Загружается информация...

Леонардо да Винчи
Leonardo da Vinci
		Италия 1452-1519 стиль Высокого Возрождения
Величайший деятель, многогранный гений эпохи Возрождения, основатель Высокого Возрождения. Известен, как художник, ученый, инженер и изобретатель. Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 в местечке близ города Винчи, расположенном недалеко от Флоренции. Его отцом был Пьеро да Винчи, нотариус, происходивший из известной семьи города Винчи. Матерью была по одной версии крестьянка, по другой – хозяйка таверны, известная под именем Катерина. Примерно в возрасте 4,5 лет Леонардо взяли в дом отца, и в документах того времени он назван незаконным сыном Пьеро. В 1469 он поступает в мастерскую знаменитого художника, скульптора и ювелира Андреа дель Верроккио (1435/36–1488). Здесь Леонардо прошел весь путь ученичества: от растирания красок до работы подмастерья. Согласно рассказам современников, он написал левую фигуру ангела в картине Верроккио Крещение (ок. 1476, Галерея Уффици, Флоренция), чем сразу обратил на себя внимание. Естественность движения, плавность линий, мягкость светотени – отличает фигуру ангела от более жесткого письма Верроккио. Леонардо жил в доме мастера и после того, как в 1472 был принят в гильдию Святого Луки, гильдию живописцев. Один из немногих датированных рисунков Леонардо был создан в августе 1473. Вид долины Арно с высоты был выполнен пером быстрыми штрихами, передавая колебания света, воздуха, что говорит о том, что рисунок сделан с натуры (Галерея Уффици, Флоренция). Между 1476 и 1478 Леонардо открывает свою мастерскую. К этому периоду относится Мадонна с цветком, т.н. Мадонна Бенуа (ок. 1478, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). К ранним работам относится и незавершенная картина Поклонение волхвов (1481–1482, Галерея Уффици, Флоренция). В 1482 Леонардо уезжает в Милан, богатейший город того времени, под покровительство Лодовико Сфорца (1452–1508), который содержал армию, тратил огромные средства на проведения пышных празднеств, покупку произведений искусств. Представляя себя своему будущему покровителю, Леонардо говорит о себе, как о музыканте, военном эксперте, изобретателе оружия, военных колесниц, машин, и лишь потом говорит о себе, как о художнике. В Милане Леонардо жил до 1498, и этот период его жизни был самым плодотворным. Первый заказ, полученный Леонардо, был создание конной статуи в честь Франческо Сфорца (1401–1466), отца Лодовико Сфорца. Работая над ним 16 лет, Леонардо создал множество рисунков, а также восьмиметровую глиняную модель. Стремясь превзойти все существующие конные статуи, Леонардо хотел сделать грандиозную по величине скульптуру, показать вставшего на дыбы коня. Но столкнувшись с техническими трудностями, Леонардо изменил замысел и решил изобразить шагающего коня. В ноябре 1493 модель Коня без всадника была выставлена на всеобщее обозрение, и именно это событие сделало Леонардо да Винчи знаменитым. Для отливки скульптуры требовалось около 90 тонн бронзы. Начавшийся сбор металла был прерван, и конная статуя так и не была отлита. В 1499 Милан был захвачен французами, которые использовали скульптуру как мишень. Через некоторое время она разрушилась. При дворе Сфорца Леонардо работал и как художник-декоратор для многих празднеств, создавая невиданные доселе декорации и механизмы, делал костюмы для аллегорических фигур. Еще одна уникальная работа была создана Леонардо в одном из залов дворца Сфорца, которая называется Ослиной. На сводах и стенах этого зала он написал кроны ив, чьи ветви затейливо переплетаются, обвязаны декоративными веревками. Впоследствии часть красочного слоя осыпалась, но значительная часть сохранилась и реставрирована. В 1495 Леонардо приступил к работе над Тайной вечерей (площадь 4,5 × 8,6 м). Фреска расположена на стене трапезной доминиканского монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане, на высоте 3 м от пола и занимает всю торцовую стену помещения. Создание Тайной вечери стало заметным событием в художественной жизни Италии того времени. Как истинный новатор и экспериментатор, Леонардо отказался от техники фрески. Он покрыл стену специальным составом из смолы и мастики, и писал темперой. Эти эксперименты привели к величайшей трагедии: трапезная, которая была наскоро отремонтирована по приказу Сфорца, живописные нововведения Леонардо, низина, в которой находилась трапезная, – все это сослужило печальную службу сохранности Тайной вечери. Работая над фреской три года, Леонардо создал величайшее творение эпохи Возрождения. После падения власти Сфорца в 1499 Леонардо едет во Флоренцию, заезжая по пути в Мантую и Венецию. В Мантуе он создает картон с Портретом Изабеллы д\'\'Эсте (1500, Лувр, Париж), выполненный черным мелком, углем и пастелью. Весной 1500 Леонардо приезжает во Флоренцию, где вскоре получает заказ на написание алтарной картины в монастыре Благовещения. Заказ так и не был выполнен. Один из значительных заказов, полученных Леонардо в 1502 для украшения стены зала заседаний Синьории во Флоренции, был Битва при Ангиари (не сохранился). Другая стена для оформления была отдана Микеланджело Буонарроти (1475–1564), который написал там картину Битва при Кашине. Эскизы Леонардо, ныне утраченные, показывали панораму битвы, в центре которой происходила схватка за знамя. Картоны Леонардо и Микеланджело, выставленные в 1505, имели грандиозный успех. В 1506 Леонардо получает приглашение в Милан от Людовика XII Французского (1462-1515). Предоставив Леонардо полную свободу действий, исправно платя ему, новые покровители не требовали от него определенных работ. Леонардо увлекается научными изысканиями, иногда обращаясь к живописи. В 1513 Леонардо едет в Рим, в Ватикан, ко двору папы Льва X (1513–1521), но вскоре теряет благосклонность папы. Он изучает растения в ботаническом саду, составляет планы по осушению Понтинских болот, пишет заметки к трактату об устройстве человеческого голоса. Вновь Леонардо поступает предложение от французского короля, на сей раз от Франциска I (1494–1547), преемника Людовика XII: перебраться во Францию, в усадьбу недалеко от королевского замка Амбуаз. В 1516 или 1517 Леонардо прибывает во Францию, где ему отводят апартаменты в усадьбе Клу. Окруженный почтительным восхищением короля, он получает титул «Первый художник, инженер и архитектор короля». Леонардо, несмотря на возраст и болезнь, занимается прорисовками каналов в долине реки Луары, принимает участие в подготовке придворных празднеств. Леонардо да Винчи умер 2 мая 1519, оставив по завещанию свои рисунки и бумаги Франческо Мельци, ученику, который хранил их всю свою жизнь. Но после его смерти все бесчисленные бумаги разошлись по всему миру, часть утеряна, часть хранится в разных городах, в музеях мира. Ученый по призванию Леонардо даже сейчас поражает широтой и разнообразием своих научных интересов. Уникальны его исследования в области конструирования летательных аппаратов. Он изучал полет, планирование птиц, строение их крыльев, и создал т.н. орнитоптер, летательный аппарат с машущими крыльями, так и неосуществленный. Создал пирамидальный парашют, модель спирального пропеллера (вариант современного пропеллера). Наблюдая за природой, он стал знатоком в области ботаники: он первым описал законы филлотаксии (законы, управляющие расположением листьев на стебле), гелиотропизма и геотропизма (законы влияния солнца и гравитации на растения), открыл способ определения возраста деревьев по годовым кольцам. Он был знатоком в области анатомии: первым описал клапан правого желудочка сердца, демонстрировал анатомирование и др. Он создал систему рисунков, которые и сейчас помогают студентам понять строение человеческого тела: показывал объект в четырех видах, чтобы осмотреть его со всех сторон, создал систему изображения органов и тел в поперечном разрезе. Интересны его исследования в области геологии: дал описания осадочных пород, объяснения морских отложений в горах Италии. Как ученый-оптик, он знал, что зрительные образы на роговице глаза проецируются в перевернутом виде, был изобретателем камеры-обскура, которая использовалась пейзажистами 18 в. для точного воспроизведения видов. В рисунках Леонардо есть проект инструмента для измерения интенсивности света, фотометр, воплощенный в жизнь лишь три века спустя. Он конструировал каналы, шлюзы, плотины. Среди его идей можно видеть: легкие башмаки для хождения по воде, спасательный круг, перепончатые перчатки для плавания, прибор для подводного перемещения, схожий с современным скафандром, машины для производства веревки, шлифовальные машины и многое другое. Общаясь с математиком Лукой Пачоли, который написал учебник О Божественной пропорции, Леонардо увлекся этой наукой и создал иллюстрации к этому учебнику. Леонардо выступал и как архитектор, но ни один из его проектов так и не был воплощен в жизнь. Он участвовал в конкурсе на проект центрального купола Миланского собора, создал проект мавзолея для членов королевской семьи в египетском стиле, проект, предложенный им турецкому султану, по возведению через пролив Босфор огромного моста, под которым могли бы проходить суда. В Милане Леонардо начинает писать Трактат о живописи, работа над которым продолжалась всю жизнь, но так и не была закончена. В этом многотомном справочнике Леонардо писал о том, как воссоздать на полотне окружающий мир, о линейной и воздушной перспективе, пропорциях, анатомии, геометрии, механике, оптике, о взаимодействии цветов, рефлексах. Жизнь и творчество Леонардо да Винчи оставило колоссальный след не только в искусстве, но и в науке и технике. Живописец, скульптор, архитектор – он был естествоиспытателем, механиком, инженером, математиком, сделал много открытий для последующих поколений. Это была величайшая личность эпохи Возрождения.
Статья с сайта
Вставить (заменить) фото переписать текст

Данте Габриэль Россетти
Dante Gabriyel Rossetti
		Англия 12 мая 1828 Лондон – 9 апреля 1882 Берчингтон, Кент прерафаэлит
Данте Габриэль Россетти родился в мелкобуржуазной интеллигентской семье итальянского политического эмигранта, поэта и ученого, где все занимались литературой. Россетти провел почти всю свою жизнь в Лондоне, покидая Великобритании всего три раза на короткие сроки. Хотя его работы выполнены, как считают искусствоведы, в итальянских традициях, Россетти никогда не посещал Италию. В семье царил культ Данте, именно в его честь и было дано имя первому сыну. Семья и друзья называли его Габриэль, но в публикациях первых стихов он поставил имя Данте, с этим именем и вошел в историю. Его отец издал \"Аналитический комментарий к \"Божественной комедии\", свою страсть к этому произведению и его автору он передал детям Сам Данте Габриэль уже в пять лет сочинил драму, в 13 - драматическую повесть, в 15 - его произведения уже печатают. Россетти перевел на английский язык \"Новую жизнь\" Данте, иллюстрировал эту поэму и неоднократно обращался к ней в своем творчестве - главной его темой была бессмертная любовь. С девятилетнего возраста, с 1837 по 1842 г.г., Данте Габриэль обучался в Королевском колледже в Лондоне, а затем в различных лондонских художественных академиях. Хотя до конца своих дней Данте Габриэль оставался до известной степени дилетантом в области живописи. Законченного художественного образования он так и не получил Разносторонне одаренный, по-итальянски темпераментный и по-английски мечтательный, Россетти уже в 18-летнем возрасте стал главой \"Братства прерафаэлитов\", которые были по своей сути романтиками. В 1848 году, на выставке Королевской Академии художеств, Россетти знакомится с Уильямом Холманом Хантом. Хант поднатаскал Россети в технике масляной живописи, когда они работали в общей мастерской над первыми \"прерафаэлитскими\" картинами, он же знакомит Россетти с Дж. Э. Миллесом. Вместе они основывают \"Братство прерафаэлитов\". Существует версия, что решение организовать братство пришло Ханту Миллесу и Россети, когда в октябре 1848 года они познакомились с гравюрами Карло Лазинио фресок собора Санто Кампо в Пизе. 31 декабря 1848 состоялось первое официальное заседание PRB. Хант, Миллес и Россетти сознательно бросили вызов общепринятым взглядам. Название \"прерафаэлитов\" должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения и такое же, как у последних, благоговейное следование природе. Кроме трех вышеназванных «основателей» в братство входили брат Россети – Вилльям ( он выступал в качестве секретаря, а позднее историка группы), Джон-Эверетт Миллес, скульптор Вульнер Коллинс. Большое впечатление на прерафаэлитов произвело творчество вновь открытого ими Блейка. Именно Россетти обнаружил в 1847 году в библиотеке Британского музея в Лондоне литографии уже забытого к тому времени современниками художника и поэта. Эстетическое кредо и художественная практика прерафаэлитов сначала вызвали бешеный отпор ортодоксально мыслящих, и только вмешательство выдающегося искусствоведа и публициста Джона Рёскина (1819—1900), чьи два открытых письма в защиту прерафаэлитов были напечатаны в «Таймс», склонило общественное мнение в их пользу. Хотя Россетти зарабатывал на жизнь живописью, более всего он известен как поэт. Впрочем, поэзия и живопись в его творчестве дополняют друг друга: самые известные его полотна вдохновлены литературой, тогда как лучшие стихи отличает изобразительность. Самые значительные свои произведения Россетти создал в 1850-е - в начале 1860-х. Под влиянием Уильяма Блейка, его поэзии и мистической живописи, Россетти сумел создать свой особый стиль, символический, декоративный, полный мистических отголосков. Оригинальную композицию Россетти строит на сочетании нескольких крупномасштабных фигур переднего плана, увеличивая размеры полотен, чтобы уместить человеческие фигуры и предметы в их натуральную величину. Множество предметов и образов составляют фон картины. Детали и персонажи полны глубоко подтекста, скрытого смысла, что предвещает европейский символизм. В конце 1860-х годов Россетти возвращается к живописи маслом. Тяжелым оказался для художника 1869 год. Летом его друг, поэт Белл Скотт вообще боялся, что Россетти покончит жизнь самоубийством. К этому времени Данте Габриэль Россетти окончательно зависел от алкоголя и наркотических препаратов. Его эмоциональное состояние оставляло желать лучшего. Неожиданно для всех он решил, что не хочет больше оставаться художником, и снова начал писать стихи. Поздние годы Россетти отмечены все более болезненным настроением, он жил жизнью затворника, страдал манией преследования и какое-то время считался безумным. Рядом с ним оставалась только Фанни Корнфорт – его экономка, натурщица и любовница. Несмотря на болезни, Россетти продолжал работать и писать, у него было много последователей, как в художественном искусстве, так и в поэзии. Весной 1881 года Россетти пишет сонет «Царь Александр Второй» на убийство русского монарха 13 марта. В декабре художник возвращается в Лондон, где его разбивает паралич. Восстановление организма он проводит во встречах с друзьями – Стефенса, Медокс Брауна, Берн-Джонса и др. В январе 1882 он принимает предложение Джона Седдона отдохнуть в его имении Бирчингтон. В марте Россетти даже пытается завершить картину «Прозерпина» и очередную балладу. Умирает Россетти от почечной недостаточности в пасхальное воскресенье 9 апреля 1882 в доме друга в Берчингтоне, графство Кент, куда он приехал в еще одной попытке восстановить свое здоровье. Творчество Россетти оказало огромное влияние на многих английских художников конца XIX - начала ХХ века. Многочисленные подражатели и ученики составляют, так называемую, \"традицию Россетти\", которая в истории искусства еще известна под названием \"россетизм\".
Статья с сайта http://Материалы из ВИКИПЕДИИ и сайтов:
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джон Сингер Сарджент
John Singer Sargent
		CША 12 января 1856, Флоренция – 15 апреля 1925, Лондон импрессионизм
Американский художник, двоюродный брат известного ботаника Чарльза Сарджента, один из наиболее успешных живописцев «прекрасной эпохи». Сын врача, учился в Италии, Германии и Франции где его наставником в 1874-1878 был Эмиль Огюст Каролюс-Дюран. Ранние работы художника высоко оценил Генри Джеймс. Во Франции Сарджент сблизился с импрессионистами, теснее всего - с Клодом Моне (известна картина Сарджента Клод Моне, работающий на опушке леса). Также дружил c Робером де Монтескью, Полем Эллё. По большей части жил во Франции и Великобритании, много путешествовал по Европе, Северной Африке, Ближнему Востоку, часто бывал в Италии, не раз приезжал в США. Сарджент - один из первых американских апатридов, художников-космополитов в Европе, денди образца Fin de siècle. Его нередко причисляют к импрессионистам, хотя образцами для него всегда оставались Веласкес, Гейнсборо, Ван Дейк (Роден даже назвал его, не без иронии, Ван Дейком нашего времени). Наиболее известен своими портретами, среди моделей которых были натурщицы Розина Феррара, Кармела Бертанья, Вирджини Готро (Мадам Х), актрисы Эллен Терри и Элеонора Дузе, писательница Жюдит Готье. Среди мужских портретов – портреты Теодора Рузвельта, Вудро Вильсона, Генри Джеймса, Роберта Льюиса Стивенсона, Уильяма Батлера Йейтса. Занимался также настенной живописью (Бостонская публичная библиотека) По адресу Сарджента нередко высказывались скептически художники-импрессионисты (например, Камиль Писарро), критики из группы Блумсбери (Роджер Фрай). Однако в 1960-е годы к Сардженту пришло широкое признание, его выставки состоялись в крупных музеях Европы и США, он достиг ранга национального и мирового классика. В целом от художника осталось около 900 работ маслом, 2000 акварелей, множество графических работ. Ряд его произведений хранится в американских музеях, прежде всего – в Бруклинском музее в Нью-Йорке. В 2003 в Нью-Йорке с большим успехом прошла выставка Женщины Джона Сарджента. Похоронен в Бруквуде, графство Суррей.
Статья с сайта http:/ru.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Тамара Лемпицка
Tamara Јempicka
		Франция, США 16 мая1898 Варшава - 18 марта 1980 Куэрнавака Мексика ар-деко, кубизм, маньеризм
Тамара Лемпицка родилась в Варшаве в 1898 году (по другим данным в Москве в 1896 году) в семье состоятельного адвоката Бориса Горски, Тамара с детства росла и воспитывалась в великосветской атмосфере, не зная бедности и невзгод. После размолвки с матерью Тамара в 1914-м уехала из Варшавы в Петербург, к богатой тетке Стефании Йенсен. И здесь открыла для себя другое пристрастие - высший свет. В России она ведет светский образ жизни - общается с богемой, аристократами, и, между прочим, знакомится с блестящим адвокатом, красавцем и к тому же поляком - Тадеушем Лемпицким. Спустя два года они обвенчались. В 1917 году жизнь Тамары перевернулась. В декабре 1917-го чекисты арестовывают Тадеуша, ему грозит расстрел. И тогда Тамара, во имя спасения любимого человека, ценой супружеской измены со шведским консулом (возможно с датским), добывает для мужа иностранный паспорт. Они едут сначала в Копенгаген, а затем в Париж. В Париже им вечно не хватает денег, и даже рождение дочери Кизетты не подвигло адвоката на поиски работы. Тогда Тамара решет взять судьбу семьи в свои руки, и зарабатывать на жизнь искусством, благо есть способности. В Париже Тамара учится у известных мастеров, классиков фигуративной живописи Мориса Дени и Андре Лота, а также посещает Academie de la Grande Chaumiere. В 20-е годы погоду в искусстве делали журналы мод. Лемпицка удостоилась внимания Harpers Bazaar и других американских изданий. Однако для славы потребовалось нечто иное: роман с Габриеле Д Аннунцио, популярным писателем и общеевропейским ловеласом. Д Аннунцио заказывает ей портрет. Совместная работа над ним на вилле поэта приносит неизбежные плоды (сохранились смешные мемуары домоправительницы донжуанистого итальянца, где описана циничная история этого романа). После д’аннунциевского портрета о Лемпицка начинают писать, призы следуют один за другим. Ее выставки проходят в Salone des Independants и Salone d Automne - престижнейших художественных заведениях того времени, где любили бывать Матисс и Пикассо. После тридцати она зарабатывает много, а похвал от профессионалов слышит все меньше и меньше. Зато двери лучших парижских домов открыты перед ней нараспашку. Она усвоила важную истину - когда пишешь портреты богатых и известных людей, частица из славы переходит и на тебя. Попытки совместить искусство с великосветской жизнью она не оставляет до конца своих дней. В 1930-е гг. переезжает в США, где выходит замуж за барона Рауля Куфнера и поселяется в Нью-Йорке. Она уже не Лемпицка, а Лемпика (так она себя называет) - связи с прошлым порваны окончательно, она не полька и не русская, а полноправная гражданка блистательного мира дорогих автомобилей и нарядов от-кутюр. В действительности у нее никогда не было «бугатти», был только маленький ярко-желтый «рено». Однако характерно, что она говорила: «Я всегда одевалась в соответствии с автомобилем, и автомобиль подбирала в соответствии с собой». Тамара использовала любую возможность для достижения успеха, не упуская ни единого случая сделать себе имя. В то же время Лемпика - завсегдатай светской хроники, участница вечеринок творческой богемы, ей приписывают бисексуальные романы с известными людьми, женщинами. В 1943 году Лемпика и барон Куфнер переезжают в Нью-Йорк, где поселяются в шикарной квартире. Лемпика украсила свое гнездышко предметами антиквариата, которые барону удалось увезти из своего венгерского имения. После войны она ненадолго возвращается в Париж, чтобы вновь открыть свою студию, но вскоре возвращается в Америку, где работает над интерьерами частных квартир. После смерти барона в 1962 году, Лемпика едет в Хьюстон, чтобы быть рядом с дочерью. В этом же году в Нью-Йорке открывается выставка ее новых работ, но критики встретили вставку холодно, что не замедлило сказаться на покупателях. Несколько поутратив былую славу, Лемпика продолжает работать. Но картины не покупаются и пополняют залежи на чердаке. В 1966 году в Париже проходит юбилейная выставка, после чего интерес к ее творчеству вспыхивает вновь. В поисках новых впечатлений она едет в Мексику, где поселяется в Куэрнаваке, в доме, построенном по проекту японского архитектора. Но и здесь она не находит покоя, скорбя о былых успехах, она ищет компанию молодых людей. Умерла Тамара де Лемпицка 18 марта 1980 года во сне, и прах ее дочь Кизетта развеяла над вулканом Попокатепетль.
Статья с сайта http://www.art-spb.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Вильям-Адольф Бугеро
William-Adolphe Bouguereau
		Франция 30 ноября 1825 - 19 августа 1905 академизм
французский живописец, крупнейший представитель салонной академической живописи.Родился в городе Ла Рошель. Изучал живопись в Королевской школе изящных искусств. По окончании школы получил главный приз - поездку в Италию. По возвращении из Рима некоторое время занимался росписью фресок в стиле итальянского Возрождения в домах французских буржуа. Собрав необходимый капитал, окончательно посвятил себя любимому делу - академической живописи. Карьера Бугеро, как академического живописца, сложилась довольно успешно, он пользовался признанием и благосклонностью критиков и выставлял свои картины в ежегодных парижских салонах на протяжении более чем пятидесяти лет. Его картины на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты были композиционно тщательно выстроены и кропотливо выписаны, вплоть до мельчайших деталей. Наиболее известные полотна - “Триумф мученицы”, 1854; “Ореады”, 1857; “Рождение Венеры”, 1879; “Нимфы и Сатир”, 1881; “Молодость Бахуса”, 1884. Главная ретроспективная выставка его работ открылась в Париже в 1984 году, затем была показана в Монреале, Хартфорде и Нью-Йорке. Умер Бугеро в своем городе Ла Рошель.
Статья с сайта http://slavs.org.ua/william-bouguereau
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джон Аткинсон Гримшоу
John Atkinson Grimshaw
		Англия 1836 Лидс - 31 октября 1893 романтизм
Художник викторианской эпохи, Джон Аткинсон Гримшоу родился в Лидсе в 1836 году. Отец его был полицейским, но позже работал в Северной железнодорожной компании. Родители Джона были строгими баптистами и запрещали ему рисовать, мать однажды даже уничтожила все его наброски. В 1952 году Джон начал работать клерком в Северной железнодорожной компании в Лидсе. В городе было несколько картинных галерей и Джон мог любоваться работами известных художников того времени. Он женился в 1858 году на Феодосии Хоббард и решил все-таки посвятить себя живописи, оставив работу в компании в 1861 году. Его работы продавались в двух галереях, книжных магазинах и через мелких продавцов. Гримшоу стал популярен в Лидсе и в 1865 году смог переехать с семьей в более престижную часть города. Опытный лондонский дилер Вильям Агнью стал продавать его работы. Дальнейший успех пришел к Гримшоу после признания его Королевской Академией искусств. В 1870 году Гримшоу смог купить Кностроп Холл, большой дом 17 века, в двух милях от Лидса около Ньюсамского собора, который часто рисовал. До ранних семидесятых картины Гримшоу в основном были посвящены пейзажам окрестностей Лидса и натюрмортам. Постепенно он стал рисовать ночные пейзажи Лондона, Ливерпуля, Гуля, Глазго, включая в них силуэты домов и кораблей. На этих картинах виден туман и смог, обычный для промышленных городов Англии. Летом семья уезжала в Скарборо, где снимала дом Замок-на-море, как Джон его называл. Дом возвышался на холме возле замка Скарборо , откуда были хорошо видны северный и южный заливы. Жизнь на берегу вдохновляла Джона на создание прекрасных работ, посвященных морю, судам, докам. Также он рисовал портреты, интерьеры, сказочные картины. Он совершенствовал свой особый стиль живописи. Интересовался фотографией и даже использовал камеру Обскура для переноса своих эскизов на холст. Добавлял в краски песок, чтобы добиться желаемого эффекта. Он не основал своей школы и еще при жизни его работы копировались и подделывались. С 1867 года художник стал подписываться «Аткинсон Гримшоу», а не Д.А.Гримшоу, на самой картине и на ее обороте. Жена родила ему пятнадцать детей, но только шестеро выжили….Двое его сыновей, Артур и Льюис, тоже были художниками. Гримшоу постоянно выставлялся в Городской галерее искусств Лидса. Ежегодно его картины присутствовали в экспозиции галереи. Также его работы были представлены в Королевской Академии и галерее Гросвенор. Большинство его работ размещено в частных коллекциях. Умер Джон Аткинсон Гримшоу 31 октября 1893 года от рака.
Статья с сайта http://basik.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джон Уильям Годвард
John William Godward
		Англия 9 августа 1861 Лондон – 13 декабря 1922 Лондон прерафаэлит, неоклассицизм
Английский художник, лучший представитель так называемого «греко-римского стиля», который процветал с середины 19 века до начала 20 века, наряду с Алма-Тадема и Лейтоном. Джон Уильям Годвард родился в респектабельной и финансово-обеспеченной викторианской семье. Его отец был банковским клерком, его мать, урожденная Сара Эборал, прожила более ста лет, умерла в 1935 году, пережив Джона Уильяма. Джон был старшим из пяти детей Годвардов. В юности семья переехала через реку в Фулхэм в Челси, и, наконец, в Wimbeldon к югу от Лондона. Отец считал, что его сыновья должны приобрести стабильную и респектабельную профессию в страховом и банковском деле и стать страховыми клерками Но Джон начал посещать вечерние занятия местной художественной школы и класс художника, архитектора и дизайнера Уильяма Хоффа Вонтнера(1814-1881), с сыном которого Уильямом Кларком Вонтнером (1857-1930), Джон дружил долгие годы. Готвард занимался с Вонтнером по вечерам в течение 1879-1881 годов, и его мастерство в рисовании перспективы и архитектурных элементов, несомненно, рождены именно в этот период. Смерть Вонтнера-старшего оставила двадцатилетнего Годварда без наставника, и Уильям Кларк Вонтнер, который был старше Джона всего на четыре года, становится его учителем и берет на себя ответственность за его подготовку. Не существует никаких доказательств, что Годвард учился в Королевской академии искусств, но известно, что он поступил в Клэпхэмскую школу искусств. Тем не менее, в 1887 году художник был отмечен на летней выставке в Королевской академии с картиной «Желтый тюрбан». В возрасте 26 лет Джон наконец-то покинул родительский дом (теперь в Уимблдоне), чтобы жить и работать в студии на Болтон-стрит в Челси. Среди других художников, работавших здесь в то время были Томас Кеннингтон, Генри Риланд (1856-1924) и Джордж Лоуренс Буллейд (1858-1933). Они стали друзьями и в дальнейшем вдохновляли друг друга в работе. С 1888 года его картины регулярно включены в продажи галерей, на выставках Королевской академии он также регулярно выставляется вплоть до 1905 года. Годвард окончательного порвал с родителями в 1889 году после периода финансового успеха продаж его картин через дилера Маклина и переехал в арендованный дом в Санкт-Леонард в Челси (50 ярдов от дома писателя Брэма Стокера) - с собственной студией в просторном одноэтажном здании. В этом же году Годвард нарисовал около 25 картин маслом, в основном для Маклина, из которых две наиболее известные полотна – «Швеи» и «Ожидание ответа». Последняя картина включает в себя единственный автопортрет – сходство, судя по фотографиям, очень яркое. Девушка на картине является его обычной моделью, с которой он, возможно, имел любовную связь. Нужно отметить, что Годвард очень редко рисовал мужчин и то, только в начале творческого пути, позже на его картинах изображены только женщины, как постоянное напоминание о собственном одиночестве и невостребованной любви. В 1891 он был лишен собственной студии в Сент Леонард. В этом же году увидели свет по меньшей мере 21 картина, среди них «Отдых в летний день», которая выставлялась на летней выставке в Королевской Академии. Интерес Годварда к нео-классицизму объясняет его знакомство с группой «Сент-Джонс Вуд», в которую входили Дикси, Пойнтер, Уотерхаус и др. 1893 год может рассматриваться, как творческий водораздел, который показал, что его карьера полностью состоялась, и стиль художника стал зрелым. В 1894 Годвард переехал из Санкт-Леонарда и приобрел более просторную студию на Фулхэм Род № 410. Как и художник Алма-Тадема, он использовал свой дом в качестве интерьера для своих картин, украшал его внутри, как древнеримское здание, с беседками и фонтанами в саду. После его смерти, итальянский скульптор Марио Маненти, приобрел это здание и превратил его в многочисленные мелкие ателье под названием «Итальянская деревня». Но, в отличие от Алма-Тадема, дом которого всегда был открыт для друзей и заказчиков, Годвард превратил свой дом в скит. В 1904 году умер отец художник, это сильно повлияло на Годварда, и он даже купил для себя участок земли на Бромптон кладбище. В 1905 году Годвард последний раз принял участие в летней выставке Академии художеств - возможно, он отказался от попытки привлечь внимание англичан к своей персоне, хотя продолжал выставляться в Париже и других странах. В этом же году он впервые совершил поездку в Италию, и, как полагают, находился в Капри, где исследовал окрестности близ Сорренто, Помпеи и в бухте Неаполя. Работы этого периода включают в себя монументальные «Нерисса»и «Юлия Друзилла», возможно, написанные под впечатлением от посещения Помпей. В 1908 умирает агент художника Томас Маклин, чей бизнес переходит к Эжен Креметти, который, к счастью, продолжает заниматься продажей картин Годварда. Одной из его лучших работ этого периода является «Полуденный отдых». В 1912 Годвард покинул Англию и переехал жить в Рим. Причина его отъезда не известна. Бытует мнение, что он покинул Лондон, бросив все и устремившись за одной из своих моделей-итальянок, чего ему никогда не простила в дальнейшем мать. К сожалению, известно мало подробностей о его жизни в Италии. Находясь в Риме, Годвард жил в студии на Монти Париоли возле главного входа в сад Виллы Боргезе. В студии были лабиринты из затененных террас в окружении редких растений и огромный сад. Эта студия была домом для многих художников, среди наиболее известных является Илья Репин (1844-1930). В 1913 Годвард был награжден золотой медалью на Международной выставке в Риме За картину «Бельведер». С 1914 года художник начинает увлекаться пейзажем, ему посвящено большинство работ этого периода. Однако, с 1915 года художник мало рисует, возможно, из-за ухудшавшегося здоровья, возможно потому что это были годы мировой войны (1914-1918), и вполне возможно, что с его агентом Креметти возникли споры и ссоры. В последующиечетыре года Годвард несколько раз приезжал в Лондон - сразу после войны в 1918 году, на похороны племянника в 1919 году, на свадьбу брата в 1920 году, наконец, вернулся в 1921 в Фулхэм, чтобы прожить там оставшиеся дни до его скоропостижной кончины в декабре 1922 года. После его возвращения в Фулхэм к нему переехал брат Чарльза Артура со своей беременной женой Гертрудой. Однако состояние его здоровья ухудшилось, и его спартанский образ жизни привел к диспепсии (от этой же болезни десять лет ранее умер Алма-Тадема). Без сомнения, он стал также психически больным, болезненно восприняв смерть своего друга и коллеги Эдуарда Пойнтер в 1919 году. Последний был президентом Академии художеств, последним оплотом классического движения и неоклассицизма. Устав бороться со здоровьем и страданиями, в среду 13 декабря 1922 года. Джон Уильям Годвард совершил самоубийство, оставив записку о том, что мир не был достаточно большим для него. Возвратившись с работы в тот же вечер, его брат нашел Годварда мертвым в своей студии. Он был погребен в склепе на участке земли, который он приобрел в 1904 году на старом кладбище Бромптон рядом с его мастерской, и недалеко от могил других художников викторианской эпохи - сэра Генри Коула, Джеймса Годвина, Валя Принсепа и Фредерика Сандиса. Красоте и техническому исполнению картин Джона Уильяма Годварда противоречит тот факт, что художник не получил практически признания. Но он был лучшим из великих европейских художников, изображавших классическую Грецию и Рим. В этом и состоит его значение для истории искусства.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Каспар Давид Фридрих
Kaspar David Friedrich
		Германия 05.09.1774 Грайфсвальд, Померания - 07.05.1840 Дрезден романтизм, пейзажист
Фридрих учился в Академии художеств в Копенгагене у известного датского живописца и рисовальщика Н. А. Абильгора (1794-1798). В 1798 переселился в Дрезден, где в 1801 сблизился с кружком поэтов-романтиков: Л. Тиком, Новалисом, Г. Клейстом. С юности увлекался рисунком в технике карандаша и сепии. После поездок (1801-1802, 1806) на остров Рюген (Балтийское море) увлекся живописью маслом и решил посвятить себя пейзажу. Жил в селении Аркона на Рюгене, писал виды дикой, полной романтики природы острова — лес, горы, меловые скалы, побережье. Как художника-романтика его привлекал конкретный облик природы и все неповторимое, оригинальное в ней. В сепии «Вид Арконы при свете луны» (Альбертина, Вена) лунный свет привносит таинственность в пустынный пейзаж. Отныне остров Рюген станет излюбленным местом пребывания художника, он назовет его «земля души».Программным произведением европейского романтизма стало полотно Фридриха «Крест в горах» (1808, Картинная галерея, Дрезден). Тема Распятия, характерная для старых немецких мастеров, в полотне художника-романтика обретает новое звучание: ноты ностальгического отношения к миру классического искусства, к самобытности национальной традиции, вера в силу религии. Эти же чувства рождают картины с изображением руин старых соборов, заброшенных аббатств, монастырей В живописи Фридриха проявляется интерес к передаче средствами тонального пейзажа определенного момента жизни природы.В полотне «Охотник в лесу» (1813, частное собрание) остро прозвучали патриотические ноты. Фигура французского охотника на фоне зимнего немецкого пейзажа символизирует нежданного пришельца-завоевателя.В 1810 Фридрих становится членом берлинской и дрезденской Академий, с 1824 — профессором Академии художеств Дрездена, где имеет много учеников.В работах конца 1820—1830-х годов художник по-прежнему изображает море, виды Рюгена, горы Ризегенберге, которые посещал еще неоднократно, но часто пишет и равнинные пространства с цепью гор вдали. В работах этих лет он создает менее романтизированный, более приближенный к реальности облик природы, более правдивые эффекты освещения.Творчество Фридриха вызывало восхищение современников. В 1810 году его мастерскую в Дрездене посетил Гете, восторженно отозвавшийся о его творчестве. Известности художника в России способствовала его дружба с поэтом В. Жуковским, который тоже побывал в 1821 в его мастерской. Творчество Фридриха оказало значительное влияние на последующее развитие европейского романтического пейзажа.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хуан Грис
Juan Gris
		Испания 1887-1927 кубизм
испанский живописец, скульптор, график и декоратор. Считается родоначальником \"синтетического\" кубизма. В 1920-х гг. манера Гриса меняется, он отходит от строгих геометрических форм. В числе его работ ряд книжных иллюстраций и многочисленные театральные декорации и костюмы, например для постановок Дягилева. В 1902 Викториано Гонсалес (настоящее имя Гриса, которое он носил до отъезда из Испании) по настоянию своих родителей поступает в мадридскую Школу искусств и производства. Через два года он оставляет учебу, чтобы полностью посвятить себя живописи. Его первым учителем был старый академический художник, который лишь отвратил его от \"хорошей\" живописи (письмо Гриса приведенное в книге Канвейлера \"Хуан Грис\". Juan Grisi Париж 1946). В 1906 отправляется в Париж. Грис находит себе мастерскую в знаменитом Бато - Лавуар рядом с мастерской Пикассо. Оставшись без денег, Грис начинает работать для иллюстрированных журналов \"Assiette au beurre\", \"Charivari\" и \"Cn de Pans\". И лишь спустя пять лет в 1911. он начинает заниматься живописью. В свои 24 года, не имея соответствующего образования, он пишет в манере Пикассо и Брака, вместе с которыми он отправляется в Сере (1911). В начале 1912 Грис использует некоторые специфические приемы кубистов (совмещение разных планов и ракурсов - \"Hommage a Picasso\". Чикаго Художественный Институт: \"Гитара и цветы\". Нью-Йорк Музей современного искусства), а летом 1912 - окончательно принимает художественный язык кубистов. Грис считается самым ортодоксальным среди кубистов. Отказываясь от \"локальных тонов\" он создает как бы образцы материи (за исключением некоторых объектов не поддающихся анализу - зеркало гравюра или репродукция картины - которые он смело вводит в свои произведения) и использует яркие часто контрастные тона (\"Курильщик\". 1913. Нью-Йорк собрание Арманд П. Бартос: \"Тореро\" 1913. Кей Вест. бывшее собрание Эрнеста Хемингуэя Три карты. Берн Художественный музей, фонд Рупф). В работах Гриса конца 1914 и особенно в его замечательных коллажах заметен отход художника от аналитического метода в сторону большего \"синтетизма\": объекты сведены к своим постоянным атрибутам. Примером этой новой концепции является прекрасный \"Натюрморт с книгой, трубкой и стаканами\" (1915, Нью-Йорк собрание Ралфа Г. Колина). Лишь к началу 1918 Грис окончательно осваивает новую синтетическую технику. Во время войны Грис много работает, несмотря на денежные затруднения. Работы Гриса, написанные в 1918-1920, отмечены строгостью и архитектоничностью своей пластики и возвышенной ясностью экспрессии (\"Натюрморт с компотницей\", 1918, Берн, Художественный музей фонд Рупф). Произведениям 1921-1923, напротив, присущ больший лиризм и сочный колорит (\"Канигу\" 1921 Буффало гал. Олбрайт-Нокс; \"Нотная тетрадь\" 1922 Нью-Йорк гал. Мери Харриман: \"Сидящий Арлекин\" 1923 Нью-Йорк собрание Хершеля Кери Уокера). Эти картины, созданные в последние годы жизни художника, являются вершиной его творчества и в определенном смысле кубизма. Хотя создателем нового метода был Пикассо, именно Грис обогатил его и довел до конечной точки. Этот метод сравним в своей основе с немецкой феноменологией, в частности Гуссерля. Художник уже не изображает предмет в разных ракурсах, как это было в эпоху аналитического кубизма, но чисто интуитивно поднимается до сущности этого объекта до его структуры.
Статья с сайта http://www.ssga.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Джеймс Эббот Уистлер
James Abbot McNeill Whistler
		США, Франция, Англия 10 июля 1834 г. в Лоуэлле (шт. Массачусетс) - 17 июля 1903 г. в Лондоне. Портретист
Джеймс Уистлер родился 10 июля 1834 г. в Лоуэлле (шт. Массачусетс). Его отец, Джордж Вашингтон Уистлер, известный инженер-железнодорожник, в 1842 г. был приглашен для строительства дорог в Россию, он проектировал Николаевскую железную дорогу. В России Джеймс, среди прочего, выучил в школе французский язык и посещал Академию художеств. По возвращении в США учился в военном училище в Вест-Пойнте, но был отчислен за отставание по химии. Тогда же, в 1850-х, Уистлер начал создавать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858 г. В 1855 г. он уехал в Париж, где учился живописи у Шарля Глейра, испытал влияние Коро и Курбе, а также прерафаэлитов. Его произведения вызвали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати. Уистлер подал на него в суд за клевету и выиграл процесс, однако судебные издержки сделали его банкротом. В 1879 г. удалился в Венецию, где в течение 14 месяцев занимался акварельными зарисовками и выполнил полсотни офортов, по возвращении в Лондон был избран президентом Общества английских художников. В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества, вращался в одном кругу с Оскаром Уайльдом и Обри Бердслеем. В оправдание своего искусства написал трактат «Изящное искусство создавать себе врагов» (1890). Художник скончался 17 июля 1903 г. в Лондоне. Похоронен на лондонском кладбище при церкви св. Николая в Чизуике
Статья с сайта http://re.wikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Жан Дезире Гюстав Курбе
Gustave Courbet
		Франция 10 июня 1819, Орнан — 31 декабря 1877 романтизм, реализм
Французский пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Склонность к искусству привела его в 1839 в Париж, где он занимался во многих мастерских, больше всего у Штейбена, Огюста Геска и Давида Анжерского. С первого же своего произведения, выставленного в парижском салоне 1844 (например, картина «Раненый»), показал себя крайним реалистом, и чем далее, тем сильнее и настойчивее следовал по этому направлению, считая конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы и пренебрегая при этом даже изяществом техники. В конце концов, Курбе стал главой реалистической школы, возникшей во Франции и распространившейся оттуда в другие страны, особенно в Бельгию. Уровень его неприязни прочих художников дошел до того, что в течение нескольких лет он не участвовал в парижских салонах, а на всемирных выставках устраивал из своих произведений особые выставки, в отдельных помещениях. В 1871 Курбе примкнул к Парижской коммуне, управлял при ней общественными музеями и руководил низвержением Вандомской колонны. После падения Коммуны, отсидел, по приговору суда, полгода в тюрьме; позже был приговорён к пополнению расходов по восстановлению разрушенной им колонны. Это заставило его удалиться в Швейцарию, где он и умер в нищете в 1877.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Марк Шагал
		Россия, Франция, США 24 июня 1887 Витебск - 28 марта 1985 Сен-Поль-де-Ванс Модерн
Марк Захарович Шагал (урождённый Мойше Шагал, или в русской транскрипции Мовшa Хацкелевич Шагалов) родился 24 июня (6 июля) 1887 г. в еврейской семье в местечке Лиозново (Лиозно) близ Витебска или (по другим данным) в самом Витебске, в черте еврейской оседлости Российской империи. И отец будущего художника, Хацкл-Мордхэ (по-русски Хацкель-Мордух) и его мать, Фейгэ-Итэ, происходили из местечка Лиозно, и значительную часть детства Марк Шагал провёл в доме своего деда в этом местечке. «Отец мой с детских лет был приказчиком в складе сельдей», — писал сам художник в официальных документах. Красоту деревянно-резного Витебска тех времён великий живописец Репин сравнивал с Киевом и Нижним Новгородом. С 1900 по 1905 г. Шагал учился в Витебском четырехклассном училище. В Витебске же художник знакомится со своей будущей женой, своей единственной музой — Беллой Розенфельд. Белла происходила из семьи состоятельных витебских ювелиров, посещала в Москве «Высшие женские курсы» профессора Герье (тема её диплома — Достоевский, Фёдор Михайлович).В 1906 г. учился изобразительному искусству в художественной школе витебского живописца Ю. М. Пэна, затем переехал в Петербург и в течение двух сезонов занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, которую возглавлял Н. К. Рерих. В 1909—1911 г. Шагал продолжает занятия у Л. С. Бакста в частной художественной школе Е. Н. Званцевой. Учение у Бакста «не пошло»: Лев Самойлович выразился, что «…талантлив, но небрежен и идёт не той дорогой». Жил очень бедно, работал ретушёром. Но рисовал очень много, дни и ночи напролёт. В Петербурге написал свои знаменитые «Похороны» (с покойником, лежащим на тёмной улочке города) и «Рождение». Там же, в Петербурге, он нашёл своего первого настоящего почитателя, известного адвоката, депутата Думы Максима Моисеевича Винавера. Он приобрёл у Шагала две картины и дал ему небольшую стипендию для обучения в Париже. Шагал потом всю жизнь называл Винавера своим вторым отцом. В 1911 г. на полученную стипендию едет в Париж, где продолжает учиться и знакомится с жившими во французской столице художниками и поэтами-авангардистами. Париж Шагал полюбил сразу и безотвратно, называя его «второй Витебск». Поселился в «общежитии» нищей богемы Монпарнаса — знаменитом двенадцатиугольном «Улье». Познакомился со всеми — Максом Жакобом, Гийомом Аполлинером, критиком Канудо, Блезом Сандраром. В работах этого периода уже чувствуется влияние Пикассо, Матисса и др., хотя уже тогда творчество Шагала носит печать яркой и неповторимой индивидуальности. Его работы начинают выставляться в Париже. В 1914 Шагалу устраивают песональную выставку в Берлине, но перед ней он решает съездить домой, в Витебск, на свадьбу сестры. В 1914 г. Шагал возвращается в Витебск. Рассчитывал на три месяца, но остался на 10 лет: война, революция… 25 июля 1915 г. состоялась свадьба художника с Беллой. Она, дочь богатого ювелира, четыре года ждала «…какого-то художника». В своем дневнике Шагал запишет: «Ни одной работы не заканчиваю, пока не услышу её „да“ или „нет“.» Это было в нетопленной, промозглой Малаховке, в восьмую годовщину их свадьбы. У них выросла дочь Ида, впоследствии биограф и исследователь творчества Шагала. В сентябре 1915 Шагал уезжает в Петербург (к тому времени переименованный в Петроград), поступает на службу в Военно-промышленный комитет. В 1916 Шагал вступает в Еврейское общество поощрения художеств, в 1917 г. с семьей возвращается в Витебск. После революции художника назначают уполномоченным комиссаром по делам искусств Витебской губернии. В 1920 Шагал уезжает в Москву и по рекомендации А. М. Эфроса устраивается работать в Еврейский камерный театр. В 1921 художник работает преподавателем в подмосковной еврейской трудовой школе-колонии «III Интернационал» для беспризорников в Малаховке. И всё время рисует, день и ночь, и день и ночь напролёт. В 1922 г. вместе с семьей уезжает сначала в Литву (в Каунасе проходит его выставка), а затем в Германию. Осенью 1923 по приглашению Амбруаза Воллара семья Шагала уезжает в Париж. В 1937 Шагал получает французское гражданство. В 1941 руководство Музея современного искусства в Нью-Йорке приглашает художника переселиться из контролируемой фашистами Франции в США, и летом 1941 г. семья Шагала приезжает в Нью-Йорк. В 1944 умирает жена художника, Белла. Роман с Вирджинией Макнилл-Хаггард, дочерью бывшего британского консула в США, начался, когда Шагалу было 58 лет, Вирджинии — 30 с небольшим. У них родился сын Дэвид Макнилл. В 1947 Шагал возвращается во Францию. В 1952 г. женится на «Ваве» — Валентине Бродской. Второй брак был счастливым, но музой оставалась только Белла, он до самой смерти отказывался говорить о ней, как об умершей. Шагал так и не нарисовал ни одного портрета Валентины, которая умерла в 1997 г. В 1973 художник приезжает в СССР по приглашению советского министерства культуры. Посещает Москву и Ленинград, проводит выставку в Третьяковской галерее, дарит Третьяковке и Музею изобразительных искусств им. А. С. Пушкина свои работы. От посещения Витебска художник отказался1997 — первая выставка художника в Белоруссии.Шагал скончался 28 марта 1985 г. в прованском городе Сен-Поль-де-Ванс. Похоронен на местном кладбище. До конца жизни в его творчестве прослеживались «витебские» мотивы. Существует «Комитет Шагала», в состав которого входят четыре наследника Шагала. Полного каталога работ художника нет.
Статья с сайта http://ru.vikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Роберт Рафаилович Фальк
		Россия, СССР 15(27)октября1886 Москва - 1 октября 1958 Москва Экспрессионизм, авангард
Роберт Фальк родился 15 (27) октября 1886 г. в Москве, в семье юриста Рафаила Александровича Фалька. Учился изобразительному искусству в школах-студиях К. Ф. Юона и И. О. Дудина, в частной студии И. И. Машкова (1904-1905), затем в Училище живописи, ваяния и зодчества (1905-1909), где особое влияние на него оказали В. А. Серов и К. А. Коровин. Жил в основном в Москве. В 1910-х Фальк стал одним из основателей художественного объединения Бубновый валет, в деятельности которого он участвовал с 1910 по 1916 г. В 1910-11 г. посещает Италию. После революции 1917 г., с 1918 по 1928 г., Фальк преподавал в ГСХМ — Вхутемасе — Вхутеине (ныне МГХПУ им. Строганова); был деканом факультета живописи; его учениками были С. А. Чуйков, Г. Г. Нисский, Н. М. Ромадин. В 1918—1921 работал в Московской коллегии по делам искусства и художественной промышленности Отдела изобразительных искусств Наркомпроса. Мастерская художника находилась во ВХУТЕМАСовском доме по адресу: ул. Мясницкая, д. 21 кв. 36. В 1928 г. Фальк выехал за границу в командировку. До 1937 г. жил и работал в Париже. Затем вернулся в СССР, жил в так называемом Доме Перцова, где по просьбе бывших соратников по Бубновому валету А. В. Куприна и В. В. Рождественского и при активнейшей помощи лётчика А. Б. Юмашева получил мастерскую, которую раньше занимал художник П. П. Соколов-Скаля. С Юмашевым Фальк познакомился в 1936 г. в посольстве СССР во Франции, с которым они сдружились. В 1937-38 г. они совершили своеобразное \"турне\" по Крыму и Средней Азии, где знаменитый лётчик читал лекции о своём перелёте через Северный полюс, а на досуге ставил свой любительский мольберт рядом с мольбертом Фалька. Работал оформителем сцены Московского государственного еврейского театра (с которым сотрудничал и до своего отъезда за рубеж), а также еврейских театров других городов. В 1939 г. состоялась персональная выставка Фалька в Доме литераторов. В его творчестве преобладают пейзажи, натюрморты и портреты, написанные в обобщённой, приглушенной манере. Во время Великой Отечественной войны с 1941 по 1943 г. художник был в эвакуации в Башкирии и в Средней Азии (Самарканд). Во время проработочных кампаний 1940-х гг. подвергался критике как \"формалист\". После 1953 г. Фальк стал для многих молодых советских художников-авангардистов своеобразным символом ушедшей великой эпохи живописи, мостом между великим искусством начала XX века и послесталинской оттепелью. Фальк скончался в Москве 1 октября 1958. Похоронен на столичном Калитниковском кладбище.
Статья с сайта http:/.www.krugosvet.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Никола Пуссен
Nicolas Poussin
		Франция, Италия 1594 Лез-Андели, Нормандия – 19 ноября 1665 Рим Классицизм
Французский живописец и рисовальщик. Крупнейший представитель классицизма в искусстве XVII в. Большую часть жизни провел в Италии (Рим). Был блестящим знатоком античной культуры, в своем творчестве отдавал предпочтение античной тематике. Писал поэтические картины на мифологические и литературные сюжеты. Создавал исторические и религиозные композиции, идеальные пейзажи, представляя природу воплощением совершенства. В портретном жанре практически не работал, считая его недостойным внимания. В порядке исключения написал по просьбам друзей два автопортрета. Никола Пуссен родился в 1594 г. в семье крестьянина. Первым опытам Пуссена в живописи содействовал Кантен Варен, расписывавший в Андели церкви. В 1612 г. юный Пуссен приезжает в Париж, где поступает в мастерскую Ж. Лаллемана, а затем Ф. Элле Старшего. Увлекается изучением античности, по гравюрам знакомится с живописью Рафаэля. Значительную роль в его судьбе сыграла встреча с итальянским поэтом Дж. Марино, интерес которого к античной и ренессансной культуре оказал заметное влияние на молодого художника. Из ранних работ Пуссена достоверны лишь рисунки на сюжеты из Овидия, Вергилия и Тита Ливия, исполненные по заказу Дж. Марино. В конце 1623 г. Пуссен едет в Венецию, а в 1624 г. поселяется в Риме. В Италии художник самостоятельно изучает геометрию, оптику, анатомию, читает античных авторов, штудирует сочинения по теории искусства Альберти и Дюрера, иллюстрирует рисунками рукописи Леонардо да Винчи. В 1620-х—начале 1630-х гг. Пуссен создает произведения, в которых проявляются сильные характеры и величественные поступки («Смерть Германика», «Мученичество св. Эразма»), поэтичные картины на мифологические и литературные темы («Спящая Венера», «Нарцисс и Эхо», «Ринальдо и Армида», «Танкред и Эрминия», «Парнас», «Царство Флоры»), среди которых выделяется серия «триумфов» и «вакханалий» («Триумф Нептуна»).В 1630 г. Пуссен женился на Анне Марии, дочери повара, француза, проживавшего в Италии. Этот брак дал художнику небольшое приданое и, как следствие, свободу творчества. В 1632 г. Пуссен был избран членом Академии Св. Луки. Слава Пуссена доходит до Парижа. Художника упорно приглашают вернуться. Получив личное приглашение от Людовика XIII, Пуссен в 1640 г. едет в Париж. Указом короля он назначается руководителем всех художественных работ, что восстанавливает против него группу придворных живописцев во главе с С. Вуэ. Пуссену поручаются алтарные композиции, аллегории для кабинета Ришелье, убранство Большой галереи Лувра. В Париже Пуссен создает такие произведения как «Чудо св. Франциска Ксаверия», «Время спасает Истину от посягательств Зависти и Раздора». Парижская жизнь сильно тяготила Пуссена. Не завершив работ, художник в 1642 г. возвращается в Рим. В произведениях второго римского периода усиливается этико-философский подтекст. С 1640-х гг. Пуссена всё чаще увлекают образы природы. Развивая принципы идеального пейзажа, художник представляет природу воплощением совершенства и целесообразности; он вводит в пейзаж мифологические персонажи, которые зачастую олицетворяют те или иные природные стихии; использует в пейзаже эпизоды библейских и евангельских сказаний. Последней работой художника стал цикл «Времена года», состоящий из четырех полотен («Весна. Рай», «Лето. Руфь», «Осень. Исход», «Зима. Потоп»). Эти картины являются лучшими пейзажами Пуссена.
Статья с сайта http://www.krugosvet.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Розальба Каррьера
Rosalba Carriera
		Италия 7 октября 1675, Кьоджа – 15 апреля 1757, Венеция) портретист венецианской школы
Дочь кружевницы. Писала миниатюры на табакерках из слоновой кости, впоследствии перешла к портретной живописи пастелью. Ею были выполнены портреты многих знатных людей, прибывавших к венецианскому двору, что сделало художницу известной по всей Европе. В 1720-1721 работала в Париже, где вела дневники и обширную переписку, познакомилась с Ватто, написала его портрет, а также портрет императора Людовика XV, в ту пору еще дофина. В 1730 была в Вене при дворе польского короля Августа Сильного, давала уроки живописи королеве. К 1750-м годам потеряла зрение: две операции по удалению катаракты не помогли, и художница до конца дней осталась слепой.Работы художницы имели огромную популярность. В 1705 она была принята почетным членом в римскую Академию Святого Луки, в 1720 - во Французскую Королевскую Академию.
Статья с сайта http://ru.vikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Федор Антонович Бруни
		Россия 10 июня 1799 г Милан - 30 августа (11 сентября) 1875 г. Петербург. Академизм
Фёдор Бруни (собственно, настоящее его имя было Фиделио) родился. в Милане, в семье швейцарского итальянца, художника и реставратора Антонио Бруни, который впоследствии, в 1807 г., приехал в Россию из Италии. Его работы, исполненные в Михайловском дворце, относятся к царствованию Павла I ; впоследствии он занимался работами в Москве, по заказу князя Куракина. На одиннадцатом году Бруни, обнаруживавший большую любовь к рисованию, был определен в Академию Художеств, где и занимался под руководством Егорова , Иванова (старшего) и в особенности Шебуева . В 1818 г. получил звание художника. Отец решил, по совету Шебуева, отправить сына для дальнейшего усовершенствования в Италию. Изучение произведений старинных художников окончательно определило направление Бруни. Написав несколько картин, Бруни, не достигший еще 22-летнего возраста, принялся за первую большую картину (\"Смерть Камиллы, сестры Горация\"; находится в Музее Александра III ), которая в 1824 г. была выставлена в Капитолии и доставила автору ее немалую известность; в Петербурге она появилась лишь через 10 лет, и за нее Бруни получил звание академика. К работам первого пребывания Бруни в Риме относятся: \"Святая Цецилия\", \"Святое Семейство\", \"Вакханка, поящая амура\" (Музей Александра III), \"Свидание Т. Тассо с сестрою\", \"Богоматерь с Предвечным Младенцем\", \"Спящая нимфа\" и др. Кроме того, Бруни написал копии с фресок Рафаэля: \"Изгнание Илиодора из Иерусалимского храма\" и \"Галатею\". К тому же периоду относятся четыре большие образа: \"Богоматерь с младенцем на руках\", \"Спаситель на небесах\", \"Благовещение\" и знаменитое \"Моление о Чаше\" (в Музее Александра III). В начале тридцатых годов Бруни начал писать колоссальную картину: \"Воздвижение Моисеем медного змия\", но прежде, чем успел ее окончить, был вызван из Рима в Петербург для работ в Исаакиевском соборе и для преподавания в Академии Художеств. Он прибыл в Петербург в 1836 г., написал в течение двух лет несколько образов и скомпоновал для алтаря Казанского собора большую картину-образ \"Покров Пресвятой Богородицы\". В 1838 г. Бруни нашел возможным возвратиться в Рим, написал там \"Покров\" и окончил в 1840 г. \"Медного змия\" (Музей Александра III), который произвел в Риме необыкновенно сильное впечатление. В следующем году картина была перевезена в Петербург и выставлена в одной из зал Зимнего дворца. Все отзывы того времени преисполнены чрезвычайных похвал. В этой картине Бруни показал в полной силе все свое глубокое, академическое знание рисунка. Отправляясь в третий раз в Италию, Бруни занимается картонами тех картин, которые он должен был впоследствии написать на стенах Исаакиевского собора. В 1845 г. он привозит в Петербург 25 картонов; некоторые из них были исполнены фрескою в Исаакиевском соборе самим Бруни, другие - различными художниками под его руководством. На аттике собора находятся: \"Сотворение мира\", \"Всемирный потоп\", \"Спаситель, вручающий апостолу Петру ключи от царствия Небесного\", \"Явление Господа апостолам по Воскресении\". В полукружии над аттикой: \"Творец, благословляющий все созданное\", \"Святой Дух в сонме ангелов\"; на плафоне: \"Введение Первородного Сына во вселенную\", \"Второе пришествие Сына Божия\", \"Прорцы на Кости\" и \"Егда сотворены быша звезды, восхвалиша Мя вси ангели\". Исполнение перечисленных работ было окончено в 1853 г.; кроме них, Бруни успел написать иконостас для православной церкви в Штуттгарте. Будучи назначен в 1849 г. хранителем картинной галереи Эрмитажа, Бруни с любовью занимался ею; дважды он был командирован за границу для покупки картин, послуживших для пополнения эрмитажной галереи. В 1855 г. Бруни занял в Академии Художеств место ректора по отделу живописи и ваяния, а в 1866 г. перешло в его ведение и мозаичное отделение при Академии. Бруни писал также и портреты, среди которых особенно замечательно изображение княгини З. Волконской в костюме Танкреда (находится у князя С.М. Волконского в Санкт-Петербурге). Последние годы жизни Бруни занимался сочинением картонов для образов Храма Спасителя в Москве. К списку его работ надо прибавить еще тридцать листов рисунков из русской истории, гравированных им крепкой водкой (офорт). Вообще художественная деятельность Бруни занимает почетное место в истории русской живописи, и появление произведений его и К. Брюллова составило эпоху в русском искусстве. Бруни является в России одним из немногих представителей так называемой \"назарейской школы\", имевшей также большое влияние на целое поколение германских художников 1840-х годов.
Статья с сайта http://ru.vikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Федор Александрович Васильев
		Россия 19 февраля 1850 года - 8 сентября 1873 года реализм, пейзажист
Федор был сын мелкого почтамтского чиновника в Петербурге; уже двенадцатилетним ребенком он он был отдан на службу в глав. почтамт, где получал 3 рубля жалованья в месяц. Он с ранних пор пристрастился к рисованию и, возвращаясь домой из почтамта, занимался рисованием. Молодой Васильев вскоре оставил службу и поступил в рисовальную школу Общества поощрения художеств, а несколько позже стал пользоваться советами И.И. Шишкина . В 1867 году Васильев написал на Валааме несколько этюдов с натуры, которые были выставлены в Обществе поощрения художеств. В 1870 году Васильев вместе с господами Репиным и Макаровым предпринял поездку по Волге и написал картины: \"Оттепель\", \"Вид на Волге\" и Зимний пейзаж\", доставившие ему известность. Зимой 1870 года Васильев сильно простудился и у него обнаружилась чахотка. По предложению графа Строганова он провел лето 1871 года в имениях его в Харьковской и Воронежской губерниях, но здоровья своего не поправил. Общество поощрения художеств дало ему средства ехать в Крым; еще до отъезда Васильев был зачислен вольноопределяющимся учеником Академии Художеств и получил звание художника I-й степени с условием выдержать экзамен из научного курса. В Крыму Васильев провел два года и, кроме множества рисунков, написал две картины: \"Болото\" и \"Крымский вид\", за которые ему была присуждена премия от Общества поощрения художеств в 1872 году. В следующем году он получил звание почетного вольного общника Академии, а в сентябре он умер в городе Ялте. Все оставшиеся после него произведения, большею частью неоконченные, были раскуплены. Из альбомов его два были приобретены покойной императрицей Марией Александровной и два находятся в библиотеке Академии Художеств. Из произведений Васильева самые замечательные следующие: \"Приближение грозы\" (собственность графа Апраксина), \"Полдень\" (собственность графа Звенигородского), \"Болото\" (собственность графа Третьякова ), \"Вид на Волге\" (собственность Академии Художеств), \"Перед грозой\" (собственность Академии Художеств), \"Зимний пейзаж\" (собственность Государя Императора), \"Взморье\" (собственность Академии Художеств), \"Оттепель\" (собственность Государя Императора), \"Зима\" (собственность господина Солдатенкова ), \"Мокрый луг\" (собственность П.М. Третьякова). Васильев - один из самых талантливых русских пейзажистов; картины его отличаются поэтичностью и совершенной гармонией в красках. Васильев умер от чахотки, признаки которой появились после простуды, схваченной им в конце зимы 1870 - 71 годов. Последние годы его существования были омрачены безуспешностью хлопот о документах, которые определили бы его общественное положение (Васильев был незаконнорожденный). Письма Васильева к И.Н. Крамскому , напечатанные в \"Вестнике Изящных Искусств\" (1889 - 1890 годы), освещают этот период жизни Васильева, его характер и взгляды на искусство. В. Чуйко.
Статья с сайта http://ru.vikipedia.org
Вставить (заменить) фото переписать текст

Винсент Ван Гог
Vincent van Gogh
		Голландия (1853-1890) Постимпрессионизм
Винсент Ван Гог, голландский художник и график, наряду с Сезанном и Гогеном крупнейший представитель постимпрессионизма. При жизни была продана лишь одна его картина. Нищета, алкоголизм и приступы душевной болезни привели художника к самоубийству. Хотя творческая жизнь Ван Гога продолжалась всего 10 лет, она была необычайно плодотворной: художником было написано около 800 картин. Его ранние работы, изображающие главным образом жизнь крестьян, довольно мрачны по цвету, и по настроению. Однако после переезда в 1886 г. в Париж, когда художник попадает под влияние импрессионизма и японской цветной гравюры на дереве (\"грешный мир\"), его работы становятся светлее по колориту и разнообразнее по тематике - пейзажи, портреты и натюрморты. Если импрессионистов цвет интересовал главным образом как средство передачи натуры, то для писавшего широкими вихреобразными мазками Ван Гога он был символом, выразительным средством. В 1888 г. художник поселился в Арле, где создал очень много картин, но страдал от участившихся нервных срывов, галлюцинаций и приступов депрессии. К нему приезжал Гоген, однажды они поссорились, после чего в приступе безумия Ван Гог отрезал себя часть уха. За последние 70 дней жизни он написал 70 картин. После смерти слава художника быстро росла. Эмоциональная глубина его творчества оказала огромное влияние на искусство 20 века, в частности на фовизм и экспрессионизм.
Статья с сайта http://www.vangoghgallery.com/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Шишкин
		Россия (1832-1898) Реализм
Родился в купеческой семье. Отец художника, И. В. Шишкин, был не только предпринимателем, но и инженером, археологом и краеведом, автором «Истории города Елабуги». Закончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1856 году, будущий мастер учился в петербургской Академии художеств (1856-60). Но несравнимо большее воздействие на него оказали эпически величественные пейзажи другого швейцарца, А. Калама. Жил преимущественно в Петербурге. Для ранних работ мастера («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В 1870-е гг. мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея).Обычно избегает переходных состояний природы. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Классические произведения Шишкина — такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя...» воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Плодотворно работал также в области офорта. В Елабуге открыт дом-музей художника.
Статья с сайта http://www.ii-shishkin.ru
Вставить (заменить) фото переписать текст

Виктор Васнецов
		Россия (1848-1926) русский модерн, основоположник
1848, с. Лопьял, Вятская Гу6. Сын сельского священника, В 12 лет в Петербург, в АХ. Здесь педагог П. Чистяков. В академические годы (1868-75) Сблизился с художниками демократической ориентации и примкнул к ТПХВ. В ранний период Васнецов - жанрист. Одновременно обращается к фольклору. На рубеже 1870-х и 1880-х гг. из жанриста стновится историком: \"После побоища Игоря Святославича с половцами\". Разрабатывает сказочные и былинные сюжеты (\"Ковер-самолет\", 1880; \"Аленушка\", \"Иван-царевич на Сером Волке\", 1889; \"Богатыри\", 1898). Васнецов всячески способствовал изучению народного творчества. Вместе с В. Поленовым проектировал церковь в Абрамцеве (1882), и \"Избушку на курьих ножках\" (1881-83). Спроектировал фасад Третьяковки. Декорации для театра С. И. Мамонтова. Панно \"Каменный век\" (1883-85) для московского Исторического музея, а также начатые в 1885 г. и занявшие более десяти лет росписи Владимирского собора в Киеве. Широта эстетической ориентации, многообразие художественных форм, - все это позволяет видеть в Васнецове непосредственного предшественника модерна.
Статья с сайта http://www.vasnecov.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Суриков
		Россия (1848-1916) исторический романтизм
Род.в Красноярске 12 января 1848 в семье канцелярского служащего, выходца из старинного казачьего рода. В 1868 отправился в Петербург, в 1869 в А.Х; окончил в 1875. Постоянно наезжал в Сибирь, бывал на Дону, Волге, в Крыму. В 1880-1890-е годы посетил Францию, Италию и другие страны Европы. В 1876-1877 создал эскизы на тему четырех вселенских соборов для украшения храма Христа Спасителя. Первый шедевр Утро стрелецкой казни(1881). Дар выдающегося живописца-историка Суриков подтвердил в полотнах Меншиков в Березове (1883) и Боярыня Морозова (1887). Последующие \"хоровые\" полотна (Покорение Сибири Ермаком, 1895; Переход Суворова через Альпы, 1899; Степан Разин, 1903-1907; все в Русском музее) представляют определенного рода спад.
Статья с сайта http://artsurikov.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Василий Верещагин
		Россия (1842-1904) реализм; батальная картина, художник-этнограф
Родился в Череповце 14 (26) октября 1842 в семье помещика. В 1850-1860 учился в петербургском Кадетском корпусе, окончив его в чине гардемарина. Плавал в 1858-1859 на фрегате \"Камчатка\" и других кораблях в Данию, Францию, Англию. В 1860 поступил в петербургскую А Х, но оставил ее. Посещал мастерскую Ж.-Л.Жерома в парижской Школе изящных искусств (1864). Активно участвовал в выставках \"Товарищества передвижников\". Был путешественником. Ездил по России, на Кавказ, в Крым, в Западную Европу, дважды побывал в Туркестане (1867-1868, 1869-1870), участвуя в колониальных походах русских войск, два раза — в Индии (1874-1876, 1882). В 1877-1878 участвовал в русско-турецкой войне на Балканах, в 1884 посетил Сирию и Палестину, в 1888-1889 × 1902 США, в 1901 Филиппины, в 1902 Кубу, в 1903 Японию. Впечатления от поездок воплощались в больших циклах этюдов и картин. Погиб во время русско-японской войны, 31 марта (13 апреля) 1904, при взрыве броненосца \"Петропавловск\" на рейде Порт-Артура (ныне Люйшунь, Китай). В Череповце существует дом-музей Верещагина.
Статья с сайта http://veresh.ru/
Вставить (заменить) фото переписать текст

Павел Федотов
		Россия романтизма (1815-1852) романтизма
Родился в Москве. Учился в Первом московском кадетском корпусе (1826-1833); был направлен в Петербург для службы. В 1835-1845 посещал рисовальные классы петербургской А. Х.; его наставниками были А.Зауэрвейд и К.Брюллов. Выйдя в отставку (1844), отдался жанровой живописи. К раннему периоду относятся сатирические сцены полковой жизни (Брань под Смоленским кладбищем, 1840). Добродушная ирония в \"староголландски\"-бытописательных, небольших шедеврах: Свежий кавалер, Утро чиновника (1846), Сватовство майора (1848), Завтрак аристократа (1849-1850). Житейский анекдот претворяется в меланхолическую поэму во Вдовушке. В картинах Анкор, еще анкор! доминирует чувство фатального абсурда бытия. В 1852 у художника обнаружились психическое расстройство.
Статья с сайта http://www.staratel.com
Вставить (заменить) фото переписать текст

Артур Хьюз
Arthur Hughes
		Англия 1832-1915 прерафаэлизм
Родился 27 января в Лондоне. Рано проявил способности к рисованию и в 1846 году поступил в Школу рисунка. Уже через год поступил в античный класс Школы искусств при Королевской Академии, где был удостоен Серебряной медали. 1850 год стал переломным в творческой судьбе Хьюза: он познакомился с художниками-прерафаэлитами - Хантом, Россетти и Брауном, эстетические взгляды которых были знакомы ему по публикациям. Двумя годами позже художник познакомился также с Миллесом. И хотя Хьюз не был членом Братства, влияние прерафаэлизма заметно как в стилистике его работ, так и в выборе тем, традиционных для художников круга прерафаэлитов: «Офелия», «Леди Шалотт», «Рыцарь Солнца», «Прекрасная бессердечная дама», «Сэр Галахад». В 1857 году Хьюз вместе с Россетти, Моррисом и Берн-Джонсом участвовал в росписи стен Оксфордского Союза сюжетами из легенд о короле Артуре. Самой знаменитой работой Хьюза является, пожалуй, его полотно «Апрельская любовь». Картина привела в восторг многих прерафаэлитов. Выставляя картину, художник, по примеру многих прерафаэлитов, сопроводил ее эпиграфом - отрывком из поэмы Теннисона «Дочь мельника»: «Страсть горчей обид и гроз. Страсть - пучина смутных грез. Страсть - источник тщетных слез...». Моделью для главной героини послужила будущая супруга художника. Для фигуры влюбленного позировал друг Хьюза, скульптор Александр Манро, в мастерской которого художник заканчивал картину. Творчество Хьюза развивалось в период, когда прерафаэлиты, в частности, Россетти и художники его круга, были увлечены средневековыми легендами, среди которых самыми яркими и привлекательными были сказания о короле Артуре и рыцарях Круглого стола. Картина Хьюза «Рыцарь Солнца» не является прямой иллюстрацией одной из легенд: художник попытался создать собирательное полотно, которое передало бы дух той эпохи, столь почитаемой прерафаэлитами. Картина изображает рыцаря, вероятно смертельно раненого, которого соратники несут на руках, чтобы дать ему возможность последний раз взглянуть на солнце. Сюжет картины позволил Хьюзу пойти на смелый живописный эксперимент, показав траурную процессию, залитую красным закатным светом. Чтобы как можно достовернее передать это состояние, художник провел много часов и дней, наблюдая закаты в живой природе по примеру Ханта, чей «Свет Мира» произвел на Хьюза большое впечатление. Хьюз был весьма скромным и не амбициозным человеком. Он не держал зла на Королевскую Академию, которая неоднократно отклоняла его картины, представляемые на ее выставки. Он не был членом Королевской Академии и даже не делал попыток стать им. В жизни Хьюз был мягким, доброжелательным человеком, нежным мужем и отцом шестерых детей. Все эти качества нашли отражение в его работах, полных гармонии и безмятежности. Россетти писал о нем: «Если бы мне предложили назвать среди своих многочисленных знакомых самого приятного и бесхитростного, свободного от ненависти, злобы и зависти человека, я, вне всяких сомнений, остановил бы свой выбор на мистере Хьюзе». Хьюз был не только талантливым живописцем, но и блестящим иллюстратором. Пик его графической карьеры приходится на 1860-е годы, когда он активно сотрудничал с журналами, а также оформил целый ряд книг, преимущественно детских. Художник умер в Лондоне 23 декабря 1915 года, оставив после себя около 700 картин и рисунков, а также 750 книжных иллюстраций. Его жена пережила его на шесть лет. После ее смерти дочь художника Эмили, которая жила с ней, вынуждена была перебраться в более скромное жилище, предварительно уничтожив множество подготовительных эскизов отца, его черновые записи и всю частную переписку – невосполнимая потеря для тех, кто изучает творчество прерафаэлитов.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Эдвард Роберт Хьюз
Edward Robert Hughes
		Англия 1851-1917 прерафаэлизм, символизм
Родился Эдвард 5 ноября в семье выходцев из Уэльса. Он был единственным ребенком. По совету своего дяди, художника Артура Хьюза, который был его первым наставником, Эдвард поступил в Школу искусств при Королевской Академии. Увлекшись еще в годы ученичества живописью прерафаэлитов второй волны, особенно Эдварда Берн-Джонса, Хьюз стал членом группы молодых художников, подражавших ему. Впоследствии Хьюз познакомился с Берн-Джонсом, а также с Холманом Хантом, ассистентом которого был на протяжении многих лет. Уже став известным, зрелым художником, Хьюз охотно помогал начавшему к старости терять зрение Ханту писать большие холсты последних лет. Так, при его непосредственном участии были созданы такие знаменитые работы, как вариант «Светоча мира» для Кафедрального собора Св. Павла и последний вариант картины «Леди Шалотт». Хьюз был близок с семьей Ханта, писал портреты его детей. В последствии даже был назван «сыном Ханта в искусстве». В 19 лет Хьюз дебютировал на выставке Королевской Академии, где выставлялся регулярно вплоть до 1911 года. В 1891 году он стал членом Королевского Общества акварелистов, а с 1901 по 1903 год был его вице-президентом. «Дипломной» работой Хьюза стала акварель под странным названием «Ах, что это в гнезде...», изображающая двух птиц, хлопочущих над телом мертвого юноши, голову и тело которого опутывает тернистый шиповник, что позволяет считать эту работу символистским парафразом знаменитого «Шиповника» Берн-Джонса. Начав свою творческую карьеру в среде прерафаэлитов, он постепенно перешел к символизму, так же как и Эдвард Берн-Джонс. Живопись Эдварда Хьюза получила высокую оценку за пределами Англии, в частности в Австрии и Германии, имела большой успех в Венеции. Умер он 23 апреля 1914 года после неудачной операции.
Вставить (заменить) фото переписать текст

ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР
Renoir, Pierre Auguste
		Франция 1841–1919 импрессионизм
Родился в семье провинциального портного, который в 1845 г. переехал в Париж. В молодости Ренуар работал художником по фарфору, в 1862 г. поступил в Школу изящных искусств. В конце 1860-х гг. вместе с К.Моне совершил несколько поездок по Сене и регулярно выезжал с ним на пленэр в окрестности Буживаля, где находилось излюбленное место отдыха парижан, так называемый \"Лягушатник\" (\"Лягушатник\", 1868-1869, Национальный музей, Стокгольм).После скандальной выставки импрессионистов в 1874 г. в ателье Надара, на которой творчество молодых художников было буквально уничтожено презрительными и гневными откликами критиков и зрителей, О.Ренуар вынужден вести более чем скромный образ жизни.В трудные времена О.Ренуар всегда чувствовал поддержку близких ему людей: своего брата Эдмона, который являлся издателем журнала \"Ла ви модерн\", и владельца еженедельника Жоржа Шарпантье. Портреты О.Ренуара не отличаются сложным внутренним психологизмом, присущим его предшественникам, но особое очарование придает им ощущение сиюминутности происходящего.В 1903 г. О.Ренуар, страдающий артритом, переезжает на юг Франции в свою виллу \"Колетт\" в Кань-сюр-мер. Болезнь прогрессирует, паралич поражает ноги и руки художника, но О. Ренуар не сдается и продолжает рисовать, привязывая кисть к руке. Занятия любимым делом помогают сохранить ему оптимизм и не терять присутствие духа до самых последних дней его жизни.
Статья с сайта http://www.impressionism.ru/renoir.html
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Николаевич Крамской
		Россия 1837 - 1887 критический реализм
Род. 27 мая в г. Острогожск, Воронежск. гб. Разночинец. 1849 - окончил уездное учил. 1853 путешеств. по стране, работает ретушером. 1857 поступает в Академию художеств. Зачинщик «бунта 14-ти». Организатор «Артели художников». Преподает в Рисовальной школе, 5 лет. 1869 – 1-й заказ от Третьякова. Академик. Едет в Европу. 1871 – 1-й гл. ТПХВ. 1876 - духовный кризис. В загран. путешествие. 1882 охлаждаются отношения с передвижниками. 1884 обостряется болезнь сердца. Умер 24 марта в Петербурге.
Статья с сайта http://www.kramskoy.info
Вставить (заменить) фото переписать текст

Иван Петрович Аргунов
		Россия 1729 - 1802 Портретист
Крепостной гр. Шереметьева. Автор парадных и камерных портретов. Обучал Лосенко (прф. и дркт. АХ).
Статья с сайта www.staratel.com/pictures/ruspaint/041.htm
Вставить (заменить) фото переписать текст

Гвидо Рени
Guido Reni
		Италия 1575-1642 барокко, болонская школа
Гвидо Рени был в свое время настолько знаменит, что картины ему заказывали папа римский, могущественные кардиналы, короли и князья. Глубоко набожный человек, вместе с тем он не мог совладать со своей страстью к игре в карты. Художник родился в Болонье в семье регента местного кафедрального собора Даниэле Рени. Отец видел сына продолжателем своего дела и давал ему уроки игры на клавесине, но, как писал биограф Рени, маленький Гвидо \"не желал ничего, как только рисовать и лепить из глины, и выказывал редкие для столь нежного возраста способности\". Отец был знаком с фламандским живописцем Денисом Кальвартом, который, увидев рисунки мальчика, предложил себя в качестве его будущего учителя. Гвидо проучился у фламандца около десяти лет. Юному живописцу не нравился холодный маньеризм наставника, его более влекла реалистическая манера письма. Поэтому при выборе нового учителя он оказался в известной школе братьев Карраччи. В октябре 1601 года Гвидо Рени уже был в Риме. Следующие тринадцать лет его жизни связаны с этим городом. В Риме мастер быстро добился признания и благоволения могущественных покровителей. Но его гордый и независимый нрав создавал ему немало проблем в Риме. Известно, что когда папа пообещал золотую цепь тому художнику, кто первым распишет свой \"участок\" в капелле Паолина, Рени раздраженно заметил: \"Разве мы лошади, чтобы давать приз тому, кто придет первым?\" Возвратившись в Болонью в 1614 году, художник стал домоседом. В 1619 году Рени возглавил славную школу болонской живописи. В конце 1620-х годов художник пережил очень тяжелый период. Поговаривали, что он тронулся умом: он впал в глубокую депрессию, все дни проводил в оцепенении, а по ночам неприкаянно бродил по улицам. К 1631 году мастер понемногу \"пришел в себя\". К этому времени слава Рени гремела по всей Европе. Деньги текли к нему рекой, и он мог бы стать очень богатым человеком, если бы не его страсть к азартным играм. Но при этом мастер часто анонимно жертвовал деньги на церкви, был скромен в одежде и неприхотлив в еде. Его биограф утверждает, что он \"по всей видимости, был девственником. Даже находясь в своей мастерской наедине с обнаженными юными девушками, он оставался холодным как мрамор\". Еще одна странность заключалась в ужасе, испытываемом Рени перед ведьмами, и страхом быть отравленным. Но, несмотря на его необычное поведение, Рени очень любили в Болонье. Когда в возрасте 66 лет художник скончался, об этом скорбел весь город. Художника похоронили с почестями, достойными видного государственного деятеля.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Хуан де Сурбаран
Juan de Zurbarán
		Испания 1620 – 1649 барокко
Хуан был сыном знаменитого художника Франсиско де Сурбарана. Он родился в небольшом городке области Эстремадура. Мальчик рос в достатке, воспитывался отцом и мачехой доной Беатрис де Моралес. С детства в мастерской отца обучался художественному ремеслу. Вырос Хуан блестящим молодым человеком, довольно честолюбивым (например, подписываясь, он ставил перед своим именем аристократическое «дон»). Кроме дара живописца, он обладал и литературными способностями; современники также отмечали его танцевальное мастерство, которым он овладел под руководством известного учителя танцев Хосе Родригеса Тирадо. В 20 лет Хуан женился на дочери зажиточного ростовщика Мариане де Квадрос. Велика вероятность того, что Хуан работал в студии отца и был его ассистентом. Например, руку сына исследователи усматривают в картине Франсиско де Сурбарана «Натюрморт с глиняным кувшином и чашками. Молодой живописец получал и самостоятельные заказы, в частности на религиозные картины. Но известен Хуан де Сурбаран, прежде всего, своими натюрмортами. Многие черты произведений младшего Сурбарана роднят их с картинами его отца, но полотнам Хуана присущи и самобытные черты. К сожалению, Хуан не успел в полной мере проявить свой талант художника, уйдя из жизни в 29 лет: он стал одной из многих жертв чумы, постигшей Севилью в середине XVII века.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Никола Пуссен
Nicolas Poussin
		Франция, Италия 1594 - 1665 основоположник классицизма
Николя Пуссен родился на севере Франции в маленьком нормандском городке Андели. Талант к рисованию проявился у Пуссена очень рано. В 1612 году знакомство с творчеством весьма посредственного художника Кантена Варена предопределило будущее 18-летнего юноши. Решение было принято, и Никола, покинув родные пенаты, пешком, отправился в Париж. Ему предстояло проделать путь длиною в 50 миль, который обернулся почти в 50 лет творчества. Первый в своей жизни заказ - написать серию картин из жизни только что канонизированных святых- Пуссен получил в 28 лет. Рассказывают, что шесть больших полотен, вошедших в серию, Пуссен создал за шесть дней. К сожалению, до нас ни одно из них не дошло. В 1624 г., будучи уже довольно известным художником, Пуссен, наконец, осуществил свою мечту оказаться в Риме - городе, который притягивал к себе всех молодых художников и скульпторов того времени. Знал ли он тогда, что связан теперь с Италией навечно? Известно, что в 35 лет Пуссен серьезно заболел. Один из биографов говорит об \"объятиях Венеры\", в которых оказался художник. Так это или нет, но поправлялся от болезни он в доме француза-кондитера, осевшего в Риме. И, поправившись окончательно, женился на его дочери, Анне-Марии, которая была на семнадцать лет моложе Пуссена. Её брат, Гаспар Дюже, стал учеником Пуссена и впоследствии сделал себе имя как пейзажист. Слава Пуссена вскоре докатилась до родной Франции. У художника появился еще один почитатель - им стал сам кардинал Ришелье. Для него он написал шесть картин с весьма странным выбором темы для духовного лица - темы вакханалии. В конце 1640 года по настоятельной просьбе самого Людовика XIII художник прибыл в Париж. Два года, проведенные в Париже, были тяжелейшими в его жизни. Сплетни, косые взгляды, грязные доносы и интриги - вот что окружило художника во французской столице. Особенно сильно интриговала против него пользовавшаяся покровительством королевы школа Вуэ. Он чувствовал, что на его шее затягивается петля, и мечтал оказаться в тиши своей мастерской, подальше от придворной жизни. В сентябре 1642 года Пуссен покинул Париж под предлогом болезни жены, оставшейся в Риме. Он бежал без оглядки, не думая о последствиях своего поступка. На его счастье, оба его \"высоких друга\" - кардинал Ришелье и Людовик XIII - один за другим покинули наш грешный мир. Художник вновь был свободен. В Италии Пуссен вел жизнь спокойную и размеренную. Но конец жизни мастера был печален. К 56 годам у него развилась болезнь, сопровождавшаяся сильной дрожью в руках (теперь это заболевание называют болезнью Паркинсона). Нужно ли говорить, как тяжел подобный недуг для художника. Вскоре умирает жена Пуссена. Проведя целый год \"в печали и тоске, потеряв почву под ногами\", он сошел в могилу вслед за женой. Пуссен остался в истории французской живописи как основатель классицизма. Работы \"француза-римлянина\" - ясные, рациональные, \"поверенные алгеброй\" - надолго стали образцом для подражания.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Пьер Миньяр
Pierre Mignard
		Франция 1612 — 1695 барокко
Пьер Миньяр - французский художник, брат Никола Миньяра, родился в городе Труа в Шампани 7 ноября 1612. Чтобы его не путали с братом, взял себе прозвище Римский. С 1624 года Пьер учился в ателье Жана Буше в Бурже. Вскоре он уехал в Фонтенбло - город художников и столицу искусств того времени, где он стал учеником Симона Вуэ, в ателье которого он повстречал своего будущего соперника Шарля Лебрена. В 23 года художник отправился в Рим, где заработал громкую известность. Там он познакомился с Пуссеном. Став знаменитым в Италии, Миньяр в 1657 году был вызван ко двору Людовика XIV. В 1687 король пожаловал ему дворянское титул, а после смерти Лебрена, в возрасте 78 лет стал главным придворным художником, директором королевских художественных музеев и мануфактур, членом и профессором парижской академии живописи и скульптуры, а затем ее ректором и канцлером. Главным достоинство его живописных полотен является сильный, гармоничный колорит. Но в них он платил дань своему времени, пристрастному к изысканности и внешнему блеску: композиция его картин театральна, грациозность его фигур граничит с жеманностью, экспрессия страдает некоторой фальшивостью. Одним из лучших мастеров во всей французской школе Миньяр всё-таки стал не в мифологическом и не историческом жанрах, а в жанре портрета. Блестящий рисовальщик, чувствующий гармонию цвета, умеющий тонко польстить модели, он создает целую портретную галерею своих современников Его кисти принадлежат многочисленные портреты придворных, фавориток короля и самого Людовика XIV, которого он писал около десяти раз. Пробовал он себя и в монументальной живописи, но, к сожалению, фрески руки Миньяра не сохранились. Умер художник 30 мая 1695 года, , работая над своим последним холстом — Автопортрет в образе св. Луки, хранящийся в музее г.Труа. Похоронили Пьера Миньяра в монастыре якобинцев в Париже.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Квентин Массейс
Quentin Massys
		Нидерданды 1465-1530 Северное Возрождение
Известный биограф художников XVI века Карел ван Мандер рассказывает следующую историю: «По старому обычаю, перед великим постом монахи торжественно обходили всех больных города. Всем больным раздавали вырезанные из дерева изображения святых. На этот случай их было заготовлено огромное количество. В числе больных был и Массейс, который тогда занимался кузнечным делом. Он тоже получил такие фигурки. Случайно кто-то из навестивших его друзей посоветовал ему заняться раскрашиванием фигурок, чтобы этим святым делом заслужить выздоровление. Это занятие сразу обнаружило его врожденные способности, и с тех пор Массейс весь отдался живописи, в которой, благодаря упражнениям, в самое короткое время сделал большие успехи и которой остался верен всю свою долгую жизнь». О ранних годах жизни этого выдающегося мастера известно мало. Родился в Лувене, по легенде в семье кузнеца. Возможно, его учителем был Дирк Боутс. В 26 лет Квентин вступил в антверпенскую гильдию живописцев и открыл собственную мастерскую. Его заказчиками были и нидерландские религиозные, и португальские монастыри; и датский король, и гуманист Эразм Роттердамский. Одну из важных частей творчества мастера составляют портреты. Массейс стал автором целой галереи портретов своих современников. За чей бы портрет ни брался художник, будь то знатный человек или простой горожанин, его целью всегда оставалось раскрытие чувств героя, его внутреннего мира. Квентин Массейс кистью рассказывал и о роде деятельности и интересах портретируемого, изображая его в окружении традиционных профессиональных атрибутов. Он открыл доселе не доступные искусству грани человеческого характера. В поисках характерного и единичного, будь то выражение сильных эмоций или крайняя степень уродства, Массейс пришел к созданию новых для того времени жанрово-бытовых композиций. Жанровые произведения художника носят морализирующий характер в духе Похвалы глупости Эразма Роттердамского. Самая ранняя жанровая работа мастера «Меняла с женой» иллюстрирует надпись, сделанную на оригинальной раме картины: «Пусть весы будут верными, а вес точным». Картина построена «в нескольких планах»: помимо супружеской пары, как бы в противовес ей, в картине присутствует и благочестивый гражданин, отражающийся в зеркале. Этим приемом художник отсылает нас к знаменитой картине Ван Эйка «Чета Арнольфини». В этой картине отразились искания нарождавшихся буржуа в области создания добропорядочного образа, для оправдания своих занятий. Здесь воплотился образ идеальной семьи с благочестивыми устремлениями и в то же время весьма прозаическими занятиями, приводящими их к внутреннему смятению и печали. Живопись Массейса знаменует в нидерландском искусстве переход от поздней готики к Возрождению. Стиль его живописи формировался под влиянием таких художников, как Леонардо да Винчи и Альбрехт Дюрер, но, несомненно, Квентин явился продолжателем традиций Ван Эйка. Прожив достаточно долгую жизнь и став одним из самых известных мастеров Северного Возрождения, художник своим творчеством подготовил плодородную почву зарождающемуся нидерландскому искусству следующего века.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Фредерик Базиль
Jean Frédéric Bazille
		Франция 1841—1870 один из основателей импрессионизма
Жан Фредерик Базиль, более известный как Фредерик Базиль, родился 6 декабря 1841 года во французском городе Монпелье, в состоятельной протестантской семье банкиров. В 18 лет начал изучать медицину и через три года переехал в Париж, чтобы продолжить обучение. Зернышки любви к искусству, посеянные в душу мальчику еще в детстве картинами Делакруа, дали всходы после встречи с Ренуаром. К большому огорчению его родителей Фредерик всерьез начал заниматься изобразительным искусством. Он поступает в художественную студию Шарля Глейера, где знакомится с Моне и Сислеем. Молодые люди организовали группу единомышленников, в совместных спорах вырабатывая новые принципы в подходе к живописи. Так было основано революционное Импрессионистское движение. Кумирами молодых художников были Курбе и Мане. По примеру художников Барбизонской школы, Базиль и его друзья пробовали свои силы на пленэре. Вместе с Моне он писал виды Нормандии, пропитанные повышенным интересом к свету, позировал другу для картины \"Завтрак на траве\". Благодаря благосостоянию его семьи, Фредерик Базиль имел более просторную квартиру и студию, чем большинство его друзей художников. Его дом, находившийся в районе Батиньоль в Париже стал штабом для Импрессионистов, поэтому зарождающееся движение сначала называли \" Школой Батиньоль\". Работа Базиля 1870 года «Студия Художника», изображающая Ренуара, журналиста и критика Эмиля Золя, Клода Моне и Эдуарда Мане в студии Базиля, иллюстрирует этот период. Фредерик Базиль никогда не был женат. Его многочисленные близкие отношения с мужчинами даже не вызвали сомнений в его нетрадиционной ориентации. В то время, гомосексуализм считали инакомыслием, и это явление подавлялось во всем мире, особенно среди социальной элиты, к которой относилась его семья. После начала франко-прусской войны в 1870 году Фредерик Базиль, как и многие творческие люди того времени, ушел добровольцем на фронт. Его почти немедленно послали в Алжир для боевого обучения, и к концу года он уже сражался в бою. Пехотинец Фредерик Базиль был трагически убит в его первом же сражении 28 ноября 1870 года, несколько дней не дожив до своего 29-летия. Он был истинным гением и достиг бы огромных высот в изобразительном искусстве, если бы не смерть на поле боя. Фредерик Базиль не дожил до первой выставки импрессионистов, но его по праву называют одним из основоположников этого переломного направления в мировом искусстве.
Вставить (заменить) фото переписать текст

Павел Филонов
		Россия (СССР) 1883-1941 авангардист, основоположник аналитического искуства
«Очевидец незримого», - так назвал Филонова его современник поэт Алексей Кручёных. Один из лидеров русского авангардизма - Павел Филонов был личностью необычайно сильной и трагической. Непоколебимо убежденный в пророческой силе своих художественных открытий, он не знал никаких компромиссов. Он разработал принципы «аналитического искусства», основанного на расчленении объемов на многочисленные части, создал особый способ разложения формы на бесконечно дробящиеся первоэлементы, из которых затем составлял сложные композиции, способные к бесконечному развертыванию. Благодаря этому знаменитому живописному приему многие произведения Филонова удивительно красиво переливаются, подобно граненым драгоценным камням. Он решительно преодолевает границу видимого и мыслимого, не отказываясь от предметности как таковой, свободно оперирует ее элементами. Павел Николаевич Филонов родился в Москве. Родители Филонова, как он сам писал, были рязанские мещане: мать была прачкой, отец — кучером, а позже — извозчиком. Рисовать мальчик начал рано. Но до одиннадцати лет он был танцором в московских театрах, вышивал, как и его сёстры, полотенца, скатерти. Окончил в Москве начальную школу. После переезда в Петербург, когда мальчику исполнилось 14 лет, он поступил в живописно-малярные мастерские. В 1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии художеств, из которой уже через два года он «добровольно вышел». В возрасте 29 лет Филонов пишет статью «Канон и закон», где уже ясно сформулированы принципы аналитического искусства: антикубизм, принцип «органического» — от частного к общему. Все творчество этого удивительного художника не отрывается от природы, как у кубистов, но стремится её постичь, анализируя элементы формы в их непрерывном развитии. Художник создавал страшные образы мирового зла, бездушной цивилизации, угнетения природы и человека, но искренне верил в расцвет, всеобщее братство и согласие. Следуя принципам «аналитического искусства», Филонов настойчиво пытался проникнуть в микромир, в структуру вещей, в саму «лабораторию природы», подобно тому как проникает в нее мысль ученого. «Надо стремиться изображать не внешний вид дерева, а его рост, не лицо человека, а процесс его мышления»,- считал Филонов. Многие свои произведения он называл «формулами». До сих пор картины самобытного мастера поражают своей загадочностью. Будучи словно зашифрованным, смысл произведений Филонова остается для зрителя тайной. В конце жизни художник оказался невостребованным, так как его творчество было несовместимо с идеологией социалистического реализма. Филонов умер от голода в блокадном Ленинграде 3 декабря 1941 г. Работы художника спасла его сестра, она передала их на хранение в Русский музей. Но молчание вокруг имени великого мастера было нарушено лишь на излете оттепели. А новое открытие его творчества состоялось уже после перестройки. Несколько лет спустя вокруг филоновских работ разразился скандал - восемь рисунков мастера были заменены в музее копиями, подмена обнаружилась, лишь когда подлинники поступили в коллекцию Центра Помпиду. В 2000 году эти рисунки были возвращены в Россию.
Вставить (заменить) фото переписать текст