Загружается информация...

Исаак Левитан
		Россия 1860-1900 пейзажист
Родился в Кибартах (ныне Кибартай, Литва) 18 (30) августа 1860 в семье железнодорожного служащего. В 1873 поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где наибольшее влияние на него оказали В.Д.Поленов и А.К.Саврасов; окончил училище в 1885. Жил преимущественно в Москве. Работал также в Останкине (1880-1883), в различных местах Московской и Тверской губерний, в Крыму (1886, 1899), на Волге (1887-1890). Был членом \"Товарищества передвижников\". Его \"пейзажи настроения\" обрели особую психологическую насыщенность, выражая жизнь человеческой души, что вглядывается в природу как средоточие тайн бытия (недаром его любимым философом был А.Шопенгауэр). Уже ранние работы художника удивительно лиричны (\"Осенний день. Сокольники\", 1879). Зрелый период Левитана как мастера пейзажа-картины, умеющего превратить простой мотив в архетипический образ России, открывается \"Березовой рощей\" (1885-1889). Та же поэтика тонкого образного обобщения одухотворяет произведения \"волжского периода\" (\"Вечер на Волге\", 1888; \"Вечер. Золотой Плес\", 1889; \"После дождя. Плес\", 1889; а также тематически примыкающая к ним картина \"Свежий ветер. Волга\", 1891-1895). Он создает шедевры \"церковного пейзажа\", где здания храмов вносят в природу умиротворение (\"Вечерний звон\", 1892, там же) или, напротив, скорбное чувство бренности всего земного (\"Над вечным покоем\", 1893-1894). \"Я весь в этой картине\", - эти слова Левитана о последнем произведении могут быть отнесены ко всем его лучшим вещам. Этот \"психоанализ\" обычно печален, как в полотне \"У омута\" (1892) либо в знаменитой \"Владимирке\" (1892), где на дороге, по которой конвоировали арестантов в Сибирь, видна (в характерной для мастера манере сводить реальное человеческое присутствие к минимуму либо вообще к нулю) лишь крошечная фигурка странника близ придорожной иконки. Позднее краски художника обретают все более мажорное звучание (\"Март\", 1895; \"Золотая осень\", 1895; \"Весна - большая вода\", 1897); с другой стороны, его все более увлекают мотивы вечера, сумерек, летней ночи. Варьируя тему стогов сена в лунную ночь, он пишет небольшое надкаминное панно с этим сюжетом для дома А.П.Чехова в Ялте (1900); с писателем его связывали многолетние дружеские, хотя и достаточно сложные отношения). Последняя, неоконченная картина Левитана (\"Озеро. Русь\", 1900, Русский музей) является - вопреки смертельной болезни - едва ли не самым радостным его произведением. Руководя с 1898 пейзажным классом Московского училища живописи, ваяния и зодчества, он проявил себя и как высокоодаренный педагог. Умер Левитан в Москве 22 июля (4 августа) 1900. В Плесе существует дом-музей Левитана.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Архип Куинджи
		Россия 1842-1910 пейзажист
Родился в Мариуполе в январе 1842 в семье сапожника-грека. Вначале обучался искусству самостоятельно, подрабатывая как ретушер у фотографа. В 1868-1870 посещал занятия в петербургской Академии художеств в качестве вольнослушателя. Был членом \"Товарищества передвижников\". Ранние пейзажи Куинджи (\"На острове Валааме\", 1873; \"Чумацкий тракт\", 1875) следуют канонам романтического и романтико-передвижнического пейзажа, однако уже в них проявляется высокое мастерство поэтических обобщений. Зрелые произведения художника, начиная с его сенсационной \"Украинской ночи\" (1876), примыкают к символизму: не теряя своего натурного обаяния, природа становится в них все более волнующе-ирреальной; Куинджи умеет великолепно подчеркнуть границу между реальностью и искусством, делая переживание этого \"порога\" главным содержанием образа. Среди его лучших вещей - картины \"После грозы\" (1879), \"Березовая роща\" (1879), \"Днепр утром\" (1881; все - в Третьяковской галерее), \"Ночь на Днепре\" (1880-1882; варианты там же, а также в Русском музее, Петербург). В 1894-1897 Куинджи был профессором Академии художеств, а в 1909 пожертвовал немалые средства на основание художественного общества, которому позднее было присвоено его имя. Умер Куинджи в Петербурге 11 (24) июля 1910.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=2
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Поленов
		Россия 1844-1927 пейзаж
Русский художник и деятель театра. Родился в Петербурге 20 мая (1 июня) 1844 в семье археолога Д.В.Поленова. Учился в петербургской Академии художеств (1863–1871) и параллельно – на юридическом факультете Петербургского университета. Брал частные уроки у П.П.Чистякова и И.Н.Крамского. Посетил в 1872–1876 Италию, Францию и Германию как «пенсионер» Академии художеств; много путешествовал и позднее, побывав, в частности, на Ближнем Востоке и в Греции (1881–1882, 1899 и 1909). Участвовал в качестве добровольца в сербо-черногорско-турецкой войне 1877–1878, создал много батальных и этнографических зарисовок и этюдов. Был членом «Товарищества передвижников». Испытал влияние современной французской живописи, в особенности пейзажистов-барбизонцев и П.Делароша. В духе романтического историзма Делароша написан ряд его ранних картин (\"Право господина\", 1874). Но естественней всего его дарование выразилось в поэтических пленэрных пейзажах, где органично соединились традиции «барбизонцев» и лирического «пейзажа настроения» в духе А.К.Саврасова. Таковы \"Московский дворик\" (1878), \"Бабушкин сад\" (1878), \"Заросший пруд\" (1879). В большинстве случае это не чисто природные, и историко-природные, по-своему поэтико-археологические образы, – подобно массе этюдов, созданных мастером на Балканах и Средиземноморье. Эти этюды послужили подходами к его знаменитому «евангельскому циклу» (\"Христос и грешница\", 1886–1887), где художник в духе Л.Н.Толстого стремился противопоставить церковному канону «правду среды и быта», «Христа-человека». Тенденции модерна – с его волей к созданию синтетических «сверхпроизведений» – ярче всего проступили в театральных работах Поленова. Он оформлял спектакли в абрамцевском доме и Московской частной опере С.И.Мамонтова (опера \"Призраки Эллады\" с музыкой самого художника, 1906; и др.), активно способствуя декоративному обновлению русской сценографии. С 1910 художник увлеченно занимался организацией самодеятельного театрального творчества, выступая как руководитель Секции содействия фабричным и заводским театрам (с 1915 – Дом театрального просвещения имени В.Д.Поленова). Он разрабатывал особого рода облегченные, мобильные декорации, регулярно устраивал «народные» спектакли и концерты. Мастер плодотворно занимался и архитектурой, внося – в эскизах церквей, построенных в Абрамцево (в соавторстве с В.М.Васнецовым, 1881–1882) и Бехове под Тарусой (1906), – вклад в развитие «русского стиля». Характерная для этих храмов стилизация под национальное Средневековье уступила место общим задачам комфортности и пластической выразительности планировки в зданиях собственного дома на Оке (1891–1892) и мастерской там же. После революции мастер жил в своей усадьбе Борок, занимаясь живописью и руководя деревенскими театральными кружками. Превратил усадьбу в музей, который в 1939 был передан его родственниками государству. Учениками Поленова (по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества, где он преподавал в 1882–1895) были, в частности, И.И.Левитан, К.А. и С.А.Коровины, А.Е.Архипов и А.Я.Головин. Умер Поленов в своей усадьбе-музее Борок (с 1931 – Поленово) 18 июля 1927.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Илья Репин
		Россия 1844-1930 портрет, жанровая, историческая живопись, пейзаж
Родился в Чугуеве (Харьковская губерния) 24 июля (5 августа) 1844 в семье военного поселенца. Первые художественные навыки получил в местной школе военных топографов (1854–1857), а затем у чугуевского иконописца И.М.Бунакова; с 1859 исполнял заказы на иконы и церковные росписи. Перебравшись в Петербург (1863), учился в рисовальной школе Общества поощрения художеств, где познакомился с И.Н.Крамским, и в Академии художеств (1864–1871). Как «пенсионер» Академии жил в Италии и Франции (1873–1876), где чутко воспринял веяния символизма и импрессионизма. В 1877 вернулся в Чугуев, затем жил в Москве и (с 1882) в Петербурге, а с 1900 – в Куоккале, в своем имении «Пенаты». Был одним из активнейших членов «Товарищества передвижников», поддерживая близость и с «Миром искусства». Уже религиозные картины, написанные по академическим программам (\"Иов и его друзья\", 1869; \"Воскрешение дочери Иаира\", 1871), являют удивительный дар художественно-психологической концентрации, умение подчинить все компоненты образа драматической сверхзадаче. Сенсацией стали его \"Бурлаки на Волге\" (1870–1873); на базе многочисленных этюдов, в основном написанных во время путешествия по Волге с художником Ф.А.Васильевым, молодой Репин создал картину, впечатляющую и яркой выразительностью натуры, и грозной силой протеста, зреющей в этих изгоях общества. Лучшие картины Репина становились и вехами русского социального самосознания. Пафос и протест то неразрывно соединялись в них, как в торжественно-саркастическом \"Крестном ходе в Курской губернии\" (1880–1883, Третьяковская галерея, Москва), то разделялись на два параллельных потока: так, наряду с «революционным циклом» о трагическом разладе общества (\"Отказ от исповеди\", 1879–1885; \"Не ждали\", 1884; \"Арест пропагандиста\", 1880–1892; \"17 октября 1905 года\", 1907) он увлеченно пишет и живописные образы парадного фасада империи (\"Прием волостных старшин Александром III\", 1885; \"Торжественное заседание Государственного Совета\", 1901–1903). Его темпераментная кисть насыщает мощной эмоциональной силой и исторические образы былого (\"Запорожцы пишут письмо турецкому султану\", 1878–1891; \"Иван Грозный и сын его Иван\", 1885). Эмоции эти порой буквально выплескиваются наружу: иконописец А.Балашов, буквально загипнотизированный Иваном Грозным, изрезал в 1913 картину ножом, что стало предлогом для публичного диспута Репина с М.А.Волошиным о границах между искусством и реальностью. Удивительно лирически-притягательны портреты Репина. Он создает острохарактерные народные типажи (\"Мужик с дурным глазом\", \"Протодиакон\"; обе работы – 1877), многочисленные «антологически»-совершенные образы деятелей культуры (М.П.Мусоргский, 1881; П.А.Стрепетова, 1882; П.М.Третьяков, 1883; в том числе портреты Л.Н.Толстого), грациозные светские портреты (Баронесса В.И.Икскуль фон Гильдебрандт, 1889). Особенно красочно-задушевны образы родных художника: \"Осенний букет (дочь Вера)\", 1892; целый ряд картин с женой Репина Н.И.Нордман-Северовой. Виртуозны и его чисто графические портреты, исполненные графитным карандашом или углем (Э.Дузе, 1891; Княгиня М.К.Тенишева, 1898; В.А.Серов, 1901). Репин проявил себя и как выдающийся педагог: был профессором-руководителем мастерской (1894–1907) и ректором (1898–1899) Академии художеств, одновременно преподавал в школе-мастерской Тенишевой. Старея, художник продолжает удивлять публику. Апогея импрессионистически-живописной свободы – и в то же время психологизма – достигает его живопись в портретных этюдах для \"Государственного Совета\". В загадочной картине \"Какой простор!\" (1903) – с молодой парой, ликующей на обледеневшем берегу Невского залива, – Репин выражает свое отношение к новому поколению в характерной для него манере «любви-вражды». После Октябрьской революции 1917 художник оказывается отъединенным от России в своих «Пенатах», когда Финляндия обретает независимость. В 1922–1925 пишет едва ли не лучшую из своих религиозных картин – проникнутую беспросветным трагизмом \"Голгофу\" (Художественный музей, Принстон, США). Несмотря на приглашения на самом высоком уровне (письмо К.Е.Ворошилова, 1926), он так и не переехал на родину, хотя и поддерживал связи с живущими там друзьями (в частности, с К.И.Чуковским). Репин умер в своих «Пенатах» 29 сентября 1930. Чуковский в 1937 выпустил сборник его мемуаров и статей об искусстве (\"Далекое близкое\"), неоднократно затем переиздававшийся.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Алексей Саврасов
		Россия 1830-1897 пейзаж
Родился в Москве 12 (24) мая 1830 в семье мелкого купца. Подростком писал пейзажные картинки на продажу. С 1844 по 1854 - учился в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1862 и 1867 побывал в Европе; особое впечатления на него произвели горные виды Швейцарии. В 1870-1875 совершал ежегодные творческие поездки на Волгу. Был одним из членов-учредителей \"Товарищества передвижников\". Жил в Москве. Раннее творчество Саврасова (\"Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду\", 1851; \"Вид в окрестностях Ораниенбаума\", 1854) пребывает целиком в рамках романтизма. Постепенно художник приходит к более спокойным, гармонически-ясным по композиции и колориту решениям. Первоочередное значение в его образах получает влажная почва, прописанная с тонким пониманием ее фактуры, и световоздушная среда, органично объединяющая пространственные планы (\"Лосиный остров в Сокольниках\", 1869; \"Лунная ночь. Болото\", 1870). Изначально свойственная Саврасову \"виньеточная\" манера рисунка, сразу выделяющая главные, наиболее запоминающиеся свойства натурного мотива, перерастает в высокое мастерство поэтических обобщений-символов. На Волге в 1871 мастер создает этюды к ряду лучших своих работ (\"Печерский монастырь под Нижним Новгородом\"), в том числе к знаменитой картине \"Грачи прилетели\", ставшей самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Этюдная работа над \"Грачами\" шла в марте, в селе Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, темные избы и старая церквушка на фоне стылых дальних лугов, - все это сплавилось в образе удивительно проникновенном и лирическом. Именно тут \"настроение\" - как особое созерцательное пространство, в котором идет диалог картины со зрителем. Незримо-зримая \"душа\", особое символико-поэтическое настроение животворит и последующие вещи мастера, в том числе его замечательные московские мотивы, покоряющие своей безыскусной простотой (\"Дворик\"), либо контрастом бытовой скудости переднего плана с величавыми далями (\"Сухарева башня\", 1872; \"Вид на Московский Кремль. Весна\", 1873). Виртуозна по передаче почвенной влаги и световой игры облаков картина \"Проселок\" (1873). Помимо картин авторитету Саврасова способствует и его плодотворная педагогическая деятельность: в 1857 он вел пейзажный класс в Московском училище живописи, ваяния и зодчества; среди его учеников были К.А.Коровин и И.И.Левитан. Черты символизма в искусстве Саврасова быстро нарастают, придавая натуре свойства ностальгического видения (\"Могила на Волге\", 1874). Однако в поздний период мастер уходит с большой художественной сцены: страдая алкоголизмом и житейски опустившись, он прозябает в основном за счет копий с прежних своих работ, в том числе \"Грачей\". Умер Саврасов в Москве 26 сентября (8 октября) 1897.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Валентин Серов
		Россия 1865-1911 русский импрессионизм и модерн
одился в Петербурге 7 (19) января 1865 в семье композитора А.Н.Серова и пианистки В.С.Серовой (урожденной Бергман). В 1874–1875 и 1878–1882 брал частные уроки у И.Е.Репина, оказавшего на него особое влияние; посещал также занятия в петербургской Академии художеств (1880–1885). Серов чутко усвоил и опыт современного ему зарубежного искусства, и уроки мастеров Возрождения и барокко (в частности, Д.Веласкеса). Жил в Петербурге и Москве. Много путешествовал по России и Западной Европе, в 1907 посетил Грецию. Наезжал в Абрамцево. Был членом «Товарищества передвижников» и объединения «Мир искусства». Наиболее известные из ранних произведений Серова (\"Девочка с персиками\", 1887; \"Девушка, освещенная солнцем\", 1888) явились – несмотря на непритязательную простоту мотивов – настоящими этапами в истории русского искусства. Присущий манере мастера изысканный колоризм получил развитие у «деревенского» Серова, в его сельских пейзажах и жанрах (\"Заросший пруд. Домотканово\", 1888; \"Зимой\", 1898; \"В деревне. Баба с лошадью\", 1898; \"Стригуны на водопое. Домотканово\", 1904). Впечатление спонтанного, легкого артистизма усиливалось в образах Серова и потому, что он свободно работал в самых различных техниках (акварель, гуашь, пастель), сводя до минимума или вообще на нет различие между этюдом и картиной. Равноправным видом творчества постоянно пребывал у мастера и черно-белый рисунок (самоценность последнего закрепилась в его творчестве с 1895, когда Серов исполнил цикл зарисовок животных, работая над иллюстрированием басен И.А.Крылова). На рубеже XIX-XX вв. Серов становится едва ли не первым портретистом России, если кому-то в этом плане и уступая, то лишь одному Репину. Кажется, что лучше всего ему удаются образы интимно-лирические, женские и детские (\"Н.Я.Дервиз с ребенком\", 1888–1889; \"Мика Морозов\" 1901) либо образы людей творчества (\"А.Мазини\", 1890; \"К.А.Коровин\", 1891; \"Ф.Таманьо\", 1891; Н.А.Лесков, 1894), где красочная импрессия, свободный мазок отражают душевное состояние модели. Но и более официальные, светские портреты органично сочетают тонкий артистизм с не менее тонким даром художника-психолога. Среди шедевров «светского» Серова – \"Граф Ф.Ф.Сумароков-Эльстон\" (позднее – князь Юсупов), 1903; \"Г.Л.Гиршман\", 1907; \"В.О.Гиршман\", 1911; \"И.А.Морозов\", 1910; \"Княгиня О.К.Орлова\", 1911). В 1900 мастер пишет портрет Николая II, официальный и в то же время по-своему «домашний» – император изображен в простой тужурке Преображенского полка; эту картину (уничтоженную в 1917, но сохранившуюся в авторской реплике того же года) зачастую считают лучшим портретом последнего Романова. Впрочем, на первую русскую революцию Серов откликнулся программно-антицаристски (темпера \"Солдатушки, браво ребятушки…\", 1905; и др.). Тем не менее в его творчестве в целом возобладали образы русской истории, исполненные мажорного, а не критического пафоса (иллюстрации к книге Н.И.Кутепова \"Царская и императорская охота на Руси\", с 1900; картина \"Петр I\", 1907). В портретах мастера в эти годы всецело доминирует модерн с его культом сильной и гибкой линии, монументально-броского жеста и позы (\"М.Горький\", 1904; \"М.Н.Ермолова\", 1905; \"Ф.И.Шаляпин\", уголь, мел, 1905; \"Ида Рубинштейн\", темпера, уголь, 1910). Он пишет декоративные картины-панно на античные темы (\"Одиссей и Навзикая\", \"Похищение Европы\";обе – 1910). Своей декоративной экспрессией выделяются и театральные работы художника (оформление оперы \"Юдифь\" А.Н.Серова в Мариинском театре, Петербург, 1907; эскизы занавеса к балету \"Шехеразада\" на музыку Н.А.Римского-Корсакова – для «Русских сезонов» С.П.Дягилева, 1910–1911). Серов оставил о себе благодарную память и как педагог (в 1897–1909 преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его учеников были К.Ф.Юон, Н.Н.Сапунов, П.В.Кузнецов, М.С.Сарьян, К.С.Петров-Водкин). Умер Серов в Москве 22 ноября (5 декабря) 1911.
Статья с сайта http://www.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=27
Вставить (заменить) фото переписать текст

Гвидо Каньяччи
Guido Cagnacci
		Италия 1601 – 1663 Барокко, болонская школа
Родился 19 января 1601 г. в Сантарканджело-ди- Романья около Римини. Обучался живописи в Болонье в 1618-1621 гг., затем в Риме (1621-1622 гг.) у Гверчино и, возможно, у Людовико Каррачи старшего. Другими близкими ему художниками в римский период были Гвидо Рени и Симон Вуэ. С 1627 по 1642 гг. работал в Римини. В 1628 г. неудачно пытался бежать со вдовой–аристократкой Теодорой Стививи, для того, чтобы преодолеть сопротивление её родных их браку. В результате Каньяччи был вынужден на время покинуть город. После возвращения в Римини в 1631 г. в его работах просматривается сильное влияние римских последователей Караваджо. Эксцентричный, не заслуживающий доверия, с сомнительной моралью, любитель провести время в компании моделей, переодетых в одежду противоположного пола – вот некоторые отзывы о нём его современников. В 1650 г. уезжает в Венецию, а в 1658 г. в Вену, где ему покровительствовал император Леопольд I. Умер в Вене в 1663 г. Его ранние картины написаны на религиозные сюжеты. Однако, после возобновления дружбы с Никола Ренье в Венеции, часто рисовал чувственных обнаженных женщин, включая изображения Лукреции, Клеопатры и Марии Магдалины. Работы Каньяччи были непоняты современниками, но в настоящее время критики поменяли их оценку. Его живопись считают тёплой, насыщенной светом, обогащённой игрой тени и красок.
Статья с сайта http://en.wikipedia.org/wiki/Guido_Cagnacci
Вставить(заменить)фото переписать текст

Жюль Бастьен-Лепаж
Jules Bastien-Lepage
		Франция 1848-1884 Реализм, крестьянский жанр
Родился 1 ноября 1848 г. в Данвиллере в Лотарингии. Учился у Александра Кабанеля в Школе изящных искусств в Париже. Его творчество развивалось под влиянием Гюстава Курбе и Ж.Ф.Милле. Участвовал в франко-прусской войне 1870 г., был тяжело ранен. С 1870 г. регулярно выставлялся в Салоне. Впервые обратил на себя внимание критиков как создатель картины «Весенняя песня» (1874 г). В 1875 и 1876 гг. принимал безуспешное участие в конкурсе на Римскую премию. В картине «Сенокос» (1877 г., Лувр) проявил себя как мастер пленэрной живописи. Его девиз - \"в точности передать природу\". В период с 1879 по 1882 гг. ежегодно посещал Лондон. В 1881 г. предпринял путешествие в Венецию, а в 1884 г. - в Алжир. Его очень высоко ценили русские художники –современники – Валентин Серов, Михаил Нестеров. Последний написал \"Видение отроку Варфоломею\" не без влияния \"Видения Жанны д\'Арк\" Бастьен-Лепажа. Впрочем, И. Н. Крамской охарактеризовал его как \"невозможного ломаку\" и \"незавидного живописца\". По мнению Эмиля Золя, творчество Бастьена-Лепажа — это \"импрессионизм, подправленный, подслащенный и приспособленный к вкусам толпы\". Вряд ли эти оценки можно применить к картине «Деревенская любовь» (1882 г., Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина). В последние два года жизни дружил с русской художницей Марией Башкирцевой. Оба были тяжело больны, и Мария ушла из жизни на полтора месяца раньше Жюля. Умер в Париже 10 декабря 1884 г. от рака (по другим сведениям – от чахотки). Похоронен в родной деревне. Его усыпальницу возвёл его брат, архитектор Эмиль Бастьен. На церковном дворе находится бронзовый памятник Бастьена-Лепажа работы Огюста Родена.
Статья с сайта http://www.peoples.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Михаил Филиппович Иванов
		Россия 1869-1930 Реализм
Михаил Филиппович Иванов был учеником И.Е. Репина в Академии художеств (1891—1896 гг.), где получил за свои успехи малую (1892 г.) и большую (1894 г.) серебряные медали. С 1897 г. начал экспонировать свои работы на выставках Академии художеств, Общества русских акварелистов, Товарищества художников-передвижников. Лишь в 1900 г. за картину \"Ответа жду\" получил звание художника. В предреволюционный период изображал, в основном бытовые сцены: \"Рассказ\" (1897 г.), \"У костра\" (1898 г.), \"Портрет\" (1902 г.), \"Родная картина\" (1903 г.), \"Крестьянин чудского племени\" (1904 г.), \"Сирота\" (1905 г.), \"На поле\" (1906 г.), \"На перепутье\" (1908 г.), \"На пчельнике\" (1910 г.), \"Огонек догорает\" (1911 г.), \"Молебен в поле\" (1912 г.), \"Большой колокол. Ипатьевский монастырь\" (1913 г.), \"На пашне\" (1916 г.). После революции занимался оформлением революционных празднеств. Меняется и тематика его картин: \"Дни революции\" (1917 г.), \"Свидание\" (1918 г.), \"Доменная печь\" (1924 г.), \"Лагерь пионеров\" (1926 г.), \"Похороны В.И. Ленина\" (1927 г.), \"Храм дружбы\" (1928 г.), \"Л.Н. Толстой верхом\" (1922 г.), \"Партизаны\" (1930 г.). Сведениями о последних месяцах жизни живописца отсутствуют.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Якоб Коллинз
Jacob Collins
		США р. 1964 Реализм
Родился в артистической семье. В 1987-1988 гг. учился в Академии художеств в Нью-Йорке, в 1988-1989 гг. в школе Альбера Дефуа во Франции. Рисует натюрморты, пейзажи, интерьеры и портреты. С 1990 г. организовал более десяти персональных выставок в Нью-Йорке, Хьюстоне, Торонто, Сан-Франциско.
Статья с сайта http://www.johnpence.com/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Ханс фон Аахен
Hans von Aachen
		Германия, Италия, Чехия 1552-1615 маньеризм
Родился в Кельне в 1552 году. Активно работал в Нидерландах, Италии (1574-1587), и особенно в Праге, где он обосновался в 1596 по приглашению императора Рудольфа II. После смерти Рудольфа (1612) Ханс фон Аахен недолгое время работал придворным живописцем императора Маттиаса. Картины фон Аахена, изображающие изящные, удлиненные фигуры, (также, как и картины его коллеги Бартоломеуса Шпрангера) - являются образцами сложного искусства маньеризма, бывшим тогда ведущим стилем в искусстве Северной Европы. Ханс фон Аахен, как живописец, был особенно искусен в изображении игриво-эротической обнаженной натуры («Торжество Истины и Справедливости», 1598, Старая Пинакотека, Мюнхен). Гравюры, созданные на основе его работ, привели к широкому распространению его стиля в художественных кругах Центральной Европы. Ханс фон Аахен по праву считается одним из самых выдающихся немецких художников своего времени.
Статья с сайта http://smallbay.ru/aachen.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Уильям Блейк
William Blake
		Англия 1757–1827 романтизм
Как художник учился в Лондоне у гравера Дж.Безайра (с 1771), посещал Академию художеств (1778), испытал влияние Дж.Флаксмена. В творчестве Блейка, иллюстрировавшего акварелями и гравюрами собственные стихи («Песни неведения» 1789, «Песни познания» 1794, «Книгу Иова» 1818–1825, «Божественную комедию» Данте 1825–1827 и др.), ярко отразились тенденции романтизма в английском искусстве конца XVIII – 1-й четверти XIX века: тяготение к визионерской фантастике, аллегоризму и мистической символике, обращение к смелой, почти произвольной игре линий, острым композиционным решениям. Блейк отрицает традиционную композицию и перспективу, его изысканные линеарные формы вызывают представление о потустороннем мире. Сам стиль отражает свойственное художнику уникальное мистическое видение мира, в котором сливаются воедино реальность и воображение. Гравер и книжный иллюстратор по профессии, Блейк выразил свой талант в поэзии и поразительных по воздействию мистических и символических картинах. Духовный мир представлялся ему более важным, чем мир материальный, а истинный художник виделся ему пророком, наделенным божественным даром проникновения в сущность вещей. Блейк жил в бедности и умер непризнанным 12 августа 1827 года. В настоящее время Уильяма Блейка по праву считают одним из великих мастеров английского искусства и литературы и одним из наиболее оригинальных живописцев своего времени.
Статья с сайта http://smallbay.ru/blake.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Cандро Боттичелли
Sandro Botticelli
		Италия 1445–1510 Раннее Возрождение
Принадлежал к Флорентийской школе, около 1465–1466 учился у Филиппо Липпи; в 1481–1482 работал в Риме. Ранним работам Боттичелли свойственны ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям (“Поклонение волхвов”, около 1476–1471,). С конца 1470-х годов, после сближения Боттичелли с двором правителей Флоренции Медичи и кругом флорентийских гуманистов, в его творчестве усиливаются черты аристократизма и утонченности, появляются картины на античные и аллегорические темы, в которых чувственные языческие образы проникнуты возвышенной и вместе с тем поэтической, лирической одухотворенностью (“Весна”, около 1477–1478, “Рождение Венеры”, около 1483–1485, – обе в Уффици). Одушевленность ландшафта, хрупкая красота фигур, музыкальность легких, трепетных линий, прозрачность изысканных, словно сотканных из рефлексов красок создают в них атмосферу мечтательности и легкой грусти. В выполненных Боттичелли в 1481–1482 фресках в Сикстинской капелле в Ватикане (“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона” и др.) величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик, свойственной, наряду с поисками тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души, и станковым портретам мастера (портрет Джулиано Медичи, 1470-е, Бергамо; портрет молодого человека с медалью, 1474, галерея Уффици, Флоренция). В 1490-е годы, в эпоху потрясших Флоренцию социальных брожений и мистико-аскетических проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма и религиозной экзальтации (“Клевета”, после 1495, Уффици), однако его рисунки к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека) при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов.
Статья с сайта http://smallbay.ru/bottichelli.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иероним Босх
Hieronymus Bosch
		Нидерланды 1450 – 1516 Раннее Северное Возрождение
Работал главным образом в Хертогенбосе в Северной Фландрии. Один из наиболее ярких мастеров раннего Северного Возрождения , Босх в своих многофигурных композициях, картинах на темы народных поговорок, пословиц и притч (“Искушение Св.Антония”, Национальный музей старинного искусства, Лиссабон; триптихи “Воз сена”, “Сад наслаждений”, “Поклонение волхвов” – все в Прадо, Мадрид; “Корабль дураков”, Лувр) сочетал изощренную средневековую фантастику, порожденные безграничным воображением гротескные демонические образы с фольклорно-сатирическими и нравоучительными тенденциями, с необычными для искусства его эпохи реалистическими новшествами. Поэтические пейзажные фоны, смелые жизненные наблюдения, метко схваченные художником народные типы и бытовые сцены подготовили почву для формирования нидерландского бытового жанра и пейзажа ; тяга к иронии и иносказанию, к воплощению в гротескно-сатирической форме широкой картины народной жизни способствовали становлению творческой манеры П. Брейгеля Старшего. В дальнейшем мир причудливых образов Босха питали фантастически-романтические искания многих художников XIX–XX веков. Стиль Босха уникален и не имеет аналогий в нидерландской живописной традиции. Его творчество совсем не похоже на других художников этого времени, таких как Ян ван Эйк или Рогир ван дер Вейден. Большинство сюжетов картин Босха связано с эпизодами из жизни Христа или святого, противостоящего пороку, или почерпнуты в аллегориях и пословицах о людской глупости. Творчество Босха кажется странно современным: четыре столетия спустя его влияние неожиданно проявилось в движении экспрессионистов и позднее - в сюрреализме.
Статья с сайта http://smallbay.ru/bosch.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Питер Брейгель Старший
Pieter Bruegel the Elder
		Нидерланды около 1525/30–1569 Возрождение
Питер Брейгель Вавилонская башня Брейгель (точнее Брёгел) Старший или “Мужицкий” (Bruegel de Oude, Boeren Brueghel) Питер (около 1525/30–1569), нидерландский живописец и рисовальщик. В 1552-1553 посетил Италию, работал в Антверпене, с 1563 -в Брюсселе. Глава демократического направления в нидерландском искусстве XVI века, Брейгель с громадной силой и полнотой воссоздавал в своем творчестве жизнь, настроения и мироощущение народа в канун Нидерландской буржуазной революции. От сатирических нравоучительных рисунков, изобилующих фантастическими причудливыми персонажами в духе И. Босха, от дробных по композиции, колористически пестрых полотен (“Битва Масленицы и Поста”, 1559, Музей истории искусств, Вена) с середины 1560-х годов Брейгель перешел к созданию несколько более сдержанных по цвету, отмеченных цельностью и монументальностью композиций, обобщенных картин крестьянской жизни. Изображая постоянно движущуюся народную массу, художник раскрывает заключенные в народе мощные жизненные силы, его достоинство и неиссякаемое жизнелюбие (“Крестьянская свадьба”, “Крестьянский танец”, - обе в Музее истории искусств, Вена). Во многих произведениях Брейгеля иносказательно запечатлены бедствия нидерландцев, страдавших под испанским игом (“Избиение младенцев”, Хэмптон-корт, Лондон; “Перепись в Вифлееме”, 1566, Музей старинного искусства, Брюссель). Испанский террор в Нидерландах породил в некоторых картинах Брейгеля настроения отчаяния и скорби, выразившиеся в горьких иносказаниях (“Сорока на виселице”, 1568. Музей земли Гессен, Дармштадт), в фантастических и символических образах, полных глубокого трагизма (“Безумная Грета”, 1562, Музей Майер ван дер Берг, Антверпен; “Слепые”, 1568, Национальные музей и галерея Каподимонте, Неаполь). Обилие фигур и деталей, острота контурного рисунка, яркая выразительность образов, звучность локальных цветовых пятен (в изображении фигур) сочетаются в творчестве Брейгеля с пространственной широтой композиции, с тончайшим ощущением тонального единства. Брейгель заложил основы развития национального нидерландского пейзажа. Творчески переработав уроки итальянской живописи эпохи Высокого Возрождения и одновременно черпая многие свои темы из народных пословиц и притч, лубочных гравюр и листовок, он создавал глубоко народное искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор. В его творчестве органично сплавились грубоватый народный юмор и сложное иносказание, лиризм и трагичность, острая наблюдательность и фантастический гротеск, интерес к бытовым деталям, подробной повествовательности и стремление к широкому обобщению, к созданию гармоничной картины мира.
Статья с сайта http://smallbay.ru/bruegel.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Диего Веласкес
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
		Испания 1599 – 1660 барокко
Учился в Севилье у Ф. де Эрреры Старшего и Ф.Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье. Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни “бодегонес” (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (“Завтрак”, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Водонос”, около 1620, Музей Уэллингтона, Лондон). Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче особенностей натуры сближают живопись Веласкеса севильского периода с караваджизмом. В 1623 Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с П.П.Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства. Художник проницательнее вглядывался в мир, порывал с присущими искусству его времени условностями, искал пути к созданию полотен широкого обобщающего смысла. В картинах “Вакх” (“Пьяницы”, до 1630) и “Кузница Вулкана” (1630; обе – в Прадо, Мадрид) он объединил мифологические образы с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными характерами. На формирование Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634–1635, Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов. В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица. В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы. Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения.
Статья с сайта http://smallbay.ru/velasquez.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Альбрехт Дюрер
Albrecht Dürer
		Германия 1471–1528 Возрождение
Дюрер (Durer) Альбрехт (1471–1528), немецкий живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства. Основоположник искусства немецкого Возрождения, Дюрер учился ювелирному делу у своего отца, выходца из Венгрии, живописи – в мастерской нюрнбергского художника М.Вольгемута (1486–1489), у которого воспринял принципы нидерландского и немецкого позднеготического искусства, ознакомился с рисунками и гравюрами мастеров раннего итальянского Возрождения (в том числе А.Мантеньи). В эти же годы Дюрер испытал сильное влияние М.Шонгауэра. В 1490–1494, во время обязательных для цехового подмастерья странствий по Рейну, Дюрер выполнил несколько станковых гравюр в духе поздней готики, иллюстрации к “Кораблю дураков” С.Бранта и др. Воздействие на Дюрера гуманистических учений, усилившееся в результате его первой поездки в Италию (1494–1495), проявилось в стремлении художника к овладению научными методами познания мира, к углубленному изучению натуры, в которой его внимание привлекали как самые, казалось бы, незначительные явления (“Куст травы”, 1503, собрание Альбертина, Вена), так и сложные проблемы связи в природе цвета и световоздушной среды (“Домик у пруда”, акварель, около 1495–1497, Британский музей, Лондон). Новое ренессансное понимание личности Дюрер утверждал в портретах этого периода (автопортрет, 1498, Прадо). Настроения предреформационной эпохи, кануна мощных социальных и религиозных битв он выразил в серии гравюр на дереве “Апокалипсис” (1498), в художественном языке которой органично слились приемы немецкого позднеготического и итальянского ренессансного искусства. Второе путешествие в Италию (1505–1507) еще более укрепило стремление Дюрера к ясности образов, упорядоченности композиционных построений (“Праздник четок”, 1506, Национальная галерея, Прага; “Портрет молодой женщины”, Музей искусств, Вена), внимательному изучению пропорций обнаженного человеческого тела (“Адам и Ева”, 1507, Прадо, Мадрид). При этом Дюрер не утратил (особенно в графике) зоркости наблюдения, предметной выразительности, жизненности и экспрессивности образов, свойственных искусству поздней готики(циклы гравюр на дереве “Большие Страсти”, около 1497–1511, “Жизнь Марии”, около 1502–1511, “Малые Страсти”, 1509–1511). Изумительная точность графического языка, тончайшая разработка световоздушных отношений, ясность линии и объема, сложнейшая философская подоснова содержания отличают три “мастерские гравюры” на меди: “Всадник, смерть и дьявол” (1513) - образ непоколебимого следования долгу, стойкости перед испытаниями судьбы; “Меланхолия” (1514) - воплощение внутренней конфликтности мятущегося творческого духа человека; “Св.Иероним” (1514) - прославление гуманистической пытливой исследовательской мысли. К этому времени Дюрер завоевал почетное положение в родном Нюрнберге, получил известность за рубежом, особенно в Италии и Нидерландах (куда совершил поездку в 1520–1521). Он дружил с виднейшими гуманистами Европы. Среди его заказчиков были богатые бюргеры, германские князья и сам император Максимилиан I, для которого он в числе других крупных немецких художников исполнил рисунки пером к молитвеннику (1515). В серии портретов 1520-х годов (Я.Муффеля, 1526, И. Хольцшуэра, 1526, – оба в картинной галерее, Берлин-Далем, и др.) Дюрер воссоздал тип человека ренессансной эпохи, проникнутого гордым сознанием самоценности собственной личности, заряженного напряженной духовной энергией и практической целеустремленностью. Дюрер революционизировал североевропейское искусство, объединив опыт нидерландской и итальянской живописи. Многосторонность устремлений проявилась и в теоретических трудах Дюрера (“Руководство к измерению...”, 1525; “Четыре книги о пропорциях человека”, 1528). Художественные искания Дюрера завершила картина “Четыре апостола” (1526, Старая пинакотека, Мюнхен), в которой воплощены четыре характера-темперамента людей, связанных общим гуманистическим идеалом независимой мысли, силы воли, стойкости в борьбе за справедливость и истину.
Статья с сайта http://smallbay.ru/durer.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жак-Луи Давид
Jacques-Louis David
		Франция 1748–1825 классицизм
Учился в Королевской академии живописи и скульптуры у исторического живописца Ж.М.Вьена (1766–1774), в 1775–1780 изучал античное искусство в Риме. В 1780–1790-е годы Давид стал основоположником и признанным лидером так называемого революционного классицизма – направления во французском искусстве, воспринявшего у рационалистической просветительской философии XVIII века культ разума и естественного чувства, выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества и гражданские добродетели. Для произведений Давида 1780-х годов характерны публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы предреволюционной эпохи через образы античной истории (“Смерть Сократа”, 1787, Метрополитен-музей; “Ликторы приносят Бруту тела его сыновей”, 1789, Лувр, Париж). Возвышенность замысла, сценическая торжественность образного строя, чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим особенно ярко воплотились в картине “Клятва Горациев” (1784, Лувр, Париж), воспринятой обществом как призыв к революционной борьбе. Классицистические представления о волевом и деятельном начале как сущностном ядре человеческой личности отразились в портретах Давида этого периода (“Портрет А.Леруа”, 1783, Лувр, Париж). Воодушевленный событиями Великой французской революции, Давид стремился к созданию исторической картины на современную тему (“Клятва в зале для игры в мяч”, 1791, не закончена, центральная часть в Национальном музее Версаля и Трианонов). Черты портрета и исторической картины совмещены в картинах “Убитый Лепелетье” (1793, не сохранилась, известна по гравюрам) и особенно “Смерть Марата” (1793, Музей современного искусства, Брюссель) с их трагическим звучанием, простотой и лаконизмом композиции, суровой сдержанностью цвета и скульптурной монументальностью форм. Давид был активным деятелем революции, членом Конвента, организовывал массовые народные революционные празднества в Париже, создал Национальный музей в Лувре.
Статья с сайта http://smallbay.ru/david.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Эжен Делакруа
Eugène Delacroix
		Франция 1798–1863 романтизм
В 1816–1822 учился в Париже в мастерской классициста П.Н.Герена, где сблизился с Т.Жерико; изучал в Лувре живопись старых мастеров (особенно П.П.Рубенса), увлекался современной английской живописью, в первую очередь работами Дж.Констебла. Делакруа посетил Великобританию (1825), Алжир (1831–1832), Марокко, Испанию, Бельгию. Уже в ранний период творчества ощущение сопричастности великим, изменяющим лицо мира историческим событиям породило пафос и драматический накал произведений Делакруа, сделало его в дальнейшем ярчайшим выразителем и главой романтизма во французском изобразительном искусстве. Художник предпочитал сюжеты, исполненные драматизма и внутренней напряженности (“Казнь дожа Марино Фальеро”, 1826, собрание Уоллес, Лондон; “Смерть Сарданапала”, 1827, Лувр, Париж). Он нередко черпал мотивы в произведениях У.Шекспира, И.В.Гёте, Дж.Байрона, В.Скотта, обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории (“Битва при Пуатье”, 1830, Лувр, Париж). Органический синтез героической действительности и символики, прекрасной романтической мечты о свободе достигнут им в картине “Свобода, ведущая народ”, 1830, Лувр, Париж), изображающей реальных участников революции 1830 года рядом с аллегорической фигурой Свободы. После путешествия в Северную Африку Делакруа по многочисленным наброскам и зарисовкам с натуры исполнил ряд картин, отмеченных не только романтической красочностью и интересом к восточной экзотике, но и воссозданием своеобразия национального быта, нравов и характеров. Делакруа работал также в области психологического портрета (“Ф.Шопен”, 1838, Лувр, Париж) и монументальной живописи (росписи Бурбонского дворца в Париже, 1833–1847; зала Мира в Парижской ратуше, около 1851–1853, не сохранились). Высокие декоративные качества, свободный полет фантазии, живописный размах, но вместе с тем и черты несколько преувеличенной, театрализованной патетики присущи картинам Делакруа на исторические, мифологические, религиозные темы (“Взятие крестоносцами Константинополя” 1840-1841, Лувр, Париж; “Битва Св.Георгия с драконом”, около 1854, Музей изящных искусств, Гренобль). Страстное, взволнованное искусство Делакруа потребовало новых выразительных средств: цвет в его произведениях приобретает активную эмоциональную выразительность, подчеркнутую богатством рефлексов , контрасты дополнительных тонов словно воспламеняют красочный слой, созданный темпераментным движением кисти. Живописной фактуре, предвосхищающей открытия импрессионизма , созвучны свободная, пронизанная динамическими ритмами композиция, энергичный и экспрессивный рисунок.
Статья с сайта http://smallbay.ru/delacroix.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Вячеслав Григорьевич Шварц
		Россия 1838 -1869 реализм
Сын боевого генерала Вячеслав Григорьевич Шварц был исключительно одаренным человеком. Общее среднее образование он получил в Александровском (бывшем Царскосельском) лицее, где за все годы обучения (1853—1859) шел первым учеником. Там же у него проснулась страсть к рисованию, которую он утихомиривал, рисуя пером все и всех, в том числе проделывая это с большим успехом на обычных уроках. После Лицея В. Шварц успешно сочетает учебу на историко-филологическом факультете Петербургского университа с посещением Академии художеств, где берет уроки батальной живописи у известного профессора Б.П. Виллевальде (1859—1863). Его рисунки пером приносят ему серебряные медали Академии. Особенно удался В. Шварцу рисунок углем на картоне «Иоанн Грозный у тела убитого им сына» (1861), где персонажи изображены в натуральную величину. В последствии именно шварцевский Иван Грозный служил прототипом для большинства живописцев, изображавших русского царя. Видимо, осознав, что живопись является его основным призванием, В. Шварц стажируется в течение нескольких месяцев в Германии, где осваивает работу масляными красками. В 1864 году он выполняет живописный вариант своего картона Иоанн Грозный.., правда, в несравненно меньших, чем картон, размерах, получает за картину очередную серебряную медаль и звание классного художника. Далее последовала блестящая серия работ на сюжеты из русской истории, звание академика (1865) и действительного члена Русского археологического общества (1867). Менее чем за девять лет занятий изобразительным искусством В.Г. Шварц стал фактически родоначальником новейшей русской исторической живописи. В 1868 году художник был избран предводителем дворянства Щигровского уезда Курской губернии. Его работа отличалась редкой самоотдачей и участием в решении дел своих земляков. Ранняя смерть вызвала искреннее сожаление всех знавших В.Г. Шварца как замечательного живописца, рисовальщика, человека и гражданина.
Статья с сайта http://lj.rossia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Якоб Йорданс
Jacob Jordaens
		Бельгия 1593 - 1678 Барокко
Третий после Рубенса и Ван Дейка крупнейший живописец Фландрии XVII века Якоб Йорданс, сын зажиточного антверпенского купца, почти безвыездно провел жизнь в родном городе. Он создал множество крупномасштабных картин и монументальных росписей, обращался к религиозным, мифологическим, жанровым сценам, портрету, прославился превосходными акварелями. При огромном объеме работ творчество Йорданса целостно и на протяжении долгих лет отмечено присущими только ему особенностями. Йорданса часто называют самым «фламандским» художником. Йорданс неизменно стремился к реальному и конкретному, его передача сюжетов достоверна и обстоятельна, крепкие, простодушные персонажи, как правило, написаны с натуры и часто изображены в бытовом окружении. Вместе с тем его картины лишены будничного прозаизма, они праздничны, зрелищны и декоративны. Йорданс учился у Адама ван Норта (в прошлом учителя Рубенса) и женился на его дочери. Признание скоро пришло к молодому художнику. В 1615 году он стал членом гильдии антверпенских живописцев, а в 1621 году был избран ее деканом. Йорданс не работал в мастерской Рубенса и стал его помощником значительно позже. Тем не менее он сразу же был вовлечен в орбиту влияния великого мастера. Йорданса с Рубенсом сближало оптимистическое чувственное мироощущение, но в отличие от последнего Йорданс не обладал такой силой художественного обобщения, таким героизмом образов и столь неисчерпаемой фантазией. Его искусство в значительной мере однопланово. Йорданс теснее других был связан с миром национальной культуры. Из современных итальянских мастеров он более всего ценил Караваджо, с искусством которого познакомился через вторые руки фламандских караваджистов. Влияние караваджизма сказалось в его ранних работах, в которых преобладают ночные сцены, простонародные типы, плотная манера живописи. Йордансом был создан особый тип композиции, где представленные в натуральную величину фигуры выдвинуты на передний план и занимают всю поверхность картины, лишенной пространственной глубины; низкий горизонт усиливает впечатление грузности тел и предметов. Эти приемы, возможно, были связаны с работой мастера над картонами для шпалер с их особенностями построения композиции и пространства. Самые известные, оригинальные и яркие произведения Йорданса связаны с жанровыми темами. Он хорошо знал народные пословицы, поговорки, старые басни, черпал из них сюжеты, неоднократно обращался к любимым образам.
Статья с сайта http://lj.rossia.org/users/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Франс Хальс
Frans Hals
		Голландия 1580 -1666 Барокко
Хальс родился в Антверпене, в семье голландского ткача, который с семьей в 1591 году вернулся на родину. Халс учился живописи у Карела ван Мандера в Харлеме, где затем почти безвыездно жил и работал. Халс пользовался огромной прижизненной славой, но умер в бедности Живописец героической поры Голландии, Франс Хальс принадлежал к тому поколению, руками которого было построено независимое голландское государство. С его именем связан расцвет национальной живописи. Наряду с Рембрандтом и Веласкесом, Хальс — великий мастер европейского портрета. Его произведения отличаются смелой новизной, могучим жизнелюбием. Как ни один другой живописец Франс Хальс владел секретом передачи озаряющей лицо живой улыбки, мгновенного жеста, непринужденной позы. Изображал ли художник низы общества, нищих рыбаков, озорных мальчишек, молодцеватых голландских офицеров или писал заказные портреты преуспевающей буржуазии, везде он следовал жизненной правде в раскрытии естественной сущности человека, его характера и эмоций. Хальса особенно привлекали активные жизнерадостные натуры, полные неуемной энергии. Он любил запечатлевать портретируемых в действии, в движении, в конкретной жизненной ситуации. Сама поверхность его холстов пронизана движением и трепетом красочных мазков. По словам французского художника и писателя Эжена Фромантена, «мастерство Хальса несравненно, он это знает и любит, чтобы другие видели это». С годами портреты Хальса становятся строже и сдержаннее, в более сложной и глубокой психологической характеристике появляется оттенок иронии. Художник раскрывает в людях такие стороны, которые, возможно, он не замечал раньше. Из его творчества постепенно исчезают образы детей, музыка, праздничное настроение. Поздние произведения Хальса — вершина его творческого пути; разносторонние по характеристике портреты подчас беспощадно раскрывают в моделях то самовлюбленное высокомерие, то холодный цинизм, то душевную незащищенность. Живописная манера Хальса меняется, развивается в сторону тональной гармонии, изысканного сочетания черного с серебристо-серым; сам черный тон насыщается богатством оттенков от угольного до жемчужно-серого. Особую звучность приобретают вспышки белых, розоватых и красных цветовых пятен. Легкие, размашистые, небрежные мазки, словно сдвинутые со своего места, идущие в разных направлениях свободно лепят пластическую форму. Недаром, в последствии Хальс стал кумиром импрессионистов. Влияние его на современников и учеников было огромным в портрете, бытовом жанре, в развитии принципов колоризма.
Статья с сайта http://lj.rossia.org/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Владимир Маковский
		Россия 1846-1920 Жанровая живопись
Родился в Москве 26 января (7 февраля) 1846 в семье Е.И.Маковского, бухгалтера и художника-любителя, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Брат К.Е.Маковского. Еще мальчиком занимался живописью под руководством В.А.Тропинина. В 1861 поступил в основанное отцом училище, где одним из его наставников был С.К.Зарянко. Был членом \"Товарищества передвижников\". До 1894 жил в Москве, а затем в Петербурге. Жанровые картины Владимира Маковского принадлежат к числу наиболее типических, хрестоматийных образцов искусства \"передвижников\". Его ранние, гладко написанные, небольшие по формату композиции добродушно-анекдотичны, посвящены заботам и нехитрым радостям \"маленького человека\". Таковы \"Любители соловьиного пения\" (1872-1873, ГТГ). Со временем в его жанровом романтизме все явственней проступает тема \"униженных и оскорбленных\" (\"Посещение бедных\", 1874, ГТГ). Все свободней, импрессионистичней становится его кисть, все тоньше мастерство \"режиссера\". Лучшие свои вещи Маковский написал в 1880-1890-х годах: это и острые социальные драмы (\"Крах банка\", 1881), и минорные городские новеллы (\"Свидание\", 1883; \"На бульваре\", 1886-1887), и задушевно-лирические сценки (\"Объяснение\", 1889-1891; все - в ГТГ). Целый ряд произведений художник посвятил \"новым людям\", быту и борьбе революционеров (\"Вечеринка\", 1875-1897, там же; \"Осужденный\", 1879, ГРМ; \"Оправданная\", 1882, ГТГ; \"Допрос революционерки\", 1904, Музей революции, Москва). Наиболее социально-эпатажные из его вещей иной раз запрещались цензурой (подобно картине \"Ходынка. Ваганьковское кладбище\", 1896-1901, Музей политической истории, Петербург). Совершив в 1896 поездку на Волгу, написал цикл образов народного дна, близких \"босяцким\" темам молодого М.Горького. Успешно выступал также как портретист, книжно-журнальный иллюстратор и педагог (с 1882 преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества, а затем в Академии художеств). Умер Маковский в Ленинграде 21 февраля 1920.
Статья с сайта http://www.picture.art-catalog.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст