семирадского) в высшей степени стилистически перспективно, открывая прямую дорогу к символизму и модерну с их упоением ослепительной, сверхреальной красотой. Развитию же \"режиссерского\" дара способствовала любовь мастера к домашним оперным спектаклям, в которых он сам выступал как незаурядный певец. Сказочная живописность Востока воплотилась в масштабном полотне \"Возвращение священного ковра из Мекки в Каир\" (1876). В 1880-1890-е годы Маковский часто обращался к русской истории 17 в., написав целый ряд пышных \"боярских пиров\" и \"свадеб\", которые имели шумный успех за рубежом (\"Поцелуйный обряд\", 1895). Особым размахом, массой ярких деталей отличается огромное полотно \"Минин на Нижегородской площади\" (1896), написанное для Нижегородской ярмарки и помещенное в специальном павильоне. В поздний период пожинал плоды успеха, коммерчески варьируя удавшиеся мотивы. Маковский стал жертвой уличной аварии (его пролетка была сбита трамваем) и умер в Петербурге 17 (30) сентября 1915.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джеймс Тиссо
James Tissot
		Франция, Англия 1836 – 1902
Родился в Нанте. Учился в парижской Школе Изящных искусств. В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris. Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины. Где-то в 1870-гг. Тиссо встретил разведенную с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом, и жила с ним до своей смерти в 1882 г. в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулеза. Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семиста акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет. В 1896 г. серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой Лемерсье, заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.
Статья с сайта http://ru.wikipedia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Ян Вермеер Дельфтский
Jan Vermeer van Delft
		Нидерланды 1632-1675
О Вермеере (Ян ван дер Меер ван Делфт)сохранилось лишь несколько скудных архивных записей. Однако, используя архивные документы, исследователям удалось восстановить довольно полную картину жизни художника. Отец Вермеера, Янсон Рейнер, происходил из семьи портного. Родился он в 1591 году в Антверпене. В 20-и летнем возрасте Рейнер перебрался в Амстердам, где через 4 года он женился на Дигне Балтнес (1595-1670). Отец Дигны, часовой мастер Балтазар Клас Герритс, оказался замешанным в сомнительных операциях и вынужден был скрыться в Гааге, а затем в Горнихеме. Его дочь с мужем переселились в Дельфт, где в 1620 году у них родилась дочь Гертрув. В 1625-29 годах семья сняла в аренду гостиницу «Летающая лиса» и Янсон Рейнер изменил свое имя на соответствующее: Рейнер ван Вос (лиса), вступив в октябре 1621 года в гильдию Св, Луки, объединяющую художников. Дата рождения художника неизвестна. Сохранилась лишь запись о его крещении 31 октября 1632 года. В 1641 году отец семилетнего Вермеера приобретает гостиницу «Мехлен», которая представляла собой роскошно обставленный постоялый двор. Дома будущего художника окружали картины и ткани, которыми торговал его отец. Изображения драпировок, орнаменты ковров на полотнах Вермеера также, вероятно, навеяны детскими воспоминаниями. Клиентами Рейнера значились Балтасар ван дер Аст, Питер Стенвик и Питер Тренвеген. Благодаря им молодой Вермеер получил свои первые художественные впечатления. В 1647 году 15-летний Ян начинает обучение живописи. Нет достоверных данных о там, где и у кого он учился, однако, в его работах чувствуется влияние мастеров утрехтской школы (Хонтхорст, Тербрюгген, Пеленбург) и Карела Фабрициуса. Возможно, он учился не у дельфтского художника, а уезжал и Амстердам или Утрехт. Есть предположение, что Ян брал уроки у Леонарта Бреймера (1594-1674), с которым семья Вермеера поддерживала близкие отношения. В 1653 году Ян Вермеер женится на Катарине Болнес, дочери Вильяма Болнеса, преуспевающего владельца кирпичной фабрики в Гауде. Катарина происходила из хорошо известной и обеспеченной семьи. Ее мать, Мария Тинс, вначале противилась этому браку из-за различия в религиозных убеждениях: Вермееры были кальвинистами, а Катарина выросла в католической вере. Тем не менее молодые поженились. Первые годы Ян и Катарина жили в «Мехелене», но в 1660 году семья переехала в более просторный дом. Брак художника, по крайней мере до возникновения серьезных финансовых проблем в последние годы его жизни, можно считать счастливым. Катарина родила 15 детей, четверо из которых умерли в младенчестве. Отношения Марии Тинс с зятем постепенно улучшились. Получив наследство своей сестры в 1661 году, она стала владелицей земельных наделов, среди которых значились усадьбы близ Схонховена, сдаваемые в аренду. Во владении Марии Тинс имелась и небольшая коллекция картин, поступившая в полное распоряжение зятя. Вермеер использовал их как «ключи для понимания» для своих собственных творений. Среди них «Распятие» - его можно увидеть на задней стене «Аллегории веры», или «Сводня» Дирка ван Бабюрена. В качестве реквизита для своих произведений он также использовал костюмы жены, например, желтую, отделанную горностаем сатиновую кофту, и, главным образом, предметы домашнего обихода, служившими ему аксессуарами. Так как историческая живопись занимала самое высокое положение в табели о рангах, первые известные произведения Вермеера отличаются от более поздних жанровых картин. Он копирует «Св. Праксиду» Феличе Фичерелли, пишет большие полотна «Христос в доме Марии и Марфы», «Диана со спутницами». Но вскоре живопись Вермеера делает быстрый и решительный поворот, он обратился к изображению сцен из повседневной жизни, жанру, в котором уже успешно работали такие художники как Жералд Терборх, Николас Мас и Питер де Хох. Время исключительно благоприятствовало развитию именно жанровой живописи. После окончания испанского владычества экономика Нидерландов бурно развивалась, ремесленники и мелкая аристократия стремительно богатели, возник спрос на картины как часть интерьера, и наиболее востребованы стали именно картины с изображением жанровых сцен. Вермеера художественный бум коснулся скорее как арт-дилера. Он мало писал для художественного рынка: большей частью он создавал свои произведения для покровителей и меценатов, особо ценивших его искусство. Среди них – Хендрик ван Бейтен, булочник, владелец типографии Якоб Диссий и Питер ван Рьювен, который приобрел половину всех работ художника. Как ни странно, наличие покровителей сыграло не совсем положительную роль. Его картины ценились намного больше, чем произведения современников, но известность не выходила за пределы Дельфт. Финансовая независимость позволяла Вермееру следовать своему призванию и выбирать темы картин, следуя скорее своему желанию, чем требованиям рынка. Он пишет пейзажи, «Улочка» и «Вид Дельфта», знаменитую «Молочницу», но основным сюжетом становится изображение женщины в интерьере. И если 25-летнего художника привлекают сцены банального соблазнения женщины вином, то, став старше, Вермеер обращается к более утонченным любовным переживаниям, воплощенным в письмах и занятии музыкой. Также его интересует тема женского тщеславия и выбора между Пороком и Добродетелью. Две работы этого периода можно считать портретами, но обычно это - жанровые сцены, причем в отличие от работ современников, довольно лаконичные, в которых нет лишних деталей и стремления украсить картину, каждый изображенный предмет имеет значение. Он экспериментирует с камерой обскура, которая позволяет добиться эффекта естественного освещения. Живописная техника Вермеера уникальна даже для его времени, когда мастерство держания кисти голландскими умельцами было доведено до совершенства. Композиция вермееровских полотен, его владение ненавязчивым колоритом, тончайшее портретирование, а главное – знаменитый вермееровский невесомый воздух, физическое чувство открывающегося перед зрителем пространства полотна – аналогов не имеют. В это время написаны картины «Мастерская художника (Аллегория живописи)» и «Аллегория веры», парные «Географ» и «Астроном». Нет данных о контактах Вермеера с другими художниками, но он дважды избирался деканом гильдии Св. Луки и, несомненно, был знаком с работами других художников. Вообще же Вермеер жил довольно замкнуто, посвящая свое время творчеству и растущей семье, неизвестно, чтобы он близко общался с кем-либо за пределами относительно изолированного «квартала папистов». Тем не менее Вермеер пользовался славой знатока искусства и эксперта. В последние годы жизни великого голландца его финансовое положение резко ухудшилось. Франко-голландская война, начавшаяся в 1672 году, стала катастрофой для художника. Художник влез в долги и вынужден был брать ссуды. В последних картинах Вермеера появляется некоторая небрежность, нетвердость кисти. Неизвестна точная причина его смерти, но 15 декабря 1675 года Вермеера похоронили в семейном склепе в Старой Церкви. Вермеер оставил после себя 11 детей, 8 из которых еще жили в родительском доме. Катарина не сумела рассчитаться с долгами. Она была вынуждена передать управление попечителю, назначенному судом, Антони ван Левенгуку (1632-1723), будущему великому ученому, который, по-видимому, являлся другом Вермеера (предположительно, он изображен на картинах «Географ» и «Астроном»). Картины были проданы в погашение долгов. Хотя репутация Вермеера оставалась прочной среди коллекционеров и картины его ценились очень высоко, о семье Вермеера забыли сразу после его смерти. Жена была вынуждена переехать к дочери, где она и умерла в 1687 году. Вермеера забыли практически сразу же после смерти, причем так, что даже его подпись на картинах переделывали на имена других, более покупаемых авторов. Благодаря такой манипуляции наша страна лишилась единственной картины Вермеера, которая пробыла в России недолгое время*. Вермеер был заново открыт в 1866 году французским критиком Теофолем Торе. Но после того как Торе открыл глаза на его талант, Вермеера признали \"Художником художников\" — самым гениальным творцом всех времен и народов. И именно с его работами связана самая грандиозная афера в живописи, осуществленная Ханом ван Меегереном**. *http://www.rgz.ru **http://www.vermeer.org.ru
Статья с сайта http://irinaepifan.narod.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Анри Руссо
Henri Rousseau
		Франция 1844-1910 Примитивизм
Полное имя – Анри Жюльен Феликс Руссо (Henri Julien Felix Rousseau)Французский художник, прозванный Таможенником (Le Douanier). Анри Руссо родился в маленьком городке на северо-западе Франции. Его отец, Жюльен, держал жестяную мастерскую, а мать была внучкой офицера наполеоновской армии. В школе Анри учился из рук вон плохо. Интерес он проявлял исключительно к поэзии и музыке. В конце концов, юноша завалил выпускные экзамены. После этого, получив отсрочку от прохождения военной службы, он устроился на низкооплачиваемую должность клерка в юридической конторе. Клерком Руссо работал недолго; вскоре его выгнали на улицу, уличив в воровстве марок и мелочи из кассы (сумма, надо сказать, была мизерной). Дело передали в суд, а Анри записался добровольцем в армию, надеясь на то, что его военная форма сделает судей более снисходительными. Он ошибся. Перед тем, как явиться в часть, Руссо пришлось отсидеть месяц в тюрьме. Впоследствии художник любил рассказывать фантастические истории, связанные со службой в армии. Говорил, что его вместе с несколькими товарищами посылали в Мексику, а во время франко-прусской войны наградили за отвагу, проявленную при защите Дрё. Между тем, в Мексике он точно не бывал. Все проведенные в армии годы (1864-68) Руссо прослужил кларнетистом духового оркестра 52-го пехотного полка. После демобилизации он вновь стал клерком - на этот раз в конторе судебного исполнителя. В 1869 году Руссо женился на Клеманс Буатар, дочери торговца мебелью. Супруги были нежно привязаны друг к другу, но им так и не удалось создать большую крепкую семью. Саму Клеманс свела в могилу чахотка. Из семерых родившихся у них детей пятеро умерли в младенчестве, а шестой - в возрасте 18 лет. До зрелых лет дожила лишь одна дочь. В 1871 году Руссо, благодаря протекции кузена жены, удалось поступить на службу в налоговое управление Парижа. Именно поэтому его и принято называть \"Таможенником\". Руссо собирал пошлину и выдавал квитанции крестьянам, привозившим на парижские рынки соль, молоко, вино и другие товары. Большую часть времени он проводил на таможенных пунктах - в городских воротах, на берегу Сены или в лесистых пригородах Парижа. Все эти места он впоследствии изобразил на своих картинах. Работа оставляла много свободного времени. Чтобы заполнить его, Руссо начал рисовать - для собственного удовольствия. В сущности, он был самоучкой, хотя и почерпнул кое-какие начальные сведения об искусстве живописи у профессиональных художников. Среди них нужно отметить Феликса Клемана, одно время жившего по соседству с Руссо, и Жана Леона Жерома, любившего разрабатывать экзотические темы. С помощью новых друзей неизвестному таможеннику удалось обзавестись карточкой копииста, дававшей право посещать галереи Лувра, Люксембургского дворца и Версаля. Кроме того, Руссо получил от них ряд практических советов относительно Салона и решил, что настала пора показать свои работы широкой публике. Здесь мы опять вступаем в область догадок. Если верить Руссо, две его картины были приняты в Салон 1885 года, но их пришлось срочно снять, потому что в первый же день они оказались изрезаны ненормальным зрителем. Этот рассказ никак не подтверждается официальными документами. Гораздо вероятнее, что впервые Руссо выставил свои работы годом позже, в Салоне независимых. Эти работы хорошо известны - особенно \"Карнавальный вечер\". Художнику повезло, что начало его творческого пути совпало с появлением Салона независимых, где, в отличие от официального Салона с его помешанной на академизме приемной комиссией, любой желающий (за небольшой взнос) мог продемонстрировать свои художнические достижения. Именно Салон независимых открыл публике имена Сера, Гогена и Сезанна, с которыми, прежде всего, ассоциируется постимпрессионизм. На протяжении четверти века (с 1886 по 1910 годы) Руссо лишь два раза пропустил выставки этого Салона. Столь активное участие в серьезной художественной жизни помогло ему очень быстро почувствовать себя настоящим художником. К концу 1880-х годов определяются главнейшие темы живописи Руссо. В немалой степени помогла этому Всемирная выставка, состоявшаяся в Париже в 1889 году. Она познакомила посетителей с удивительными культурами самых экзотических народов. Художник был очарован ими, и эхо этого очарования звучит во многих его произведениях. В 1893 году Руссо вышел на пенсию. Пенсию ему назначили весьма скромную, и время от времени он подрабатывал, развлекая зевак игрой на скрипке. Иногда писал портреты на заказ. Составлял документы для неграмотных. Кроме того, Руссо открыл собственную \"школу\" (именно так он называл частные уроки в своей крохотной мастерской), предлагая всем желающим пройти у него \"курс декламации, музыки и рисования\". Многое значило в судьбе художника его знакомство с поэтом и драматургом Альфредом Жарри, произошедшее около 1893 года. Жарри, увидев и полюбив работы стареющего Руссо, занялся их \"рекламой\". Он же познакомил Руссо с такими писателями-авангардистами, как Стриндберг, Аполлинер и Малларме. Постепенно критики стали относиться к странному художнику более серьезно. \"Руссо черпает вдохновение из собственной фантазии, - писал один из них. - Он обладает крайне редким в наше время качеством - умением никого не повторять\". Почувствовав свою растушую популярность, Руссо принялся устраивать в своей мастерской своеобразные артистические вечера, на которых местные лавочники и его соседи сидели плечом к плечу с художниками, чьи имена сегодня знакомы каждому. На этих вечерах выступал любительский ансамбль (на скрипке в нем играл сам Руссо), читались стихи и показывались другие концертные номера. Многие художники, желавшие сделать Руссо приятное, устраивали в его честь приемы и банкеты. Хватало при этом и розыгрышей талантливого чудака. Самый знаменитый такой банкет был дан в 1908 году в мастерской Пикассо. Бывшего таможенника собравшиеся поэты и художники усадили на самодельный трон, освещенный китайскими фонариками. Сверху висел транспарант: \"Честь и слава Руссо!\" Кончилось все веселой попойкой. Разумеется, в этом представлении тоже был элемент иронической игры. К сожалению, хронически пустого кошелька художника подобные мероприятия заполнить не могли. На закате жизни (в конце 1907 года) Руссо умудрился угодить в еще один судебный процесс. Введенный в заблуждение неким Соваже, он открыл банковский счет на вымышленную фамилию, а затем попытался снять по поддельному удостоверению личности украденные своим подельником и переведенные на этот счет деньги. При этом сам Руссо был уверен в том, что не совершает ничего противозаконного. Никакой выгоды от этой операции он не имел. Адвокат художника, решив убедить суд в наивности своего подзащитного, показал присяжным одну из его картин. После этого Руссо отделался условным наказанием. Трагическим фарсом выглядели и последние его дни. В августе 1910 года он порезал ногу, поленился обработать ранку, и у него началось заражение крови. Приехавший врач поставил лежавшему в бреду художнику ошибочный диагноз (\"белая горячка\") и отправил его в лечебницу для алкоголиков. 4 сентября Руссо скончался от сепсиса. Нищего живописца похоронили на кладбище для бедняков. Лишь год спустя друзья собрали необходимую сумму и установили на могиле надгробие с эпитафией, написанной Аполлинером. В 1911 году Вильгельм Уде выпустил книгу, посвященную творчеству Руссо, и организовал в Париже ретроспективную выставку его работ. А в 1947 году его останки были торжественно перезахоронены на родине художника, в Лавале. Пришла посмертная слава.
Статья с сайта http://www.izoselfportrait.narod.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Клод Лоррен
CLAUDE LORRAIN
		Франция, Италия 1600-1682 Классицизм
Французский живописец, рисовальщик и гравер. Крупнейший пейзажист эпохи классицизма. Крестьянский сын Клод Желле, в юности мечтавший о собственной кондитерской, вырос в знаменитого художника Клода Лоррена, талантом которого восхищались римские папы и кардиналы, аристократы и дипломаты, короли и богатейшие купцы. Уроженец Лотарингии, Лоррен большую часть жизни провел в Риме, вдохновляясь впечатлениями от итальянской природы. Создал вариант классицистического «идеального» пейзажа. В картинах Лоррена библейские, мифологические или пасторальные сюжетные мотивы полностью подчинены изображению прекрасной, величественной природы. Для Лоррена природа была образцом возвышенного, совершенного мироздания, в котором царят покой и ясная соразмерность. Лоррен создал свыше тысячи рисунков. Исполнил сорок пасторальных гравюр. Клод Лоррен родился в 1600 г. в городке Шамань в Лотарингии (отсюда прозвище, Lorrain — лотарингец). Родная деревня художника находилась в Лотарингии, бывшей в то время независимым герцогством. Статус французской территории герцогство получило лишь в 1766 году. Впрочем, между Францией и Лотарингией всегда существовали настолько тесные связи, что Клода Лоррена считали и считают французским художником. Крестьянская семья, в которой Клод появился на свет, была многодетной и довольно зажиточной. О ранних годах художника повествуют две биографии, опубликованные вскоре после его смерти. Одну из них написал друг Лоррена Иоахим фон Зандрарт (1606-1688), немецкий художник и писатель, живший в Риме с 1628 по 1635 год; другую - Филиппе Бальдинуччи (1624-1696), итальянский писатель, художник и коллекционер. В школе будущий живописец учился из рук вон плохо (как утверждают мемуаристы, у него всю жизнь были проблемы с грамотным письмом и счетом), но при этом рос смышленым и бойким мальчишкой. По данным Зандрарта, Клод покинул школу, чтобы освоить ремесло кондитера. Эта профессия традиционно пользовалась почетом в Лотарингии. Будучи еще совсем молодым человеком, Клод получил начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве в Фрибурге, в Брейсгау, затем работал в Неаполе, под руководством живописца Готфрида Валса. Где-то между 1617и 1621 годами юноша отправился в Италию - видимо, составив компанию кому-то из своих знакомых или родственников. В Риме он нанялся слугой к художнику Агостино Тасси. Чуть позже Лоррен стал его учеником и помощником. В 1625 году Лоррен возвратился в Лотарингию. В октябре этого года мы застаем его в качестве помощника Клода де Рюэ, придворного живописца герцога Лотарингского. Он, в частности, ассистировал своему патрону (на долю Лоррена выпало писать фон), когда тот выполнял фрески для кармелитской церкви в Нанси, столице Лотарингии. К сожалению, этот храм разрушили во время общественных нестроений Великой французской революции. В начале 1627 года Лоррен вновь отправился в Рим, с тех пор (и до самой смерти) ставший родным для художника городом. Творчество молодого Лоррена практически в полном объеме утеряно. Самая ранняя из дошедших до нас его картин датируется 1629-м, а самая ранняя из гравюр - 1630 годом. Приблизительно в то же время художник расписал фресками несколько дворцов в Риме (заметим, что его первый учитель, Агостино Тасси, прославился именно фресками). Но и эти фрески не сохранились. К этому жанру живописи, кстати, он больше никогда не возвращался. В 1633 году Лоррена приняли в академию святого Луки - в то время так называлось профессиональное объединение художников. Решающую роль в судьбе молодого живописца сыграл кардинал Гвидо Бентивольо. Бентивольо заказал Лоррену \"два пейзажа, которые восхитили не только его преосвященство, но и самого папу римского Урбана VIII, и с того времени кардиналы, а затем и принцы крови принялись усердно посещать мастерскую художника\". Четыре картины, созданы Лорреном в 1637-38 годах для папы Урбана VIII. Уже в 1630-е годы пейзажи Лоррена привлекли внимание знатоков искусства и богатых заказчиков, среди которых были испанский король, папы, кардиналы, римские вельможи и т.п. Слава Лоррена, как выдающегося мастера пейзажа, неуклонно росла, распространившись по всей Италии. Престижные заказы не заставили себя ждать. Так, Лоррен написал несколько полотен для королевского дворца в Мадриде, построенного королем Филиппом IV в 1630-х годах. Популярность художника имела и свою оборотную сторону - его манеру стали имитировать мечтавшие о богатстве собратья по цеху. В 1634 году француз Себастьен Бурдон даже выдал одну из своих картин за лорреновскую. Столкнувшись с подобными проблемами, художник приступил к созданию копий своих работ, сопровождаемых подробными описаниями и сведениями о покупателях. Эти листы сложились в своеобразную книгу, названную автором \"Liber Veritatis\", то есть \"Книгой истины\". Благодаря этому произведению, хранящемуся сейчас в Британском музее в Лондоне, мы имеем возможность составить полное представление о творческом наследии Лоррена. Книга сообщает нам и имена заказчиков художника и его покровителей. В этом ряду - три человека, в разное время занимавшие папский престол, несколько кардиналов, представители известных аристократических фамилий, военный инженер, генерал и видный хирург. География заказов тоже весьма обширна - это (помимо разных уголков Италии) французские города, Амстердам, Антверпен и т. д. Отметим среди итальянских заказчиков Лоррена известного сицилийского собирателя произведений искусства Антонио Руффо, для которого работал и Рембрандт. В 1665 году римский агент Руффо писал своему хозяину: \"Нет никакой надежды приобрести работы Лоррена, поскольку все они расписаны на много лет вперед\", - что говорит о великой популярности художника в кругу тогдашних ценителей прекрасного. Постоянный спрос, к слову, позволил Лоррену поднять цену на свои картины, что, разумеется, привело и к повышению \"качества\" его жизни. Лоррен получает признание и живёт в достатке. Он снимает большой, трёхэтажный дом в центре столицы, неподалёку от площади Испании (с 1650); он — член Академии св. Луки (т. е. — Художественной Академии) с 1634. Позже, в 1650 ему предлагают стать ректором этой Академии, от такой чести Лоррен отказывается, предпочитая спокойную работу. Слава не испортила мастера. Он жил тихо и скромно. Современники писали о нем как о \"добром и набожном\" человеке, не знавшем иных наслаждений, кроме живописи\". Лоррен поддерживал дружеские отношения с другими художниками, особенно сблизившись с Никола Пуссеном, соседом, которого он посещает часто в 1660-х, чтобы выпить с ним по стаканчику хорошего красного вина. За 55 лет своего римского бытия он лишь однажды переменил место жительства, а все заработанные деньги тратил на картины, гравюры и книги. Жены художник так и не завел, хотя в 1653 году у него родилась внебрачная дочь, Агнес, жившая вместе с ним с 1659 года. Предполагают, что матерью Агнес была служанка Лоррена. Чуть позже к нему переехали племянники Жан (в 1662 году) и Жозеф (в 1679 году). То есть родственных связей с родной Лотарингией Лоррен никогда не терял. Дочь и племянники преданно ухаживали за престарелым художником. Приблизительно с сорока лет он страдал подагрой, а в 1663 году перенес тяжелейшую болезнь, так и не опознанную лекарями. Годы и болезни привели к тому, что Лоррен писал все реже и реже. В \"Книге истины\" под 1669 годом значатся всего две картины; под 1671 годом - одна. Впрочем, снижения качества при этом не произошло. Напротив, именно в последнее свое десятилетие художник создал ряд выдающихся полотен. Настоящим шедевром считается законченная в смертный год картина \"Пейзаж с Асканием, стреляющим в оленя\". В картинах Лоррена библейские, мифологические или пасторальные сюжетные мотивы полностью подчинены изображению прекрасной, величественной природы («Пейзаж с Акидом и Галатеей», «Пейзаж со сценой бракосочетания Исаака и Ревекки»). Для Лоррена природа была образцом возвышенного, совершенного мироздания, в котором царят покой и ясная соразмерность. Пейзажам художника свойственны широкий пространственный охват, обилие воздуха и света («Пейзаж с Энеем на Делосе»; «Диана, воссоединяющая Кефала и Прокриду»). Пространственные планы плавно переходят один в другой. Первый план отмечен «кулисами» — деревом или зданием, обычно окрашенным в коричневые тона («Изгнание Агари»). Второй план — это зеленая зона равнины или гористой местности или морская гавань, бухта или залив («Пейзаж с Аполлоном, стерегущим стада Адмета», «Пейзаж со сценой отдыха на пути в Египет», «Гавань при восходе солнца»). И наконец — голубоватые дали, в которых небо сливается с горами («Пейзаж со сценой нахождения Моисея», «Похищение Европы»). Обращаясь к событиям древней легенды, Лоррен не придает особого значения фигурам. Обычно в его пейзажах их писали другие художники. Излюбленный мотив Лоррена — отправление в путь («Отплытие Одиссея из страны феаков», «Отплытие царицы Савской», «Отплытие св. Урсулы»). Фигуры, которыми обыкновенно оживлены его пейзажи, принадлежат, в основном, не ему самому, а его друзьям Ф. Лаури, Я. Милю, Фр. Аллегри и Н. Колонбелю. Лоррен оставил свыше тысячи рисунков. Среди них большое количество этюдов с изображением деревьев и растений, а также наброски, сделанные непосредственно с натуры. В коллекции герцога Девонширского в Чатсуорте находится знаменитая серия «Liber veritatis», которая состоит из 200 пейзажных рисунков. Среди них — эскизы к его полотнам, а также рисунки, сделанные с его картин. Лоррен исполнил сорок пасторальных гравюр. Лоррен скончался в Риме 23 ноября 1682 года. Его похоронили в церкви Святой Троицы. Высеченная на надгробном камне надпись гласит, что под ним покоится \"выдающийся художник, умевший, как никто, изображать лучи восходящего и закатного солнца и по праву занявший свое место среди великих мастеров\".
Статья с сайта http://www.izoselfportrait.narod.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Константин Юон
		Россия 1875-1958 символизм, модерн
Родился в Москве 12 (24) октября 1875 в семье банковского служащего. В 1892 поступил в Училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были К.А.Савицкий, А.Е.Архипов и К.А.Коровин. По окончании училища (1898) занимался в мастерской В.А.Серова (до 1900). Был членом «Мира искусства», «Союза русских художников» (один из учредителей последнего) и АХРР. Жил в Москве. Символистская поэтика Юона острее всего проявилась в цикле рисунков \"Сотворение мира\" (1908–1909) – с природой и светилами, нарождающимися из первозданного хаоса. Развивая эту тему, позднее запечатлел революцию в виде грозного космического катаклизма (\"Новая планета\", 1921). Но более характерны для него сельские и архитектурные пейзажи, четкие по композиции и плотные по цвету, дающие не мимолетную импрессию, а устойчивый образ обжитой земли или исторической «почвы», знаменитой либо совсем обыденной (\"К Троице\", \"Весенний солнечный день\", \"Мартовское солнце\", \"Купола и ласточки\"). Особое место в его живописи и графике заняли мотивы Троице-Сергиевой лавры (в 1922 издал альбом литографий \"Сергиев посад\"). В строгой системе соцреалистических выставок пейзажи Юона, иногда «тематические» (\"Штурм Кремля в 1917 году\"), неизменно привлекали своим прочувствованным историзмом либо просто задушевной лирикой. Плодотворно работал как художник театра (был, в частности, главным художником Малого театра в 1945–1947) и педагог (с 1900 преподавал в собственной студии, а позднее в ленинградской Академии художеств и московском Художественном институте имени В.И.Сурикова). Занимал должности директора Научно-исследовательского института Академии художеств СССР (1948–1950) и первого секретаря правления Союза художников СССР (1956–1958). Умер Юон в Москве 11 апреля 1958.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru/articles/83/1008372/1008372a1.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Мартирос Сарьян
		Армения 1880-1972 символизм
Живописец, график, крупнейший мастер армянской живописи XX в., творчески продолживший традиции символизма. Родился в Нахичевани-на-Дону (ныне - в составе Ростова-на-Дону) 16 (28) февраля 1880. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. С 1902 года ученик В. А. Серова и К. А. Коровина. Участник выставок объединений \"Голубая роза\", \"Мир искусства\", \"Союз русских художников\", \"Четыре искусства\". В 1910, 1911 и 1913 посетил Константинополь, Египет и Иран, в 1926-1928 - Париж. До октябрьского переворота 1917 жил преимущественно в Тифлисе и Москве, с 1921 обосновался в Ереване. Примкнул к символизму еще в студенческие годы. Значительная часть его композиций 1910-х годов сложилась в серию \"Сказки и сны\". Часто работал цветной тушью, акварелью, гуашью и темперой, создавая ирреальные и зыбкие красочные феерии. На изобразительную манеру Сарьяна оказало влияние творчество П. Гогена и А. Матисса, проявившееся в ярком локальном цвете его полотен и обостренном линейном ритме. Впечатления Средиземноморья и Востока слагаются - отчасти под воздействием французского фовизма - в более плотные цветовые гаммы и четкие силуэты, теснее связанные с конкретной натурой, однако мастер сохраняет верность поэтике легенды и притчи. После октябрьской революции 1917, с переездом на историческую родину, эти красочные легенды обретают подчеркнуто национально-романтичный характер: \"сны о Востоке\" превращаются в \"сны об Армении\". Своеобразным манифестом этого обращения к Закавказью как главному источнику вдохновения стали эскизы занавеса для Драматического театра в Ереване и композиционно связанное с ними красочное панно \"Армения\" - с величавой и в то же время символически-условной панорамой гор, залитых ярким солнцем. В 1926-1928 годах Сарьян жил в Париже и в этот период испытал очевидное влияние французского импрессионизма. В 1930-е годы писал, в основном, портреты и яркие, праздничные по колориту натюрморты. В 1940-60 годах Сарьян пережил новое увлечение пейзажем. Художник работал также в области книжной графики и театрально-декоративного искусства. В поздние годы мастер (удостоенный в 1965 звания Героя Социалистического Труда) сохранил живую энергию художественного поиска: он как бы вновь вернулся к впечатлениям юности, создав в 1960-е годы цикл \"сказочных\" пейзажей с фольклорно-мифологическими мотивами (музей Сарьяна). Будучи человеком-легендой, олицетворяющим \"серебряный век\", он неизменно притягивал к себе молодежь. Умер Сарьян в Ереване 5 мая 1972.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=8
Вставить (заменить) фото переписать текст

Кузьма Петров-Водкин
		Россия 1878-1939 символизм
одился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895-1897), Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895-1897), Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов, студии А.Ашбе в Мюнхене и частные академии Парижа. В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений \"Мир искусства\" и \"Четыре искусства\". Жил в Ленинграде, а с 1927 - в Пушкине. Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (\"Сон\", 1911; \"Играющие мальчики\", 1911). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно \"Купание красного коня\" (1912) - простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины \"Мать\" (1913) и \"Девушки на Волге\" (1915). В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче и др.) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер \"церковного модерна\". Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (\"1918 год в Петрограде\"). В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип \"сферической перспективы\", который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение \"земли как планеты\". По-своему \"планетарны\", монументально-значительны даже его натюрморты (\"Селедка\", 1918), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (\"Автопортрет\", 1918; \"А.А.Ахматова\", 1922). Искренний \"попутчик\" революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (\"После боя\", 1923; \"Смерть комиссара\", 1928). Но картина \"1919 год. Тревога\" (1934), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского \"большого террора\" с его ночными арестами. Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его \"Хлыновск\" (1930) и \"Пространство Эвклида\" (1933) - своего рода \"вымышленные автобиографии\", где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910-1915) и Академии художеств (1918-1933). Умер Петров-Водкин в Ленинграде 15 февраля 1939.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=14
Вставить (заменить) фото переписать текст

Борис Кустодиев
		Россия 1878-1927 самобытный, фигуративный стиль
Родился в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 в семье преподавателя духовной семинарии. Учился в петербургской Академии художеств (1896–1903), где его наставником был И.Е.Репин. Член объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». Репин привлек молодого художника к соавторству в картине Заседание Государственного Совета (1901–1903, Русский музей, Петербург). Уже в эти годы проявился виртуозный талант Кустодиева-портретиста). Позднее (с 1908) увлеченно работал также в жанре скульптурного портрета. В годы Первой русской революции 1905–1907 выступал как карикатурист в журналах «Жупел» и «Адская почта». Жил в Петербурге и Москве, часто наезжая в живописные уголки русской провинции, прежде всего в города и села Верхней Волги, где рождались его знаменитые образы традиционного быта (серии «ярмарок», «маслениц», «деревенских праздников») и красочные народные типажи («купчихи», «купцы», красавицы в бане – «русские венеры»). Первая картина такого рода (\"Ярмарка\") написана по заказу Экспедиции государственных бумаг для неосуществленной серии массовых лубков. Эти серии и близкие им полотна (\"Портрет Ф.И.Шаляпина\") подобны красочным снам о старой России. Революцию Кустодиев тоже воспринял карнавально, в духе яркого народного лубка (\"Большевик\"). Хотя в 1916 паралич приковал художника к инвалидному креслу, он продолжал активно работать в разных видах искусства, продолжая свои популярные «волжские» серии. После революции создал лучшие свои вещи в сфере книжной иллюстрации (\"Леди Макбет Мценского уезда\" Н.С.Лескова; \"Русь\" Е.И.Замятина и др.) и сценографии. Умер Кустодиев в Ленинграде 26 мая 1927.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=12
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Хруцкий
		Россия 1810-1885 академизм
Иван Фомич Хруцкий, поляк по национальности, белорус по месту рождения, окончательно сформировался как художник в русле русской академической школы. Его дарование было скромным, однако весьма характерным для мастера салонно-академического направления, работавшего на рынок и ориентировавшегося на вкусы широких слоев публики. В историю русского искусства Хруцкий вошел своими натюрмортами - эффектными композициями, где предметы выписаны с иллюзионистической точностью. Эти его работы, выполненные в 1830-х годы - период формирования и распространения натюрморта в России, имели большой успех у публики и породили волну подражаний. О ранних годах жизни Хруцкого известно не много. Среднее художественное образование он получил в Полоцком лицее. В 1827 году Хруцкий приезжает в Петербург и в 1830 году поступает в Академию художеств (АХ). Здесь прямо или опосредованно он усваивает уроки таких мастеров, как А. Г. Варнек, Максим Воробьев, Карл Брюллов, Федор Бруни. К 1832 году относятся первые датированные этюды художника - \"Натюрморт с вазой\" и \"Натюрморт с птичкой\". К ним примыкает группа других подобных же работ (\"Плоды и птичка\", 1833; \"Фрукты\", 1834; \"Виноград и фрукты\", \"Натюрморт с яблоками, виноградом и лимоном\", б. г.), отличающихся довольно простыми композициями. Так обозначается главное направление творчества Хруцкого этого периода - работа над натюрмортом, именуемым в официальных документах как \"живопись цветов и фруктов\". От ранних незатейливых постановок, состоящих лишь из нескольких предметов, Хруцкий на удивление быстро приходит к довольно значительным по размерам натюрмортам-картинам со сложной композицией, объединяющей множество разнообразных овощей, плодов и цветов (\"Цветы и плоды\", 1836, 1839; \"Натюрморт со свечой\", \"Цветы и фрукты\", \"Плоды, фрукты, битая дичь\", все 1830-х, и др.). Эти произведения вызывали восхищение зрителей и критиков-профессионалов. Успех работ способствовал тому, что художник повторял некоторые из них с незначительными изменениями, добавляя \"новые\" предметы: подсвечник с горящей свечой либо тлеющую сигару, спички в бумажной обертке, обрывок расходного счета с лежащей на нем мелочью. Это вносило в композицию атмосферу человеческого присутствия. Академический Совет отметил натюрморты Хруцкого: в 1836 году он был удостоен большой серебряной медали. После смерти отца он оставляет Петербург и около 1840 года возвращается в Белоруссию в родительское имение Захареничи Полоцкой губернии. Однако он не оставляет занятий живописью, хотя теперь в его работах преобладает иная ориентация, иные направления. Много внимания художник отдает выполнению церковных заказов. Еще одна линия творчества художника в это время представлена изображением интерьеров - своеобразным жанром \"в комнатах\" (\"Мастерская художника\", б. г.; \"Митрополит Иосиф Семашко слушает в своем кабинете доклад секретаря\", \"В комнате\", оба 1854; \"В комнатах усадьбы художника И. Ф. Хруцкого Но, пожалуй, чаще всего наряду с религиозной живописью он пишет портреты.
Статья с сайта http://www.c-cafe.ru/days/bio/1/032.php
Вставить (заменить) фото переписать текст

Виктор Борисов-Мусатов
		Россия 1870-1905 модерн
Родился в Саратове 2 (14) апреля 1870 в семье железнодорожного служащего. Художественное образование получил (в 1890-е годы) в студии Саратовского общества изящных искусств, Московском училище живописи, ваяния и зодчества, Академии художеств (у П.П.Чистякова), а также в студии Ф.Кормона в Париже. С 1898 жил преимущественно в Саратове (летом в имениях Слепцовка или Зубриловка Саратовской губернии), а с 1903 - в Подольске и Тарусе. Испытал большое влияние П.Пюви де Шаванна. Главным мотивом Борисова-Мусатова стали \"дворянские гнезда\", мир старинных усадеб, преображенный - благодаря музыкальной ритмике линий и композиций, зыбкому мареву колорита - в поле волшебных видений и грез. Лелея эффект \"иного мира\", проступающего сквозь парковые пейзажи, художник в большинстве случаев работал акварелью, темперой или пастелью, добиваясь особого рода имматериальности красочного слоя. Фигуры в его картинах (\"Гобелен\", 1901; \"Водоем\", 1902; \"Призраки\", 1903; \"Изумрудное ожерелье\", 1903-1904) - даже тогда, когда они очевидно натурны (своих героинь мастер обычно писал с сестры и жены), - несут в себе оттенок поэтически-печальной потусторонности. Писал также и \"чистые\", безлюдные пейзажи, полные задумчивого лиризма (\"Осенняя песнь\", 1905). Его мечта о фресках (цикл эскизов на тему времен года, 1904-1905) так и осталась неосуществленной. Умер Борисов-Мусатов в Тарусе 26 октября (8 ноября) 1905. Его творчество оказало решающее воздействие на художников-символистов круга \"Голубой розы\".
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=7
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Верещагин
		Россия 1842-1904 реализм, батальная живопись
Родился в Череповце 14 (26) октября 1842 в семье помещика. В 1850-1860 учился в петербургском Кадетском корпусе, окончив его в чине гардемарина. Плавал в 1858-1859 на фрегате \"Камчатка\" и других кораблях в Данию, Францию, Англию. В 1860 поступил в петербургскую Академию художеств, но оставил ее в 1863 (неудовлетворенный системой преподавания). Посещал мастерскую Ж.-Л.Жерома в парижской Школе изящных искусств (1864). Позднее активно участвовал в выставках \"Товарищества передвижников\". Всю жизнь был неутомимым путешественником. Стремясь \"учиться на живой летописи истории мира\", ездил по России, на Кавказ, в Крым, на Дунай, в Западную Европу, дважды побывал в Туркестане (1867-1868, 1869-1870), участвуя в колониальных походах русских войск, два раза - в Индии (1874-1876, 1882). В 1877-1878 участвовал в русско-турецкой войне на Балканах, в 1884 посетил Сирию и Палестину, в 1888-1889 и 1902 США, в 1901 Филиппины, в 1902 Кубу, в 1903 Японию. Впечатления от поездок воплощались в больших циклах этюдов и картин. В его батальных полотнах публицистически-остро, с жестким реализмом - и в то же время эпически-масштабно - раскрывается изнанка войны. Знаменитым символом всей серии стала картина \"Апофеоз войны\" (1870-1871, Третьяковская галерея), изображающая груду черепов в пустыне; на раме надпись: \"Посвящается всем великим завоевателям: прошедшим, настоящим и будущим\". \"Туркестанской\" серии не уступает \"балканская\". В ней художник, напротив, бросает прямой вызов официальной панславистской пропаганде, напоминая о фатальных просчетах командования и страшной цене, которую заплатили русские за освобождение болгар от османского ига. Особенно впечатляет полотно \"Побежденные. Панихида\" (1878-1879, Третьяковская галерея), где под пасмурным небом расстилается целое поле солдатских трупов, присыпанных лишь тонким слоем земли. Широкую известность завоевала также его серия \"Наполеон в Россcи\" (1887-1900). Художник был и одаренным литератором, автором книги \"На войне в Азии и Европе. Воспоминания\" (1894); большой интерес представляют также его \"Избранные письма\" (переизданы в 1981). На своих выставках, вызывавших бурный резонанс и в России, и за рубежом, Верещагин выступал как настоящий виртуоз шоу-бизнеса. Его искусство оказало большое воздействие на развитие международного пацифистского движения. Верещагин погиб во время русско-японской войны, 31 марта (13 апреля) 1904, при взрыве броненосца \"Петропавловск\" на рейде Порт-Артура (ныне Люйшунь, Китай). В Череповце существует дом-музей Верещагина.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=13
Вставить (заменить) фото переписать текст

Пимен Орлов
		Россия, Италия 1812-1865 классицизим
Пимен Никитич Орлов - ученик К.П. Брюлова в Академии художеств (1834—1837), куда он поступил после бедных детства и юности, когда он, покинув родительский дом, зарабатывал средства на жизнь писанием образов и портретов помещиков Воронежской губернии. Большую часть жизни после Академии Пимен Орлов провел в Италии, куда он при содействии Общества поощрения художников отправился в 1841 году. Там быстро завоевывал известность благодаря своим многочисленным картинам, выполненным в итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки. Картины пользовались большим спросом и на родине, поэтому художник щепетильно относился к тому, чтобы они вовремя доставлялись в Петербург. Находят свое место в художественных галереях или частных коллекциях популярные портреты П.Н. Орлова. С 1857 года художник — академик. Умер в 1865 году в Риме.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=300
Вставить (заменить) фото переписать текст

Сергей Юрьевич Судейкин
		Россия, США 1882- 1946 Символизм
Родился в Петербурге 7 (19) марта 1882 г. в семье жандармского полковника Г.П.Судейкина, убитого через год народовольцами. Занимался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1897-1909 гг. ). В 1902 г. был отчислен на один год за показ на студенческой выставке работ «непристойного содержания». В 1909 г. поступил в петербургскую Академию художеств, где учился в мастерской Д.Н.Кардовского (до 1911 г.). Был одним из организаторов выставки «Голубая роза» (1907 г.), а также одним из членов-учредителей возрожденного «Мира искусства» (1910 или 1911 г.). Помещал графику в журналах «Весы», «Аполлон», «Сатирикон» и «Новый Сатирикон». Жил в Петербурге, часто наезжал в Москву. Активно работал как театральный художник. Исповедовал некий «иронический символизм», превращая свои картины в живописные лубки на темы искусства, фольклора либо «прекрасной старины» («Гулянье», 1906 г., Третьяковская галерея; «В парке», 1907 г.; «Балет», 1910 г.; обе работы — в Русском музее; серия собственно лубков «Масленичные герои», середина 1910-х годов). В 1911 г. стал одним из устроителей и декораторов артистического кабаре «Бродячая собака». В 1917 г. уехал в Крым, а затем — в Тифлис (1919 г.), где также оформлял литературные кафе («Химериони» и «Ладья аргонавтов»). В 1920 г. переехал из Батума в Марсель. Был сценографом кабаре «Летучая мышь» Н.Ф.Балиева в Париже. Вместе с этой труппой прибыл на гастроли в США (1922 г.) и обосновался в Нью-Йорке. Участвовал как художник во многих спектаклях (постановки театра «Метрополитен-опера», Л.Ф.Мясина, М.М.Фокина, Дж.Баланчина). Выполнил декорации к кинофильму \"Воскресение\" (по роману Л. Н. Толстого) для Голливуда (1934-35 гг.). Последние годы жизни тяжело больной художник провел в нужде. Умер в Найаке, штат Нью-Йорк, 12 августа 1946.
Статья с сайта http://www.ssga.ru/erudites_info/art/artists/0593.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хоакин Соролла
Joaquin Sorolla y Bastida
		Испания 1863-1923 Реализм
Родился 27 февраля 1863 г. в Валенсии в семье торговца. Его родители умерли в 1865 г. вероятно от холеры. Его воспитанием занимались тетка по материнской линии и её муж. Получив начальное художественное образование в родном городе, в возрасте 18 лет приезжает в Мадрид, где изучает классические работы в музее Прадо. После прохождения военной службы 22-хлетний Соролла получает стипендию для четырехлетнего изучения живописи в Риме. В 1885 г. вместе с директором Испанской академии в Риме Ф.Прадиллой совершает путешествие в Париж, где впервые знакомится с современной живописью. В 1888 г. возвращается в Валенсию и женится на Клотильде Гарсиа дель Кастильо. В 1890 г. его семья, в которой было уже трое детей, переезжает в Мадрид. В следующее десятилетие выставляет свои ориенталистские, мифологические, исторические и социальные полотна в салонах и на международных выставках в Мадриде, Париже, Венеции, Мюнхене, Берлине и Чикаго. В начале ХХ века становится почетным членом художественных академий Парижа, Лиссабона и Валенсии. В 1911-1917 гг. по заказу Арчера М. Хантингтона создаёт серию работ, создает серию работ, посвященных разным областям Испании и изображающих модели в местных костюмах. В 1920 г. Соролу парализовало и он умер 10 августа 1923 г. В 1932 г. в его доме в Мадриде открылся музей Сороллы, экспонирующий его картины.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи Мазаччо
Masaccio
		Италия 1401-1428 Возрождение
Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (Tommaso di Giovanni di Simone Guidi), прозванный Мазаччо, родился 21 декабря 1401 г. в семье нотариуса в местечке Сан Джованни Вальдарно. Его отец умер, когда будущему художнику исполнилось всего пять лет. Мать, хозяйка небольшой деревенской гостиницы, вышла замуж вторично — за местного аптекаря, который также умер, когда Мазаччо было 16. В 1417 г. семья переехала во Флоренцию. Джорджо Вазари рассказывает, что прозвище Мазаччо («Неуклюжий») было дано ему за его невнимание к окружающей жизни. Другая версия предполагает, что это производное от Мазо (сокращение от Томмазо) и означает большой Том. В 1422 г. Мазаччо внесли в списки членов корпорации врачей и аптекарей, к которой принадлежали и художники, с 1424 г. он стал членом гильдии св. Луки. Самой ранней картиной Мазаччо считается алтарный образ Мадонна с младенцем, св. Анной и ангелами (ок. 1420 г., Флоренция, галерея Уффици), написанный им вместе с Мазолино («маленьким Томом»). Примерно в 1425 г. получил заказ от монастыря кармелитов во Флоренции. Фреска, над которой художник трудился 10 месяцев, погибла при перестройке монастыря около 1600 г. В 1426 г. написал алтарь для капеллы церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе. В 18 в. Пизанский алтарь был разрознен, а в конце 19 в. его сохранившиеся 11 частей удалось идентифицировать в разных музеях и в частных коллекциях. К этому алтарю относятся «Мадонна с младенцем и ангелами» (Лондон, Национальная галерея), «Распятие» (Неаполь, галерея Каподимонте), «Поклонение волхвов» и «Мучение святых Петра и Иоанна» (Берлин-Далем, Картинная галерея Государственного музея). В первой половине 15 в. в живописи появляется самостоятельный жанр живописи — светский портрет, созданный по единому типу: погрудные профильные изображения. Мазаччо в этом жанре написал «Мужской портрет» (ок. 1425 г., Бостон, музей Гарднер). В 1426-1427 гг пишет фреску «Троица» для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции; в 1427-1428 гг. совместно с Мазолино - фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармне. Центральный пояс фресок составило «Изгнание из рая» (Мазаччо), слева «Чудо со статиром» (Мазаччо), «Грехопадение» (Мазолино), справа «Воскрешение Тавифы» (Мазолино), две фрески алтарной стены — «Проповедь апостола Петра» (Мазолино), «Крещение новообращенных» (Мазаччо). В сентябре 1425 г. Мазолино уехал в Венгрию, и Мазаччо продолжил росписи самостоятельно, но, так и не завершив работы, также уехал в Рим и там неожиданно умер осенью 1428 г. Работы в капелле были остановлены, и лишь через 50 лет Филиппино Липпи закончил оформление капеллы.
Статья с сайта http://www.rodon.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Юрий Павлович Анненков
		Россия, Франция 1889-1974 Авангард
Родился 11 (23) июля 1889 г. в Петропавловске-Камчатском (по другим данным – в казахстанском Петропавловске). Сын народовольца П. С. Анненкова, отправленного в ссылку за соучастие в убийстве Александра II. В 1892 или 1894 г. году семья перебралась в Петербург. В 1907 г. познакомился с И. Е. Репиным, который стал для него самым почитаемым мастером. Дача Анненковых находилась в Куоккале, рядом с репинскими «Пенатами». В 1908 г. поступил на юридический факультет Петербургского университета, одновременно начал заниматься живописью в мастерской С.М. Зейденберга. В 1909 г., провалив экзамен в Академию Художеств, поступил в ЦУТР барона А.Л. Штиглица, одновременно посещал школу-студию Я.Ф. Ционглинского (1909-11 гг.). Занимался в Париже у М. Дени и Ф. Валлотона (1911-12 гг.). В 1913 г. дебютировал в салоне Независимых с картинами \"Вечер\" и \"Пейзаж\". Вернувшись в Россию в 1913 г., примкнул к авангардному движению, в частности, был близок \"Союзу молодежи\", однако формально в художественные группировки не входил. Был главным художником «Кривого зеркала» Н.Н.Евреинова, где он оформил почти все спектакли, выступив одним из зачинателей экспрессионизма на русской сцене. После 1917 г. обратился к жанру графического портрета, иллюстрировал книги (\"Двенадцать\" А. Блока, «Мойдодыр», К.И.Чуковского). С 1920 г. профессор Академии художеств. Создал обширную галерею живописных и графических портретов многих деятелей русской культуры: А. А. Ахматовой, Е. И. Замятина, В. Ф. Ходасевича, А. Н. Бенуа, А. М. Горького, М. А. Кузмина, А. М. Ремизова, З. И. Гржебина, Ф. К. Сологуба, Н. Н. Евреинова, Б. Л. Пастернака. В 1920 г. написал портреты Троцкого, Зиновьева и Луначарского. В 1924 г. получил первую премию за портрет Ленина на всесоюзном конкурсе. Выехав в 1924 в Венецию для участия в XIV Международной художественной выставке, обосновался с 1925 г. в Париже. После 1934 г. серьёзно увлёкся кинематографом, оформил декорации и костюмы более чем к 50 кинофильмам. Награждён премией «Оскар» Американской академии киноискусства за костюмы к фильму «Мадам де***» (режиссёр - М. Офюльс, 1954 г.). В СССР наибольшей известностью пользовался оформленный им фильм об А.Модильяни – Монпарнас, 19 Ж.Беккера (1957 г.).Умер 12 июля 1974 г. в Париже.
Статья с сайта http://persona.rin.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Лев Лагорио
		Россия, Италия, Франция 1827 - 1905 пейзажист, маринист, баталист
Лев Лагорио, сын неаплитанского вице-консула, родился в Феодосии, поэтому неудивительно, что он стал художником-пейзажистом, художником-маринистом, хотя с удовольствием писал и портреты известных людей. Лагорио окончил Академию художеств, в которой учился с 1843 по 1850 год у известных преподавателей живописи М.Н. Воробьева и Б.П. Виллевальде. Приняв в 1852 году российское гражданство, отправился после окончания Академии в пенсионерскую поездку в Европу. Жил и писал во Франции, Италии, Швейцарии и Голландии. Представив созданные полотна-\"отчеты\" за свое пенсионерство, Л. Лагорио стал профессором Академии художеств. Из своего постоянного места жительства — Петербурга — совершал многочисленные путешествия в южные районы России, в Финляндию, Норвегию, Турцию. Любимой темой Льва Лагорио было морское побережье, сочетавшее различные состояния моря и участка берега, примыкающего к морю. Как и многие русские художники, участвовал в качестве корреспондента в русско-турецкой войне 1877—1878 годов. Свои впечатления выразил в полотнах, запечатлевших эпизоды этого трагико-драматического для любого художника события. Ближе к концу жизни (1900) Л.Ф. Лагорио был избран почетным членом Академии художеств — своеобразным знаком достойного вклада в русскую живопись.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=119
Вставить (заменить) фото переписать текст

Юлий Клевер
		Россия 1850-1924 пейзажист
Родился в в Дерпте (Тарту) в 1850 г. Получив общее образование в тамошней гимназии, в 1867 г. поступил в ученики Императорской Академии Художеств, по разряду архитектуры, но вскоре избрал ландшафтную живопись, в которой первым его руководителем был профессор С.М. Воробьев. Получив за этюды с натуры малую и большую серебряные медали, Клевер вышел из числа учеников академии и развил свое дарование без помощи всяких наставников, единственно работой с натуры. В 1876 г. приобрел звание классного художника 1 степени, через 2 года после того был признан академиком (за вид запущенного парка в Мариенбурге, находящийся у господина Терещенко в Киеве) и в 1881 г. повышен в профессоры. Картины этого художника многочисленны. Мотивы для них он берет преимущественно из природы своей родины, Прибалтийского края, воспроизводя, главным образом, либо меланхолическое впечатление пасмурной и дождливой осени, либо эффекты ярких солнечных закатов и восходов зимой. Достоинство этих произведений далеко не одинаково: одни из них, серьезно обдуманные и исполненные со строгим отношением к задаче, действительно прекрасны по силе, гармонии и правдивости красок; другие, написанные спешно и составляющие повторения или вариации прежних работ художника, страдают резкостью колорита и небрежностью кисти. Лучшей порой деятельности Клевера можно считать 1875 - 1885 годы. Особенно удачными картинами Клевера должно признать, сверх вышеупомянутых следующие: \"Лес осенью\", \"Зима\", \"Дорога над болотом\", \"Вид на остров Нарген\", \"Листья пожелтелые\", \"Красная Шапочка в лесу\", \"Болото\", \"На корнях\" и некоторые другие. В последние годы Клевер жил в Ленинграде, преподавал в художественном училище, до самой смерти продолжал писать.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=103
Вставить (заменить) фото переписать текст

Николай Рерих
		Россия, США, Индия 1874-1947 символизм, модерн
Родился в Петербурге 27 сентября (9 октября) 1874 в семье нотариуса. В 1891–1893 брал уроки рисования у М.О.Микешина. В 1893 поступил в Петербургский университет, где занимался на юридическом факультете, и одновременно в Академию художеств, где работал в мастерской А.И.Куинджи, оказавшего на него большое влияние. Учился также в студии Ф.Кормона в Париже (1900–1901). До революции жил преимущественно в Петербурге, много путешествовал. Был членом объединения «Мир искусства» (председатель в 1910–1918). На рубеже веков занимался изучением славянских и угро-финских древностей; опубликовал несколько археологических отчетов о раскопках. Органично соединив археологию с искусством, написал цикл архитектурно-исторических пейзажей Пскова, Ростова Великого, Изборска и других старинных русских городов (1899–1904). Выступал также как мастер книжно-журнальной графики (оформив, в частности, издание пьес М.Метерлинка, 1909). Этапным для сценографии модерна явился его театральный дизайн, феерически-красочный и в то же время «режиссерски» соучаствующий в ритмике спектакля. Исполнил и целый ряд монументально-декоративных работ, однако наиболее значительные его произведения в этой области (росписи Святодуховской церкви в Талашкине под Смоленском, 1911–1914; панно «Сеча при Керженце» и «Покорение Казани» для Казанского вокзала в Москве, 1915–1916) не сохранились вообще, либо дошли до нас в виде фрагментов. В зрелом литературном творчестве Рериха, представленном в первой (и единственной) книге собрания сочинений (1914) и сборнике стихов «Цветы Мории» (1921), – на смену очеркам и научным отчетам приходят притчи, поэтические иносказания и философские эссе. Сперва не приняв революцию и выразив свой ужас перед ее вандализмом в символической драме «Милосердие» (1918), мастер, оказавшись за финской границей, с 1918 жил за рубежом. В 1920 переехал в США, основав там вместе с женой Е.И.Шапошниковой «Общество Агни-Йоги» для распространения учения «Живой Этики», призванного морально усовершенствовать человечество на базе древних религий, прежде всего буддизма, и современной теософии. В 1923 начинает из Сиккима свою Трансгималайскую экспедицию с целью исторического и топографического изучения Центральной Азии; экспедиция дважды пересекает последнюю, пройдя через труднодоступные районы Индии, Монголии и Тибета. Приехав через Синьцзян в Москву (1925), устанавливает контакты с советским руководством, а в 1926–1928 через Алтай возвращается в Сикким. Постоянной резиденцией Рериха становится Институт гималайских исследований (Институт Урусвати) в долине Кулу близ Наггара, организованный им в 1929. Духовным итогом путешествий явились книги «Алтай-Гималаи», «Сердце Азии» и «Шамбала» (1927–1930), написанные в своеобразном, как бы «мистико-археологическом» жанре, полном ярких поэтических образов. Еще более известны изобильные живописные итоги этих лет – написанные темперой, тоже завораживающе-яркие, «самоцветные» пейзажи, где величественная горная природа сочетается с символами древних вер (цикл картин «Майтрейя», 1926 и многие другие). Все больше сил Рерих с супругой отдают теософии, понимаемой ими не только как мистическое, но и как общественное движение. Последователей Рерихов в разных странах увлекает и провозглашенная им просветительская миссия охраны памятников истории и искусства от разрушительного натиска современной цивилизации. Свои философские проповеди художник собрал в книгах «Держава Света» (1931) и «Твердыня пламенная» (1933). Рериховские же идеи «Мира через культуру» в итоге были воплощены в специальном Пакте его имени, который лег в основу международной конвенции о защите культурных ценностей при вооруженных конфликтах, заключенной в Гааге в 1954. В поздний период мастер по-прежнему активно работал как живописец; вести с фронтов Второй мировой войны вдохновили его на национально-романтический цикл на темы русских былин. Он написал также огромные циклы мемуарных очерков («Листы дневника», 1934–1935; «Моя жизнь», 1936–1947). Его верными соратниками всегда оставались жена и сыновья – востоковед Юрий Рерих (1902–1960) и художник Святослав Рерих (1904–1993). Умер Рерих в Кулу 13 декабря 1947. Музей Рериха был открыт в 1924 в Нью-Йорке. В Москве же (помимо специального отдела искусства Н.Н. и С.Н.Рерихов в Музее искусства народов Востока) с 1992 существует Международный центр Рерихов со своим собственным музеем.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=29
Вставить (заменить) фото переписать текст

Михаил Нестеров
		Россия 1862-1942 историческая, религиозная живопись
Родился в Уфе 19 (31) мая 1862 в купеческой семье. Получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1877-1881 и 1884-1886), где его наставниками были В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, а также в Академии художеств (1881-1884), где учился у П.П.Чистякова. Жил преимущественно в Москве, а в 1890-1910 - в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности). Был членом \"Товарищества передвижников\". Если ранние его исторические картины еще по-передвижнически сюжетно-бытописательны, то позднее, как бы идя вослед В.М.Васнецову, он усиливает в своих образах фольклорные черты (\"За приворотным зельем\", 1888), атмосферу религиозной легенды (\"Пустынник\", 1888-1889). Под воздействием живописи французского символизма (П.Пюви де Шаванн и в особенности Ж.Бастьен-Лепаж) Нестеров подчеркивает идиллически-задушевное единство своих героев и окружающей природы. Таково знаменитое \"Видение отроку Варфоломею\" (будущему Сергию Радонежскому; 1889-1890), написанное близ Абрамцево, - картина, где чувством чудесного проникнуты в равной мере и фигуры, и типически-среднерусский пейзаж. С этих лет художник активно работает и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве (1890-1895), где Нестеров выступил прямым продолжателем Васнецова; мозаики и иконы церкви Спаса на крови в Петербурге (1894-1897), росписи храма Александра Невского в Абастумани (1902-1904), Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве (1908-1911). Здесь закрепляется традиция \"церковного модерна\", наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом. По-своему монументально-лиричны портреты художника; наиболее выразительны созданные им образы родных и духовно-близких людей (\"Амазонка\", 1906; \"Философы\", 1917). В больших, \"соборных\" картинах Нестеров стремится выразить чаемые рубежи великого духовного обновления (\"Великий постриг\", 1897; \"Святая Русь\", 1901-1906). Самое большое полотно мастера, \"На Руси\" (\"Душа народа\", 1916), включает в толпу \"очарованных странников\" фигуры Достоевского, Льва Толстого и Владимира Соловьева. Неизменно весьма важную, порой самоценную роль играет лирический пейзаж (написанное по соловецким впечатлениям \"Молчание\", 1903). После революции Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) по-прежнему присутствуют в творчестве. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой аскезы. Таковы \"Художники П.Д. и А.Д.Корины\" (1930), \"Академик И.П.Павлов\" (1935), \"Скульптор И.Д.Шадр\" (1934), \"Скульптор В.И.Мухина\" (1940) и др. В последние десятилетия жизни Нестеров увлеченно работал над воспоминаниями, которые вышли отдельной книгой (под названием \"Давние дни\") в год его кончины. Умер Нестеров в Москве 18 октября 1942.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Айвазовский
		Россия, Италия 1817-1900 пейзажист, маринист, баталист
Родился в Феодосии 17 (29) июля 1817 в семье армянского предпринимателя. Учился в петербургской Академии художеств у М.Н.Воробьева (1833-1839). В качестве \"пенсионера\" Академии работал в Крыму (1838-1840), Италии (1840-1844), посетил также Францию, Англию и ряд других стран. Любил путешествовать и позднее - по России, Европе, Средиземноморью, - но с 1845 работал преимущественно в родном городе. Испытал особое влияние французской марины (морского пейзажа) барокко-классицизма (К.Лоррен и К.Верне). Избавляясь от слишком плотной манеры письма и слишком резких контрастов классицистической \"кулисной\" композиции, Айвазовский со временем добивается подлинной живописной свободы. Бравурно-катастрофический \"Девятый вал\" (1850, Русский музей, Петербург), где достигнуто впечатление \"безбрежного\" морского пространства, может служить итогом его раннего периода. Обеспечив живописный эффект, Айвазовский, будучи к тому же мастером необычайно плодовитым (написавшим более 6000 картин), часто превращал его в своеобразный фирменный стереотип. Но в самых хрестоматийных и по праву особо популярных своих картинах (таких, как \"Черное море\", 1881, Третьяковская галерея) он демонстрирует главный свой дар: умение показать пронизанную светом, вечно подвижную водную стихию. Живописец Главного морского штаба (с 1844), Айвазовский принимает участие в ряде военных кампаний (в том числе в Крымской войне 1853-1856), создав немало патетических батальных полотен (\"Чесменский бой\", 1848, Феодосийская картинная галерея). Хотя он исполнил немало \"чисто земных\" пейзажей, среди которых выделяются украинские и кавказские виды (1850-1860-е годы), именно море обычно предстает у него универсальной основой природы и истории, в особенности в сюжетах с сотворением мира и потопом; впрочем, образы религиозной, библейской или евангельской, иконографии, равно как и античной мифологии, нельзя причислить к самым большим его удачам. Целый ряд картин Айвазовский посвятил древней и новой армянской истории (\"Посещение Дж.Г.Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции\", 1880, Картинная галерея Армении, Ереван). С 1840-х годов его художественная продукция пользовалась огромным успехом. Айвазовский накопил большое состояние и известен также как щедрый благотворитель: в Феодосии на его средства были выстроены здания археологического музея, проведены большие работы по градоустройству, постройке порта и железной дороги. Из его феодосийской мастерской вышел целый ряд крупных пейзажистов (Л.Ф.Лагорио, А.И.Куинджи, К.Ф.Богаевский и др.). Умер Айвазовский в Феодосии 19 апреля (2 мая) 1900. Полнее всего творчество мастера представлено в основанной им Феодосийской картинной галерее, ныне носящей его имя.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Эль Греко
Domenico Teotocopuli El Greco
		Испания 1541—1614 маньеризм
Доминикос Теотокопулос, известный как Эль Греко — великий испанский художник, по происхождению — грек (с исп. El Greco, буквально переводится «грек»). Художник родился в деревне близ Кандии (теперь это город Ираклион) на Крите, входившем в то время в состав Венецианской республики. О его родителях нет никаких достоверных сведений, как, впрочем, и о его детстве. Вероятно, что он сын сборщика податей. Даже точная дата его рождения остается неизвестной. Известно, однако, что в юности Эль Греко обучался иконописи. В качестве учителя Эль Греко называют известного критского иконописца Михаила Дамаскиноса. В возрасте 26 лет Эль Греко отправился в Венецию, где поступил в обучение в мастерскую Тициана, но существует лишь одно (да и не совсем надежное) подтверждение этого факта. Некоторое влияние на его живопись оказали и многие другие великие итальянцы, в частности Веронезе, Тинторетто, Корреджо, Микеланджело. Однако он критично подходил к их творчеству. Например про фреску Микеланджело «Страшный Суд» он говорил: «Видимо, это был хороший человек, но писать не умел». В возрасте 35 лет Эль Греко направился в Испанию на службу королю Филиппу II Испанскому. Через некоторое время художник переехал в Толедо — древнюю столицу Испании, центр испанского просвещения и искусств того времени, где и оставался до конца своей жизни. Эль Греко отличался независимым нравом, гордостью и собственным оригинальным, мгновенно узнаваемым стилем. Картины он всегда подписывал своим греческим именем и даже греческими буквами, иногда добавляя в подписи гордое \"Kres\" (критянин). Для его работ характерны быстрота и экспрессивность исполнения, которые приближают её к современной живописи. Невозможно ошибиться в его авторстве, увидев эти удлиненные, будто клубящиеся, формы и фантастические цвета. Великий мастер скончался 7 апреля в возрасте 73 лет и был похоронен в городе, в котором провёл большую половину своей жизни – в Толедо. К сожалению, разногласия, возникшие с местным клиром, вынудили сына Эль Греко перезахоронить тело отца из церкви Санто-Доминго эль Ангигуо в монастырь Сан-Торквато. Но этот монастырь в XIX веке был разрушен, и останки великого живописца оказались утеряны. После смерти об Эль Греко стали стремительно забывать: когда в 1818 году в Мадриде открылся музей Прадо, в нем не нашлось места работам Эль Греко. Его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти — мастер занял почётное место в ряду важнейших представителей европейского маньеризма и провозглашен пророком и предтечей модернистской живописи XX века.
Вставить (заменить) фото переписать текст